Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Por Fabián Iriarte

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire, es uno de los acontecimientos independientes del año y posiblemente tendrá una carrera de éxitos merecidos. La historia de una adolescente del Harlem analfabeta y maltratada por su madre es un drama producido por Oprah Winfrey muy proclive a enmarcar desde su programa este tipo de parásito social anquilosado en los desposeídos y traducido en violencia doméstica feroz.

Mas allá de los designios de Winfrey la película de Lee Daniels tiene vida propia, tiene personalidad y genera una discusión eterna: Contención versus Prevención.

Precious tiene para destacar herramientas narrativas genuinas. Gabourey Sidibe es una obesa adolescente de raza negra con una hija con el sídrome Down y un embarazo que complica su vida corriente como estudiante, lo que provoca su reasignación escolar en otro establecimiento.




Su madre ( La sorprendente Mo’Nique seguramente ternada para los Oscar) descarga sus frustraciones infundadas sobre la enorme Precious (Auto apodo que proviene de la proyección imaginativa de su alter ego ficcional) quién ha perfeccionado un mecanismo de evasión mental donde es una estrella rutilante que brilla ante las miradas embelesadas de sus incontables admiradores.
Con esta constante el film se mueve entre el realismo mas descarnado y un paisaje mental exuberante y redentor, mecanismo que hace de Precious un ir y venir secular de intensa interacción y empatía que lleva a descubrir a un ser preso de su físico desfavorable, que como efecto primario, solo obtiene discriminación y abuso permanente (Algo así como el padecimiento físico-emocional de The Elephant Man) que carga sobre sus hombros un dolor humano inimaginable hasta el extremo. Más allá de la compasión que genera de forma inevitable, lo realmente importante es su proceso hacia la liberación espiritual, germen que ha cultivado aun bajo las presiones más contundentes, para que algún día, alguna circunstancia que desconoce pueda concederle una cierta purificación.


Es un camino del héroe invertido, cuando mas se acerca a su ideal en la realidad más desaparece su proyección metal de aquellos sueños imposibles pero redentores que su propia mente se encargaba de producir. Un proceso externo e interno construido por Daniels con maestría y sensibilidad. Como dato intervienen con justeza dos cantautores como Lenny Kravitz y Mariah Carey. Precious es una historia para querer y no olvidar, un momento para la reflexión y para la discusión, es todo lo que puede y debe dar una buena historia.

THE WHITE RIBBON. La obra maestra de Michael Haneke

THE WHITE RIBBON
Por Fabián Iriarte

Estuve madurando la idea que tal vez The White Ribbon (Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte) sea para Michael Haneke lo que Fanny & Alexander significó para Bergman, en este caso un temprano testamento fílmico.

Ambas consolidan las constantes obsesiones temáticas de cada realizador y apuestan a la estructura coral para exponer los diferentes caracteres y patologías del dolor y del sufrimiento. De esta manera forjan una definitiva síntesis de toda una obra. Bergman, el maestro sueco, extirpa los remanentes del alma para autenticar que el humano es un ser menos atento a la razón que a los impulsos y más consagrado a instaurar en su epicentro las contradicciones que redefine la especie. Haneke asegura que el ser humano tiene en su naturaleza, una urgente tendencia maliciosa y que él mismo está predispuesto a fundarse como ejemplo construyendo su obra en base a ese principio. Haneke atesora los extremos tanto como su coterráneo y vecino de Munich, Werner Herzog. Ambos están siempre dispuestos a inmolarse en pos de sus discursos narrativos.


En The White Ribbon lo coral potencia la recurrencia temática. Un poco mas lejos de la desgarrada brutal y explícita narrativa de Benny's Video donde un niño bautiza su instinto asesino al ver matar a un cerdo y decide retratar la muerte en directo en un video, pero esta vez… con un humano. O el sádico juego de muerte que somete a una familia hasta extremos insostenibles en el Funny Games alemán. Sin dejar pasar la autodestrucción masoquista de una pianista sodomizada por sus miedos y miserias en La Pianiste, hasta llegar en Caché al miserable pasado que inunda el presente de una familia de profesionales de aparente vida controlada, cuando un video (Otra vez el registro directo contemporáneo mas efectivo) irrumpe en su hogar guardando incógnitas y sospechas oscuras y censurables.

En The Withe Ribbon la acción tiene lugar en un pueblo alemán en los quince meses que precede la Primera Guerra Mundial. Entre las personas que viven allí hay un barón que es un hacendado dominante y una aparente autoridad moral irreprochable, un pastor con gran cantidad de niños, algunos bastardos por cierto, un doctor viudo con una sospechosa relación con su hija y un maestro que asume un romance casto y virginal con una campesina y que narra la historia en primera persona, con la distancia del presente pero con el detalle del ayer.

En esa aldea la maldad aflora cuando cierta cantidad de sucesos se desencadenan bifurcando lo doméstico y su eterna anestesia pueblerina. Si bien algunos parecen de factura inocente, los sucesos siguen su curso y el grado de execración aumenta sistemáticamente: una mano desconocida abre una ventana para exponer a un bebé recién nacido al intenso frío del invierno. Un campo entero de coles, en la tierra del barón, es destruido por una guadaña, hasta un niño disfuncional es encontrado en el bosque con una nota muy cercana a una venganza de carácter divino que arrasará el lugar como un apocalipsis purificador.

La comunidad se acusa entre si y la tempestad está lista para desatarse. Haneke sintetiza los tiempos que vendrán en algunas escenas impactantes construyendo la humillación mas atroz que un ser humano pueda propinarle a otro cuando El Doctor extermina con palabras lacerantes a su segunda esposa o cuando el Pastor encierra y ata a su hijo después de confesar su recurrente rito masturbatorio. El mismo pastor decide atar una cinta blanca a sus otros hijos como perpetuando una promesa de pureza que la historia terminará por desmitificar. Según Haneke “El absolutismo se convierte en terrorismo. Aunque esta película no es sólo sobre el fascismo, por mucho que haya sido ambientada en Alemania. La gente puede decir que habla sobre los nazis, pero es un problema que afecta a todos”.

Su historia inicia la raíz del odio en un ámbito aislado (También había tratado el aislamiento en Le temps du loup) que se propaga mas allá de los límites aldeanos en las formas del absolutismo que todos . No es casual que la propuesta de Haneke señale que el individuo en aislamiento es mas propenso a construir vallas morales y totalitarias propiciando un cultivo epistolar e inmediato que el que pueda apreciarse en las ciudades, donde, de todas maneras, la tipología llegará con las consecuencias históricas de público conocimiento.

Haneke además agrega “A los niños se les imponían valores absolutos. Los principios absolutistas son, por definición, inhumanos. Y los niños siguen estos principios al pie de la letra, castigando a los que no viven en función de su ideal. Quería hacer una película sobre cómo todo ideal se pervierte. Siempre me ha gustado crear en el cine la libertad que se tiene cuando se lee un libro, donde se dan infinitas posibilidades imaginativas. Las imágenes van surgiendo en tu mente. Y he rodado en blanco y negro, no sólo por mantenerme fiel a las imágenes de la época, sino porque quería usar una voz narrativa distante. Buscaba romper con las convenciones del mundo real”.

Finalmente el film va tejiendo dentro de las improbables aristas que provoca la conducta, la representación de la raíz del mal, del odio y la discriminación, una idea más cercana a la infancia que a la adultez, dedicada a nutrir los principios afines al rigor y la intolerancia para acallar sistemáticamente las voces mas libres. Haneke enmarca el concepto de lo humano como la especie mas destructiva por naturaleza cuando una niña decapita con una tijera un pájaro y sustituye su cabeza con la misma tijera formando una cruz cristiana.

Una obra total, compleja, referencial, caustica, simbólica y tal vez premonitoria. Para preguntarnos que tan lejos o cerca estamos o, en todo caso, como podemos empezar a salir de esto, siempre y cuando el ser humano esté dispuesto. ¿Lo está?

“De virtud hay una especie, de maldad, muchas”. Platón.

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SPIRIT AWARDS 2010: Lo Mejor del Cine Indie Norteamericano

SIN NOMBRE

Sin nombre es un un thriller épico - dramático escrito y dirigido por el director Cary Joji Fukunaga, triunfador en Sundance. Adriano Goldman, nos retrata la realidad que viven cientos de inmigrantes centroamericanos que dejan su país en la búsqueda incierta y muchas veces riesgosa de un futuro más promisorio.

Sin nombre cuenta la historia de Sayra (Paulina Gaytán), una adolescente hondureña, hambrienta de un futuro mejor, que decide emigrar a Estados Unidos junto con su tío y su padre, quien ahora tiene una nueva familia, pero en el camino se involucrará con un miembro de la MARA Mexicana.




THE LAST STATION

Tolstoi (Plummer) se encuentra refugiado en su finca de Yásnia Poliana. Su vida se apaga lentamente mientras su esposa Sofía Andréievna (Mirren) y su principal discípulo, Vladimir Cherkov (Giamatti), se disputan el legado del autor.

Enfrentado con sus allegados, Tolstoi trata de escapar de su hogar, pero su avanzada edad y su frágil salud únicamente le permiten llegar hasta la estación ferroviaria de Astapovo, donde su vida se extingue lentamente







CRAZY HEART

Un cantante de música country intenta recomenzar su carrera, ayudado por una periodista joven e idealista que lo impulsa para que salga del pozo al que llegó.

La historia está tomada de la novela escrita por Thomas Cobb. La película, que protagonizan Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal y Robert Duvall, es la primera obra que dirige Scott Cooper.

El film se perfila como un gran drama y una moraleja sobre la fuerza de espíritu, puede ser la oportunidad de Bridges de alcanzar el Oscar que tanto espera.








A SERIOUS MAN

Larry Gopnik, un profesor de matemáticas judío que sufre las calamidades existenciales de una familia judía en Minneapolis a finales de los sesenta.

Su vida se desvanece tras una serie de eventos que se bifurcan en una crisis existencial y espiritual.
Su esposa Judith quiere el divorcio judío para poder casarse con su amigo Sy Ableman.

Su hermano Arthur, genio matemático vive con ellos durmiendo en el sofá por falta de recursos y habilidad para cuidarse a si mismo, su hijo adolescente Danny hurta de su billetera para comprar marihuana y Sarah, su hija, le hurta para pagarse la cirujia nasal que planea realizar.






AMREEKA.

Amreeka, América en árabe, es la experiencia contemporánea de una inmigrante palestina a Estados Unidos, marcado con tragos amargos, y un buen sentido del humor. Muna lleva años solicitando una green card, vía una lotería -asumimos-- y al tiempo que el ejército de este país logra entrar a Bagdad aceptan su petición. Con familiares en un pueblo pequeño de Illinois y dos títulos profesionales, deja todo atrás y con toda razón: su patria está ocupado, su marido la dejó por una mujer joven y delgada, y el futuro de su único hijo es incierto.

Sin embargo, su ingenuidad y el poco conocimiento de la realidad estadounidense, le ocasionaran varios problemas, que comenzarán desde su llegada al aeropuerto. En pocos días Muna, se dará cuenta que el sueño americano, está más allá de su propia fuerza y enorme sonrisa.




PRECIOUS. Based on the Novel Push by Sapphire

Clareece “Precious” Jones (Gabourey Sidibe), una adolescente iletrada y con sobrepeso, vive en el seno de una familia disfuncional de Harlem. Abusada por su padre, quien la deja embarazada dos veces, y con una terrible relación con su madre (Mo’Nique), es invitada a asistir a una escuela alternativa, donde buscará refugio de su terrible realidad e intentará cambiar su vida de dirección.

La película incluye la participación de músicos como Mariah Carey, Lenny Kravitz y Paula Patton, en personajes secundarios.

EL SECRETO DE SUS OJOS, O Como Conectar Con El Público Con Una Historia Bien Contada

Por Fabían Iriarte

Permítanme ante todo construir significados con mis sensaciones. Para valorar lo que vi y no decir más de lo mismo quiero hacer un poco de historia adecuando el contexto cuando aquellos días la muletilla más incómoda de nuestro cine inauguraba el llamado nuevo cine argentino.

Hace mucho tiempo que quiero escribir sobre ese mote, tanto como desde que regresé al país.


El Secreto de sus Ojos funcionó como una catársis después de tanto divorcio. Esta es la necesidad de decir pero también de separ esta obra de todo aquello anterior. Así de trascendente es. Retrocedamos un poco para entender.

Desde el día que una productora joven me dijo que ellos (los jóvenes entre 20 y 25 años acreditados automáticamente para formar parte del movimiento) eran el nuevo cine argentino y que estaban dispuestos a reformular todo lo que se había hecho antes yo no dejé de pensar en el peligroso significado. Sea lo que sea que fuese se encargaron sistemáticamente de alejar al espectador vernáculo de cualquier obra argentina. Tanto que hoy, en una encuesta que hace el INCAA, pregunta si considera el cine argentino aburrido. El modelo perimido ha carcomido las entrañas con una estrepitosa neurósis cinética.

Más atrás en el tiempo leí como Lisandro Alonso y uno de los Ortega (Me confundo quién es quién, ¡Qué mas da!) blasfemaban sobre los espectadores que no entendían sus películas. En la misma revista algunos directores especificaban pormenores de cómo hacer una opera prima junto a productores que lo habían logrado, pero lo que no decían era, que sus películas apenas habían llegado a la suma de 5.000 espectadores y anidaban en los espacios INCAA o en una sala alternativa los viernes a las 23 hs.

Al mismo tiempo, lo críticos alentaban las producciones que sustituían las historias por el sopor contemplativo de horizontes y pianos que bosquejaban notas como cantos rodados, cuando no alternaban con un solemne violín que lo hacia todo mas insoportable.

Se ha vilipendiado más de una vez el concepto de arte cuando se enaltecía algunas de esas propuestas hasta esos niveles. Hoy esos mismos críticos hacen la salvedad del “no es para todos” para justificar lo injustificable.

No te impacientes, ya voy con El Secreto... pero creo que es importante destacar que probablemente tengamos un antes y después, y es importante reconocer el antes.


Soy un fiel defensor de las historias,
del storyteller, pero estaba viviendo la era de la no historia. En el mejor de lo casos, se grababa el primer borrador de un guión o ni siquiera se tenía uno. Se improvisaba y se pretendía el salvoconducto de una edición liberadora, se maquillaba el discurso y todos debíamos hacer el esfuerzo de acarrear ese gesto al nivel de una película. Ah, le decían búsqueda. Pero no. Vi como un hachero cortaba un árbol durante 10 minutos, como un parrillero tardaba siete minutos en hacer un sanguche de chorizo, o como tardan los personajes en responder un simple ¡Hola! o no se que de un niño pez en alguna parte.

El Secreto de sus Ojos, nos trae el viejo buen cine argentino y además amigos míos quiero confesarles que El Secreto de sus Ojos ha redimido el cine argentino con la simpleza de una historia notablemente contada, con las líneas de sus diálogos precisos y calculados y el trabajo tan espinoso de la emoción. Hay carnadura y los personajes se debaten en el universo del drama contemporáneo en un escenario tan particular como nuestro bendito país.
A nuestra sociedad le encanta calificar, ponerle nombre o apodos a las cosas, o entronizar mártires, mitos y venerar al piola. El Secreto... se recordará como la película que demanda al cine nacional la tarea de restituirnos las historias mas entrañables, y es en ese sentido inclasificable por su efecto masivo. De todas maneras alguien ya estará pensando en algo.

La película tiene identidad, aquella identidad que perdimos cuando quisimos parecernos más al cine de Antonioni de los sesenta o a las modas Iranís u Orientales, que ciertos cineastas experimentaron entre historias de cárceles y miseria festivalera exportable. Algunos hasta se jactan de saber cine solo por pronunciar tres o cuatro directores orientales sin que la lengua se les trabe o citar un puñado de películas descubiertas junto a un profesor mas dedicado a la reiteración de viejos conceptos que a verificar la mirada de la refrescante narrativa contemporánea.
El Secreto de sus Ojos es una película de corte clásico pero con la frescura estructural de la fractura temporal. J.J. Campanella diseña personajes que ya no existen o en franca extinción como Benjamín y se debaten en la ironía de una sociedad complotada a llevar todo hacia orillas escabrosas y corruptas. Los personajes centrales de Campanella son moralmente intachables, es por eso que no existen, pero trabajan el deseo correspondido del público, es decir: cuanto daría por ellos. Mas allá de su vía crucis insostenible, de la epopeya insigne de torcer el desquicio que azota una sociedad, por lo menos terminan en paz con ellos mismos, aunque tal vez el precio de abandonar un amor tan fuerte por veinte años resulte acaso de un excesivo idealismo anacrónico.
El secreto… es una película querible, con personajes queribles y otros guiños que todos pueden conectar con la realidad nuestra de cada día. El elemento identificatorio que Campanella construye funciona en todos los niveles y queridos amigos, es nacional. Por fin.

LO QUE DEJO MCKEE: EL CLAUSTRO MÁS PRODUCTIVO DEL AÑO.

Por Fabián Iriarte.

El primer registro emocional del taller nos lleva a calar primero en la experiencia más cercana a la disección certera de la conducta humana como instrumento primordial de la construcción de historias. Conocer, conocerte, conocimiento temático, conocimiento emocional todo hacia el inevitable Core Cognitivo. Todo está allí pero por alguna razón a veces la razón misma no lo reconoce.

Alguna vez Jean Claude Carriere en los pasillos de Screenplay Systems en Burbank, California, y en los primeros pasos serios de mi aprendizaje narrativo me dijo que todo se trata de CHR, las siglas que sintetizan el Conocimiento Humano Reconocible.

McKee califica y clasifica las herramientas emocionales a partir de la observación del mundo, de la universalidad del relato y pone al servicio del participante un Tour the force de cuatro días sustentado en la exposición de Showman a veces y devenido en Frontman (Momento mágico cuando interpreta El tiempo pasará como corolario de una pasión) otras, y que supo articular en sus seminarios a través del mundo entero.

McKee va directo al punto, es rudo, claro y un extraordinario storyteller oral, pero es cierto que el seminario necesita de una plataforma personal construida, no es lo mismo para los principiantes que para aquellos que han transitado ya por la escritura profesional. Son dos estados distintos pero no excluyentes. Para aquellos que ya hemos sido testigos de la transición Idea-Desarrollo-Guión-Film el seminario agrega la sustancia necesaria para rever proyectos, considerar herramientas con verificaciones más terrenales en cuanto a la lógica y justificación de la conducta y del alma humana.

McKee está mas allá de las fronteras formales de Syd Field, y del coloquial sistema Seger y mas cerca de la profundización narrativa de la construcción de un core congnitivo de Carriere. En tanto, la explicación de su consistencia estructural que él llama Spine Of Action certifica el estilo y la dinámica de la información del relato. Para aquellos que aun no han escrito largometrajes McKee es una especie de sistema dramático a experimentar. Pude escuchar por los pasillos ¿Pero… como lo aplico? ¿De que formato habla? O ¿Cómo empiezo a escribir? En realidad eso se responde de una sola forma: escribiendo. Por eso creo que la conexión McKee es mucho más rentable teniendo uno la maquinaria en casa y yendo a buscar las piezas que le faltan a la misma al seminario.

Pero eso es una apreciación totalmente personal, tanto como para pensar durante la exposición, que McKee llega de una manera excepcional, es visceral, es claro, es cine en estado solido pero incita las preguntas mas temibles y existenciales y genera una respuesta aunque de apariencia evidente, muchas veces subestimada; el arte de escribir para la pantalla es un arte sumamente complejo ¿Seremos capaz de convivir con él?

Fragmento del guión Inglourious Basterds: de como presentar personajes, géneros y estilos en un monólogo

CAPÍTULO DOS
BASTARDOS SIN GLORIA

FADE IN

EXTERIOR. EN ALGÚN LUGAR DE INGLATERRA. DE DÍA.

Un grupo de SOLDADOS, formando fila y en posición de firmes.

El TENIENTE ALDO RAINE, un palurdo de las montañas de Tennessee,
pasa revista. Va alistando a los hombres que los alemanes
llamarán después “los Bastardos”. Hay una característica física•
que distingue al TENIENTE Aldo, una MARCA DE UNA SOGA en el
cuello. Como si en algún momento de su vida hubiera sobrevivido
a un AHORCAMIENTO.

La cicatriz no será mencionada en ningún momento.

TENIENTE ALDO
Soy el teniente Aldo Raine y estoy organizando un
equipo especial. y necesito conmigo a seis soldados.
Ocho soldados judíos y americanos.
Puede que hayáis oído rumores sobre la armada que
prepara para dentro de poco. Bien, nosotros saldremos
un poco antes. Saltaremos sobre Francia, vestidos
corno civiles. y una vez en territorio enemigo, como
grupo guerrillero camuflado, nos dedicaremos a una
cosa, a una sola cosa: matar nazis.
Los miembros del Partido Nacionalsocialista han
conquistado Europa asesinando, torturando,
intimidando y aterrorizando. Y esto es exactamente
que vamos a hacer con ellos. No sé vosotros, pero
aseguro que yo no he venido desde los malditos
Apalaches, tras cruzar ocho mil kilómetros de mar,
atravesar media Sicilia y saltar de un puto
aeroplano, para darles lecciones de humanidad a los
nazis. Los nazis no saben de humanidad. Son la
infantería de un maníaco asesino que odia a los
judíos, y hay que destruirlos.
Por esto, cada hijoputa que encontremos con un
uniforme nazi, va a morir.
Seremos crueles con los alemanes, y nos conocerán
nuestra crueldad. y dejaremos pruebas de nuestra
desmesurada crueldad en los cuerpos de sus hermanos
destripados, mutilados y desfigurados, que dejare
nuestro paso. No serán capaces de borrar jamás las
imágenes de crueldad a las que los sometimos con
nuestras manos, nuestras botas y nuestros cuchillos
y los alemanes sentirán aversión por nosotros.
y los alemanes hablarán de nosotros.
y los alemanes nos temerán.
y cuando los alemanes cierren de noche los ojos y el
subconsciente los torture por todo el mal que han
hecho, será el pensar en nosotros lo que los torture más.

El teniente se detiene y se los queda mirando a todos.

TENIENTE ALDO
¿Os suena bien?

Contestan todos a la vez:

TODOS
¡Sí, señor!

TENIENTE ALDO
Eso quería oír. Pero tengo una advertencia que hacer
a todos los aspirantes a guerrero. Cuando se pongan
a mis órdenes estarán en deuda. Una deuda personal
conmigo. Cada hombre a mis órdenes me deberá cien
cabelleras nazis. y quiero mis cabelleras.
y cada uno de vosotros me va a traer cien cabelleras
nazis, arrancadas de las cabezas de cien nazis
muertos ... o morirá intentándolo.

CORTE A

EXTERIOR. CHALET EN LO ALTO DE UNA MONTAÑA. DE DÍA.

Un enorme chalet en lo alto de una montaña, en Baviera.

APARECE SUBTÍTULO:

“BERCHTESGADEN, BAVIERA”
(REFUGIO PRIVADO DE HITLER)

INTERIOR. BERCHTESGADEN. DE DÍA.

En una gran habitación, ADOLF HITLER descarga un puñetazo en una mesa enorme
, a la vez que despotrica contra DOS GENERALES alemanes

SUBTITULADO en CASTELLANO:

HITLER
¿Cuánto más tengo que aguantar de esos cerdos judíos?
¡Están masacrando a mis hombres como si fueran
carnada para pescar! Esa pandilla de inmundos
degenerados están haciendo lo que el ejército ruso no
hizo nunca, lo que el ejército de Patton no pudo
hacer. ¡Están convirtiendo a los soldados del Tercer
Reich en viejecitas supersticiosas!

Recomendado: El cine indie de subsistencia, valor y tragedia

Por Fabian Iriarte

DEAD MANS SHOES
Cruda en el reflejo conceptual, donde propone la tesis del cruce de dos guerras, la que deja un soldado para vengar a su hermano disfuncional maltratado por los malvivientes de un pueblo y la de la sociedad caminando por la zozobra del desempleo, el alcohol y la brutalidad incipiente.

Parece una de venganza común y corriente pero no lo es. La película de Shane Meadows, el mismo de la irritante y caustica This is England, toca fibras íntimas del presente y el pasado que abre heridas sin solución de continuidad.



Sitio oficial: www.imdb.com/title/tt0419677/



HALF NELSON
El descenso a los infiernos de las drogas de un profesor de historia en una escuela primaria. Es inevitable comparar a Half Nelson con Entre les murs la película francesa, no por su parecido sino por sus diferencias.

Half Nelson cuestiona la realización personal de un buen profesor de historia Dan Dunne como un ser disociado de toda propuesta personal.

Una alumna, Drey, asume la responsabilidad humana de sacar a Dunne del pozo estableciendo una madura relación de compasión y homenaje. Extraordinario trabajo de Ryan Gosling que le valió una nominación al Oscar, la película de Ryan Fleck arrasó con cuanto festival de cine independiente se ha presentado.

Sitio oficial: www.halfnelsonthefilm.com


LOS BASTARDOS.
La película de Amat Escalante cautiva por sus atmósferas recurrentes que provocan luego de ver el film una especie de aflujo visual (En el mejor sentido del drama) que perdura durante un tiempo más que prudencial.

El registro de la vida de Jesús y Fausto en apenas unas horas va desde el tedio y la desazón de dos indocumentados mexicanos en el este de Los Angeles al delito mas brutal.

La sensación de lo imperturbable del destino de una basta comunidad que sirve pero no se sirve del plato de la igualdad. Dura, inexorable, cautivante.




Sitio oficial: www.bastardos.com.mx



SUNSHINE CLEANING
Entre la comedia negra y el drama rural, Christine Jeffs construye sobre la base caracterológica que supo conseguir Thelma y Louis con mujeres atrapadas dentro del síndrome de las desangeladas, incomprendidas y postergadas.

Las hermanas Rose a Norah se arriesgan a un trabajo poco ortodoxo: La limpieza de las escenas de crímenes. Entre la cultura popular y el desenfado Sunshine Cleaning propone una vez más una extraordinaria actuación de Amy Adams (Doubt) secundada por la ascendente Emily Blunt, entre el concepto de vivir a costa de los restos de una sociedad peligrosamente violenta.


Sitio oficial: www.sunshinecleaning-themovie.com

Lo que vendrá: AVATAR: la revolución tecnológica que promete cambiar al cine (¿O al espectador?)

Por Fabián Iriarte
Las nuevas tecnologías siempre devienen en la traslación entre lo experimental, lo oneroso y el camino que deben recorre hacia lo masivo. Ante tanta jactancias de los efectos que Avatar dice provocar sobre el espectador yo me reservo el lugar de la duda.

Que el cine va a cambiar para siempre es lo que opina un gran sector del los que analizan Avatar, la nueva película de James Cameron, pues dicen que tiene poder para alterar la mente del espectador que la vea, hacerle experimentar como en un sueño.

Bien, hoy el espectador promedio le dedica menos tiempo de razonamiento a los resortes lógicos y justificantes de una historia que al propio acontecimiento. Pasando en limpio, hoy importa más la bomba que los motivos por que fue activada. La lectura visual se transforma, y me temo que Avatar llegará para instaurar definitivamente las sensaciones ante que las emociones genuinas de lo procedente en cualquier manifestación reconocible de lo humano. ¿Será James Cameron aquel que instaure en la realidad lo que ha pregonado en sus historias? ¿Iremos inexorablemente hacia al progresivo abandono de las historias de contenido para ocupar un asiento en una montaña rusa virtual?

Algunos neurólogos ya se han aventurado a afirmar que esta forma de ver cine estimula partes del cerebro que no son ni tangencialmente activadas con el 2D. Testigos menos académicos aseveraban que les había dejado con sensaciones de "anhelar más", poco menos como si se tratara de una droga de elevado poder adictivo. ¿Simples exageraciones? En todo caso, haciendo gala de estos elementos no hago más que preocuparme.

Lo que está claro es que nada tiene que ver con el 3D convencional sino que se trata de una nueva tecnología basada en una cámara con dos ojos (lentes) en lugar de uno, o de las dos cámaras del 3D tradicional. Un especie de réplica de nuestro sistema ocular y de cómo éste genera la captación del 3D en la vida real. Para ello, las gafas de dos colores, serán sustituidas por una especie de gafas polarizadas de aspecto más "cool" (¡un aderezo de estética casi siempre intensifica el placer!).

Deslumbrados por la experimentación del espectador, que más que someterse a recursos de efectos sorprendentes como los del 3D convencional dicen que se sentirá tridimensionalmente rodeado e inmerso en el ambiente de la película, los visionarios no se cortan al afirmar que Avatar representará para el Cine un avance equivalente a la llegada del sonoro o del color.

¿Sera?

Trailer: www2.avatarmovie.com

Lo que vendra: Lo nuevo de Martin Scorsese y Los Hermanos Coen

SHUTTER ISLAND

Sobre una novela de Dennis Lehane (autor también de ‘Mystic River’ y guionista ocasional de la fenomenal serie ‘The Wire’), trata sobre dos policías que investigarán un asesinato en un hospital psiquiátrico.
‘Shutter Island’ es lo nuevo del gran Martin Scorsese, y su historia está ambientada en los años 50, un U.S. Marshall seguirá la pista de un asesino que se ha escapado del psiquiátrico en el que se encontraba recluido, ocultándose en la isla del título.
Se filmaron muchas partes en el estado de Massachusetts viejo el hospital mental en Medfield, MA

Cast:
Leonardo DiCaprio/Teddy Daniels
Mark Ruffalo/Chuck Aule
Ben Kingsley/Dr. John Cawley
Emily Mortimer/Rachel Solando
Michelle Williams/Dolores Chanal
Max von Sydow/Dr. Jeremiah Naehring
Jackie Earle Haley/George Noyce
Elias Koteas/Andrew Laeddis
Patricia Clarkson

Si los vientos nos favorecen y no nos ataca ninguna pandemia llegaría a la Argentina una semana después del estreno en USA. La esperamos para el 8 de octubre 2009.











A SERIOUS MAN

Llegan los Coen nuevamente resaltando el marco de la comedia negra .La película está ambientada en St. Louis Park, Minnesota, en el año 1967, con un presupuesto de 7.000.000 USD intenta de alguna manera reflejar la infancia de los hermanos Coen de la forma en que ellos la recuerdan, agreguen una dosis de ironía y desenfado.
Larry Gopnik, es un profesor academico judío que vive en un barrio judío de clase media en las afueras de Minneapolis, los Coen centran La historia en la lucha espiritual y existencial de Gopnik cuando su esposa Judith contempla la posibilidad de dejarlo por su colega Sy Ableman. Para mayor sufrimiento, su inútil hermano Arthur vive en su propia casa, es un paria poco afortunado. Larry comienza a cuestionar el valor de su vida, a la vez que soporta estos asuntos y otros que se suman como su hijo, Danny, que roba dinero de su billetera para comprar marihuana y su hija, Sarah, que le roba para financiar su cirugia de nariz, un estudiante que intenta sobornarlo para pasar de grado y lo amenaza con demandarlo; y una vecina que llama su atención. Larry pide consejos a tres rabinos distintos en el intento de resolver sus problemas y convertirse en un hombre devoto para soportar su inevitable carga.

Cast.

* Michael Stuhlbarg: Larry Gopnik
* Sari Wagner Lennick: Judith Gopnik (esposa de Larry)
* Richard Kind: Arthur Gopnik (hermano de Larry)
* Fred Melamed: Sy Ableman
* Aaron Wolff: Danny Gopnik
* Jessica McManus: Sarah Gopnik
* Adam Arkin: Don Milgram
* George Wyner: Rabbi Nachter

Estreno: 2 de octubre USA/ 2010 Argentina

Recomendado: The Hangover. Lo consciente resolviendo los despropósitos del subconciente

Hacia mucho que no le dedicaba tanto tiempo a una comedia, posiblemente desde Animal House (visionada unas 34 veces) y desde The Blues Brothers (Unas 43) nada había llamado mi atención como para una exploración. Ahora bien, debemos decir en principio que The Hangover reune lo mejor de la comedia americana y que se sustenta en la tipología del Buddy Guys Movie (Films de amigos generalmente en desgracia y perseguidos) y que desde la unión de varios referentes y tópicos se las arregla para disimularlo todo con sello propio.

The Hangover usufructúa el desenfreno sarcástico de Raising Arizona, el viaje sincrético de Sideways , la paranoia alucinatoria de Cheech and Chong's - Up In Smoke, y un emblemático episodio de The Simpson donde Flanders y Homero en una juerga trasnochada de alcohol juran amor eterno en una iglesia a dos desconocidas de dudosa procedencia.

Pero vale aclarar que The Hangover tiene vuelo propio, y del mejor. Estructurada con signos mas convenientes del Thriller pero asumiendo los roles de la comedia alocada cuenta la historia de la despedida de soltero de Doug en Las Vegas, secundada por Phil, un carilindo profesor de fast life mode, Stu un aburguesado marido sometido y Alan, el hermano de la novia, indultado tempranamente por la fortuna de los padres pero con un descaro anarquista mas de los sesenta entre el Dude de Jeff Bridges en The Big Lebowski y las violentas indecencias de John Belushi en Animal House.

Todo se complica cuando una noche Doug desaparece y los demás aparecen en la habitación de un hotel de lujo encerrados con un tigre, un bebe de meses, un diente menos y una resaca monumental. Nadie se acuerda de nada, pero todos se acuerdan de ellos.
Entre las capas de comedia del absurdo y el trazo grueso, la intención narrativa se apodera de la premisa de la búsqueda del consciente hacia las respuesta inalcanzables del subconsciente, y como es de esperar todo se reconstruye con múltiples obstáculos a manera de brainstorming asociado con el espectador, mientras paulatinamente todo converge hacia los minutos finales, donde todo es asociado definitivamente con un extraordinario montaje fotográfico que explora la catarsis mas primitiva de los personajes.

Varias escenas para recordar durante algún tiempo: La aparición de Mike Tyson y su ostentosa relación con un tigre es una película aparte, la participación de Ken Jeong como Mr. Chow, especie de Yakuza homosexual de gran irritabilidad y lenguaje físico enervante, no tiene desperdicio. The Hangover se desplaza suelta de cuerpo con algo más que las últimas comedias americanas, explora en un subtexto tan importante como su razón principal sobre lo que llevamos dentro, sobre las pocas posibilidades de expresar y sobre la instintiva naturaleza humana, condición implacable y reveladora de nuestros asuntos pendientes.

Recomendado: el cine de David Gordon Green, hacia las entrañas inapropiadas de América

La pandemia hizo que un taller de cine independiente americano que debia dictar se suspendiera, lo que quedó sin embargo es la investigación que me llevó a una urgente necesidad de sintetizar el movimiento. Dentro del espectro independiente experimental que va desde Andy Warhol, Kenneth Anger, Robert Nelson, Jonas Mekas, Tony Conrad, enunciados desde una curtiembre mas lisérgica hasta el primer Cassavetes de registros sociales _ o multirraciales - o el primo americano wenderiano de Jim Jarmush o la desesperanza amarga y disfuncional de Tood Solonz, Noah Baumbach, Spike Jonze, Todd Haynes cosquilleando de costado a un Steven Soderbergh temático pero con presupuestos insignes. Que se entienda bien, es síntesis y en esa síntesis entronizando lo más destacable me detengo en David Gordon Green.

Nuestro hombre nace un 9 de abril de 1975 en Little Rock, Arkansas, USA y se gradúa en el Richardson High School de North Carolina School of the Arts, donde finalmente se recibe de director cinematografico. Hoy vive en New Orleans.

Muchos comparan este director con el trabajo de Terrence Malik y no le queda nada mal el mote pero yo me atrevo a decir que es el Tarantino del drama. Su construcción epidérmica de caracteres con microhistorias inexorables y diálogos que concentran el ser lindante – despojado generalmente del contacto mundano de las grandes urbes – lo caracteriza y me convida la comparación. Mas allá de este espejo antojadizo y personal ¿Que es lo que llama la atención de este cineasta? Bien, por partes, Gordon Green tiene un profundo conocimiento de la gran periferia americana, del universo beligerante de los olvidados y desde allí construye o cimienta una profundidad caracterológica compleja, diseccionada desde sus contradicciones elementales mientras sube la cuesta sin pausa hacia la cumbre de la catarsis inevitable.

Siempre atento a la mixtura visual del olvido o residuo rural como contraparte de una naturaleza que sucumbe al trajinar esperpéntico del hombre y su necesidad de autodestrucción a corto plazo. Su primer film George Washington, estructurado entre la experimentación académica y los principios rigurosos de Green en North Carolina donde un muchacho negro llamado George y sus amigos presencian la dolorosa muerte de su amigo Buddy y se convierten en cómplices de una sombría mentira. Días después decide convertirse en un esbozo ensoñado de superhéroe renegado de su entorno vacuo y decadente.
George decide inmolar su condición de niño por un escape glorioso entre tanta desidia, inacción e impericia pueblerina. El tránsito caótico entre inocencia y el mundo adulto sin estaciones intermedias.

En el 2003, Gordon Green realiza All The Real Girl dilatando el tono pueblerino de George Washington, pero escenificando con gran pericia las contradicciones humanas en las relaciones amorosas, cuando Paul un consumado gigoló de pacotilla arriba a Noel, la hermana de su mejor amigo. Noel es la muchacha pura y casta, Paul un lobo contenido, Green logra establecer la tensión sexual desde los primeros minutos y con una premisa simple construye una maraña de acontecimientos con otra de sus armas letales, la imprevisibilidad. Todos los universos personales se trastocan para que el espectador tenga que transponerse e instaurar nuevos puentes de cruces emocionales.

Otra de las vertientes de Green, lo imprevisible y el reordenamiento moral constante. De Marshall, North Carolina, donde transcurre All The real Girl vamos a Savannah, Georgia, donde transcurre Undertow (2004) un drama familiar en tono de psychotics road a lo The Night of the Hunter (1955) donde un padre y sus dos hijos son victimas de la codicia desenfrenada de un tío ex convicto que enluta un paisaje recóndito y espectral y genera una feroz cacería de efectos indeclinables. Otra vez la pérdida de la inocencia y el paso vertiginoso de la niñez hacia la adultez incómoda y dolorosa. Undertow es un viaje doloroso de desposeídos, una coalición sombría de desintegración familiar que hace eclosión con su próxima película Snow Angels (2007), donde tiende mas puentes de desintegración marital y establece, quizás, uno de los límites de su constante moral pueblerina, naturaleza integrada – o desintegrada gradualmente por el hombre – familia de fractura físico/emocional y su particular visión de los sin destino.

Estructurada con multiplots alternantes que parten de la relación acabada de Annie y Glen Marchand, ella una mujer incapaz de reconstruir su vida después de un largo matrimonio en punto muerto y él un ex suicida que lucha entre el alcohol y la culpa católica mientras sueña con recuperar el amor de su ex mujer. Por otro lado amanece en un adolescente los primeros pasos hacia una relación amorosa de caracter iniciática, y en tercer plano el adulterio despechado y border. Desde allí se desprenden un calidoscopio de consecuencias que decantan la tragedia familiar.
Una de las mas descarnadas manifestaciones del anti sueño americano - sintetizado en la escena mas simbólica cuando una banda de pueblo no puede articular las notas de Sledgehammer y en medio dela confusión general se escuchan dos disparos- y de brechas morales que conviven en la carga diaria.

Lejos de algún paisaje lirico y poético que supo conseguir con George Washington o All the real Girls, Snow Angel es la mas trágica, urticante y pesimista de toda su obra sostenida por la construcción tridimensional de Kate Beckinsale y Sam Rockwell.

Gordon Green deposita su pericia en Pineapple Express (2008) una Stoner action movie que mixtura el comics de trazo grueso con los mas representados exponentes del momento Evan Goldberg, Judd Apatow y Seth Rogen como interprete y coguionista secundado por James Franco – a quien hemos visto lucir en Milk - Si bien es la película menos personal de Green nadie puede negar que, aun con desvíos argumentales poco felices, la película fluctúa conceptualmente dentro del “Touch manifiesto” del director, dos tipos comunes envueltos en un problema insuperable, distancia e incomunicación y corrupción e intolerancia y una línea invisible entre la bondad y la malicia.

En estos momentos Gordon Green está trabajando con Dario Argento en la remake de Suspiria, es evidente que los nuevos retos hoy por hoy son prioridad.

Recomendado: El Incisivo cine europeo. Du Levande e Irina Palm

Du Levande
Du levande es posiblemente una de las revisiones mas cáusticas de la vida diaria contemporánea. Basada en pequeñas viñetas que relacionan personajes con los momentos más absurdos que la vida pueda dar en formato de tragicomedia existencial. El humor nórdico no es fácil de internalizar para latinos más propensos a la exageración, los improperios y gesticulaciones severas. Aquí el humor y la ironía pasan por la inacción física y la utilización del espacio conceptual –tanto interiores y exteriores están tratados con texturas mono crónicas – Du Levande, cuyo bautizo explicito en las fronteras nacionales es La comedia de la vida, no es un relato a boca jarro y busca la complicidad del espectador desde su contemplación mas crítica y no desde la liviandad de la comedia natural. Un ejercicio fronterizo, cínico y profundo de un universo signado por la responsabilidad de preservar la cordura.

País: Suecia
Director: Roy Andersson
Guión: Roy Andersson
Comedy | Drama | Music
Titulo internacional: USA: You, the living. AMERICA LATINA: La comedia de la vida
Cast
Jessika Lundberg ... Anna
Elisabeth Helander ... Mia
Björn Englund ... Tubaplayer
Leif Larsson ... Carpenter
Olle Olson ... Consultant (as Ollie Olson)
Birgitta Persson ... Tubaspelarens fru
Kemal Sener ... The barber

Irina Palm
Maggie pasa los sesenta y de común acuerdo con ella misma detiene cualquier posibilidad de sorpresa o peripecia de darse un gusto en un pueblo en las afueras de Londres. Maggie es una mujer golpeada por la vida que aun no ha visto lo peor. Su nieto tiene una enfermedad que solo puede tratarse en Australia, tanto su hijo como su nuera exponen la cruel verdad del dolor y la compasión. Maggie utiliza el único recurso en pie después de recorrer todos los bancos en busca de un préstamo para solventar la operación de su nieto o de humillarse ante jóvenes empleadores que le recuerdan que su edad la deja fuera del sistema.
Pero el último recurso es tan contradictorio como su propia personalidad, se convierte en una empleada de un Sex Shop donde deviene en una inevitable metamorfosis: Irina Palm.
Un drama duro al borde de lo meloso pero que se las arregla con recursos narrativos legítimos para encausar su objetivo, caer en lo mas bajo para resurgir.






País: Bélgica, Luxemburgo, Inglaterra, Francia
Director: Sam Garbarski
Guión: Martin Herron y Philippe Blasband

Cast
Marianne Faithfull... Maggie / Irina Palm
Miki Manojlovic ... Miki
Kevin Bishop ... Tom
Siobhan Hewlett ... Sarah
Dorka Gryllus ... Luisa
Jenny Agutter ... Jane