ROAD MOVIES: COMO EL WESTERN SE CONVIRTIO EN CARRETERA

Mi apetito incontrolado en los setenta ( aun hoy) por las Road Movies me llevó a diseñar mi primer guión con el espíritu del género. Mi aventura peregrina la ruta 36 y por ahora es todo lo que puedo decir.
Cuando el Western empezó su letargo anunciado, Sam Peckinpah lo veló magníficamente con The Ballad of Cable Hogue. Allí el vaquero desfallece cuando el primer motor a cuatro ruedas irrumpe el paisaje sustituyendo sin contemplación la carreta. Una transmutación kafkiana decanta en un accidente y muere bajo el arrollador paso del vehículo.
Sin duda la metáfora correcta para transmutar hacia las Road Movies que toman para si el compromiso perpetuo de remedar las fatigas de los sesenta, e institucionalizan el pesimismo y la denuncia de una sociedad con profundos cambios mas inciertos que positivos.
Acá va una lista sin orden de preferencia de las Road Movies imprescindibles.

KALIFORNIA.
Entre lo perversamente sexual y el camino más oscuro de la conciencia. Kalifornia merece su atención no tanto desde la violencia decantada, sino desde aquellas preguntas sin respuestas sobre el comportamiento desquiciado, y de aquellos que perpetuán un lugar en el camino las bajezas humanas.

Escena memorable: El final sin dudas, el último aliento de Grayce (Brad Pitt) yKessler (David Duchovny)

Trailer:

Director:
Dominic Sena
Guión:
Stephen Levy (story), Tim Metcalfe (story),
Cast:
Brad Pitt, Juliette Lewis and Kathy Larson

THE GETAWAY
Para Peckinpah hay dos tipos de personas, los que escapan de algo y los que persiguen algo. Generalmente Sam apunta a los primeros. Si quieren ver el esplendor de Mc Queen y su reflejo femenino Mac Graw forjando ambos momentos sublimes, encarnados en dos seres que desean escapar de sus sombras para encontrarse con un fututo mas incierto que su pasado. De visión obligatoria.

Escena memorable: Doc y Carol al borde de la ruta, parece que a McQueen se le fue la mano de verdad. Otra, La persecución en el tren. ¡que envidia!

Trailer:

Director:
Sam Peckinpah
Guión: Walter Hill (screenplay), Jim Thompson (novel)
Cast:Steve McQueen, Ali MacGraw and Ben Johnson

EASY RIDER
La película de ruta lisérgica por antonomasia. El verdadero viaje por Norteamérica profunda. Una época que está por agotarse late a través del camino. Una especie de western de finales de los sesenta, salvo que la tracción a sangre es transmutada por motos y el espíritu de clausura inevitable. Un estudio antropológico sobre el concepto de libertad.
Trailer.
Escena memorable: La conversación entre Fonda, Nicholson y Hopper amenizada por cannabis, no interpretan, son ellos… y el cannabis.
Director:
Dennis Hopper
Guión:
Peter Fonda, Dennis Hopper,
Cast:
Peter Fonda, Dennis Hopper and Jack Nicholson

TWO-LANE BLOCKTOP
La ruta se funde en cuerpo y alma sobre dos mecánicos adictos a las picadas y a aquella búsqueda extrapolar de los sentimientos perdidos. Acaso la abulia y el no destino se cruzan para establecer las señales necesarias para identificar una generación entera. A estas alturas seria reiterativo explicar los conectores entre la road movie y el western. Una de Monte Hellman, el director melancólico del oeste.

Trailer.

Escena memorable: Cualquiera donde irrumpe Warren Oates
Director:
Monte Hellman
Guión:
Will Corry (story), Rudy Wurlitzer,
Cast:
James Taylor, Warren Oates and Laurie Bird

BRING ME THE HEAD OF ALFREDO GARCIA
¡Señores de pie! La película mas sucia de todos los tiempos. Quizás lo mas notorio es aquella imperfección que revaloriza su tema. Peckinpah una vez mas instaura los sueños imposibles, la perdida y la elección de la autodestrucción como redención final, igual que la perpetua The Wild Bunch. Otra vez Western y Road Movie en franca comunión.
Trailer.

Escena memorable: Nuevamente Warren Oates, cuando el niño le pregunta que lleva en la bolsa. El Hotel destruido del camino y una pulga juguetona.
Director:
Sam Peckinpah
Guión:
Frank Kowalski (story), Sam Peckinpah (story),
Cast:
Warren Oates, Isela Vega and Robert Webber

DIRTY MARY CRAZY LARRY
Película de caracteres mas sustentados que el argumento mismo. Excusa dramática de robo de botín y huida. Lo que mas destaca es aquella dualidad de delincuencia con deseo de independencia a cualquier precio propio de las fugas alocadas de los setenta. Una mezcla de Easy Ryder y The Sugarland Express, con menor oficio y budget pero con imaginativas puestas.
Trailer.
Escena memorable: El final inesperado.
Director:
John Hough
Guión:
Leigh Chapman (screenplay), Antonio Santean (screenplay),
Cast:
Peter Fonda, Susan George and Adam Roarke

RACE WITH THE DEVIL
Los ritos diabólicos y el mismísimo Satán tuvieron su mejor cosecha en los setenta. Entre el film de ruta clase B y las emulsiones oscuras de Vincent Price y Roger Corman, Race With The Devil se las arregla para permanecer en los escaparates de films de culto.
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Escena memorable: Las serpientes en la casa rodante (¡Epa Quentin!)

Director:
Jack Starrett
Guión:
Lee Frost, Wes Bishop
Cast:
Peter Fonda, Warren Oates and Loretta Swit

ELECTRA GLIDE IN BLUE
Por mucho tiempo me quedo en la memoria y aun me pregunto porque James William Guercio no dirigió mas, igual incógnita que con Charles Laughton. Memorable retrato de la soledad, insignificancia e inconformismo y otra vez la ruptura de la década. Melancólica, expositiva, Uno de los mejores trabajos de Robert Blake obviamente después de In Cold Blood

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Escena memorable: La persecución de Peter Cetera.
Director:
James William Guercio
Guión:
Robert Boris (screenplay), Robert Boris (story),
Cast:
Robert Blake, Billy Green Bush and Mitch Ryan

VANISHING POINT
Algunos afirman que un vehículo es ni mas ni menos la prolongación del hombre sobre su propio destino. Vanishing Point es el final de la existencia, aquellos momentos de zozobra humana que permuta en catástrofe final. Finales a la carta de los setenta, una especie de desencanto generacional que se reafirma nuevamente.

Escena memorable: Otra vez el final.

Trailer.

Director:
Richard C. Sarafian
Guión:
Malcolm Hart (story), Guillermo Cabrera Infante (screenplay),
Cast:
Barry Newman, Cleavon Little and Dean Jagger

MAD MAX
A principio de los ochenta vi por primera vez Mad Max y no pude olvidarla por mucho tiempo. La propuesta fluctuaba entre una Road Movie apocalíptica y sus puestas de cámara fuera del catálogo Hollywood, la dinámica visual y el desencanto de un antihéroe entre lo cínico y lo perverso. Mad Max inicia un nuevo camino versionando lo clásico con lo autóctono y algo de lo que pocos pueden vanagloriarse: el desierto australiano.
Trailer.
Escena memorable. Cuando Max pierde a su familia.
Director:
George Miller
Guion:
George Miller (story), Byron Kennedy (story),
Cast: Mel Gibson, Joanne Samuel and Hugh Keays-Byrne


SIDEWAYS
Otro tipo de trip. En sus cuaretna Miles y Jack emprenden un viaje iniciático con la escusa de una despedida de soltero. Aquello se convierte en una catarsis propia de la impopular crisis de los cuarenta. Una road moderna, con estilo y con esa inquietud y búsqueda del hombre moderno capaz de reincidir mil veces antes de entender las pequeñas señales terrenales.
Escena Memorable: Cuando Mile se tira la tinaja de vino.
Trailer.
Director:
Alexander Payne
Guion:
Rex Pickett (novel), Alexander Payne (screenplay),
Cast:
Paul Giamatti, Thomas Haden Church and Virginia Madsen




RABBIT PROOF FENCE
Estamos en 1931 en plena caza de aborígenes en el rudo oeste australiano. Molly, Daisy y Grace son hermanas y deciden escapar del yugo inglés, para ello emplean como guía las cercos para atrapar conejos y su aliado incondicional: el desierto. Un via curcis de sobrevivencia extraordinario.

Escena memorable: La supervivencia en la cerca.
Trailer.

Director:
Phillip Noyce
Guion:
Doris Pilkington (book), Christine Olsen (screenplay)
Cast:
Everlyn Sampi, Tianna Sansbury and Kenneth Branagh

LE SALAIRE DE LA PEUR
Henri Georges-Clouzot es tal vez el Hitchcock francés. La tensión dominate otra vez entre la proeza humana y el peligro latente. Cuatro hombres trasladando en un precario camión nitroglicerina padecen en el camino la instancia del exterminio súbito. Incomparables escenas de riesgo.
Escena memorable: El cruce sobre el barrizal de aceite.

Trailer.
Director:
Henri-Georges Clouzot
Guión:
Georges Arnaud (novel), Henri-Georges Clouzot (adaptation),
Cast:
Yves Montand, Charles Vanel and Peter van Eyck

DUEL
El primer gran Spielberg. Duel provoca desde lo mas abstracto un efecto único, que un camión se convierta en una especie de asesino seriado con alma y mucha vida. Entre la paranoia persecutoria y la realidad exasperante, Duel es una especie de montaña rusa sin retorno y tal vez el primer esbozo de las criaturas invasoras que tanto rinden para spielberg desde Jaws hasta Jurassic Park.
Escena memorable: el duelo en el pasaje.
Trailer.

Director:
Steven Spielberg
Guión:
Richard Matheson (screenplay), Richard Matheson (short story)
Cast:
Dennis Weaver, Eddie Firestone and Gene Dynarski

Continuará...

CAMINO A NEW ORLEANS: Ya es una película en desarrollo

Por Fabián Iriarte
Como guionista de Camino a New Orleans siempre me pregunté quien seria el o los productores que en una primera lectura interpretarían el espíritu esencial de la obra. D Street Media por parte de Dexter Davis y Javier Krause han quedado prendados de ella como yo lo hice después de revisar el séptimo borrador.

Hoy Camino a New Orleans inicia su principal camino, el de su propio desarrollo. El pasado martes 26 de Octubre la productora D Street Media y yo hemos firmado un contrato de opción de compra de derechos que sella el reto de convertir juntos 115 páginas de un guión en una película. Como alguien dijo por allí producir un film es como zarpar en un barco para cruzar el Atlántico habiendo escogido los mejores tripulantes mientras mantenemos la orientación correcta hacia la próxima costa.

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FISH TANK: HACIA EL EXILIO MATERNAL

Por Fabián Iriarte

Si Dolan cuestionaba en su I killed my Mother la relación adolescencia-decantación maternal, Andrea Arnold explora la relación adolescencia - exilio maternal y aceptación social. Mia es una adolescente perturbada que cataliza su furia ante todo lo tangible que incomoda su paso hacia su deficiente concepto de liberación. Mia escapa sin fuga.

No está preparada porque lo que conoce es tan inaceptable como atrapante. Su ámbito la succiona. Estamos en Essex, una especie de tierra devastada que convoca solo desencanto y marginalidad socializada.

Mia no sabe como salir de la nada inconmensurable que es su madre y adopta soluciones efímeras que acompañan su despertar sexual y la ambigüedad de su transitar masculino con el test postergado de su femineidad.

Mia se obsesiona (Poco se parece al amor) con el novio de su madre para conformar su primer exilio: el psicológico.

Fish Tank transita entre la descripción de comportamiento e intenciones del cine de los hermanos belgas Dardenne y el compromiso de realismo social de Ken Loach, con este esquema Arnold justifica una crónica disfuncional que converge en la extraordinaria escena de danza ritual de ruptura final y destino entre madre e hija.

Fish Tank es el exilio maternal de cuerpo y alma, es el itinerario hacia la reconstrucción del ser.

Ficha técnica completa.

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I KILLED MY MOTHER: DE REGRESO A LA IMAGEN MATERNAL

Por Fabián Iriarte

¿Es el propio estado adolescente quién distorsiona la imagen materna? Xavier Dolan un debutante filmico pero no tanto en la vida real que parte de esta consigna tan compleja y reviste su juego mental desde la perspectiva de un adolescente en franca rebeldía existencial, y desde aparentemente, su propia experiencia. La consigna, asume el liderazgo, de un temprano replanteamiento de situación cuando a tal vez lleva años hacer catarsis de esa innegable bipolaridad de amor /odio.

Unos de los primeros acercamientos visuales que construye un prefacio del punto de vista de Hubert (interpretado por el mismo Dolan) es la boca de su madre engullendo en slow motion un panecillo desbordado de queso crema, acaso una visión arqueológica del paisaje interno de Hubert que convoca a un ¿motivo? para la autoflagelación.

Su madre (Una extraoridinaria Anne Dorval) está en una etapa de suspensión producto de una soledad avasalladora demarcada por el mismo ámbito que la atosiga, Hubert se potencia para castigar y castigarse en una especie de reconciliación dolorosa que lo lleva a su punto de origen.
I Killed my mother (J'ai tué ma mère )es un

viaje hacia la imagen maternal primaria, hacia la reconciliación de la conciencia y tal vez un regreso sin concesiones hacia la carnadura de la vida y la concepción purificadora.

Ficha técnica completa

CAMINO ALTERNO: UNA SERIE DE RUTA EN CLAVE PARANORMAL

JOHN CHEEVER: EL ENTRENADOR DE GUIONISTAS

Por Fabián Iriarte

Es Julio, estamos bajo cero y estoy ejerciendo una práctica impopular, la lectura. No estoy aquí para buscar las razones de porque una nueva generación pretende escribir para la pantalla sin revisar los textos inevitables para la profesión. Y no hablo de los manuales mágicos con formulas solemnes. Hablo de narrativa literaria.

Acabo de recorrer todo aquello que pude procurarme del gran escritor John Cheever. He recorrido algo así como mil páginas entre The Journals of John Cheever, Bullet Park, Oh, what a Paradise it Seems y The Storys Of John Cheever, motivo por el cual titulé este ejercicio como Entrenador de Guionistas.

El lugar de Cheever es el de la representación irónica y disecada de sus personajes, su construcción precisa del entorno y de los avatares singulares de la codicia humana, no sin antes pasar por una especie de dolor caótico existencial, mezclar todos los condimentos con una ración de sueños promiscuos entre el sopor del alcohol y la aventura desencajada. Los guionistas buscamos entrenarnos. Tratamos de visualizar las mejores películas, de escribir una excusa aunque no tengamos una historia (En el mejor de los casos encontramos una) y de leer a autores que fomenten la imaginación cuando la pereza le gane a la creatividad. El descubrimiento de Cheever en mi vida ha incrementado mi gusto por sus historias. que así mismo, califican y ponen en prueba las mías. De esta manera se suma a la galería de Raymond Carver, Ernest Hemingway, WilliamFaulkner, John Dos Pasos, Phill Roth, Paul Auster todos vinculados con alguna fuga adultera en el cine.

Ya les dije, estamos bajo cero, por mas que insistan en 4 grados. Mis dedos se entumecen, pero no lo suficiente como para detenerse y rehusar transcribir aquellos fragmentos reveladores.

Les dije que estaba ejerciendo una práctica en desuso, mejor dicho impopular, ahora espero que ustedes ejerzan otra, la lectura.

Si estás aquí leyendo este texto es que realmente te apasionan las historias o yo mismo te he mandado a leerlas para alguna cátedra de guión.

No espero que una multitud se agolpe a este consejo. Mucho menos que visiten el blog de manera espontánea. Aunque confieso, sería una grata sorpresa. Aquí van algunos ejemplos. Intentaré demostrarles porque un guionista se puede valer de estos autores.
Cheever tuvo un breve paso por las pantallas, su texto corto The Swimmer y algunas breves adaptaciones para la TV como en The Alfred Hitchcok Presents en episodios como "O Youth and Beauty!" . Pero nada tiene que ver con su prosa construida para la imagen literaria y es la que en definitiva nos nutre.

Los fragmentos que reproduzco poseen el análisis mismo del escenario donde un guionista puede entrenarse como un deportista lo haría en una villa olímpica. Es solo un ejercicio, recuerden que el guionista no es un novelista solo se vale de él para llegar a una precisa descripción de las imágenes que representan la estrategia de un film, construyendo el alma de los personajes mediante el comportamiento y la sucesión de hechos que representen su interior.

Fragmentos de textos y análisis.

… Esto lo escribo en otra casa de campo a orillas del mar, sobre la costa. La ginebra y el whisky han marcado anillos en la mesa frente a la cual me siento. Hay poca luz. De la pared cuelga una litografía coloreada de un gatito que tiene puestos un sombrero adornado con flores, un vestido de seda y guantes. El aire huele a moho, pero yo creo que es un olor grato, vivificante y carnal, como el agua de la sentina y el viento en tierra. Hay marea alta, y el mar bajo el farallón golpea los muros de contención y las puertas y sacude las cadenas con fuerza tal que salta la lámpara sobre mi mesa…

Establecimiento y localización. Cheever asigna atmosfera a la acción para recrear el aislamiento y la soledad de un personaje en situación introspectiva.

…Pero mi esposa estaba triste.
–¿Qué pasa, querida? –pregunté.
–Tengo esa terrible sensación de que soy un personaje, en una comedia de televisión –dijo–. Quiero decir que mi aspecto es agradable, estoy bien vestida, tengo hijos atractivos y alegres, pero experimento esa terrible sensación de que estoy en blanco y negro y de que cualquiera me puede apagar.

Una visión del mundo
The New Yorker, 29 de septiembre de 1962

El manejo de la ironía alegórica, Un estado de ánimo expresado en una línea donde el personaje expresa un sentimiento de manera extrema y dramática pero que a la vez trasunta la comedia.

Podemos verificar de todas maneras el Status Presente del personaje, es la idea de un personaje cultivado que busca un refugio en la auto compasión.

.... Y encendí los cohetes, me puse ese tonto sombrero, apagué las velas de la tarta y agradecí los detalles a todos; pero después pareció que había otro regalo -mi gran regalo- y después de la cena me obligaron a permanecer en casa mientras Christina y los niños salían, y después vino Juney y me llevó afuera, rodeando la casa, hasta el fondo, donde estaban todos. Apoyada contra la casa vi una escalera plegable de aluminio, con una tarjeta atada con una cinta, y yo dije, como si hubiese recibido un mazazo:
-¿Qué mierda significa esto?
-Papá, pensamos que puede servirte -dijo Juney.
-¿Para qué necesito una escalera? ¿qué se creen que soy…, un limpiador de ventanas?
-Para alcanzar las claraboyas -dijo Juney-. Las persianas.
Me volví hacia Christina.
-¿Estuve hablando dormido?
-No -dijo Christina-. No estuviste hablando dormido.
Juney se echó a llorar.
-Así podrás limpiar las hojas de los desagües -dijo Ronnie. Los dos varones me miraban con cara larga.
-Bien, tendrás que reconocer que es un regalo muy extraño –dije a Christina.
-¡Dios mío! –exclamó Christina-. Vamos, niños. Vamos.- Los llevó hacia la puerta de la terraza.
Estuve en el jardín hasta que oscureció. Se encendieron las luces del primer piso. Juney continuaba llorando, y Christina le cantaba. Después, la niña se tranquilizó. Esperé hasta que se encendieron las luces de nuestro dormitorio, y después de un rato subí la escalera. Christina tenía puesta una bata, estaba sentada frente a la mesa del tocador y tenía los ojos llenos de lágrimas.
-Tienes que comprender -dije.
-Creo que no puedo. Los niños estuvieron ahorrando meses enteros para comprar ese maldito cacharro.
-No sabes todo lo que he soportado -dije.
-Aunque hubieras estado en el infierno, no te lo perdonaría -dijo-. No has soportado nada que justifique tu conducta. Hace una semana que la tienen escondida en el garaje. Son tan cariñosos. -Últimamente no me siento bien -dije.
-No me digas que no te sientes bien -replicó-. Ahora he llegado a desear que te vayas por la mañana, y temo la hora de tu regreso por la noche.
-No puedo ser tanto como dices -afirmé.
-Ha sido un infierno -insistió Christina-. Brusco con los niños, antipático conmigo, grosero con tus amigos y perverso cuando hablas de ellos. Horrible.
-¿Quieres que me vaya?
-¡Oh, Dios mío, vaya si lo quiero! Así podría respirar.
-¿Y los niños?
-Pregúntaselo a mi abogado.
-En ese caso, me iré.

El ladrón de Shady Hill
The New Yorker, 14 de abril de 1956

Bien, tenemos la tipicidad de una familia resumida en un lugar común, Un cumpleaños. ¿Donde puede radicar una catarsis familiar? posiblemente en sus lugares diarios, en aquello de todo los días, en lo mínimo o como en este caso en la escusa de la reunión, en la simplicidad de un momento que compendia lo aparente vs lo real.

Vamos de un lugar aparente (Un rictus obligatorio) a un lugar real (La crisis matrimonial) Cheveer fluctúa entre la ironía dramática y la ironía de paso de comedia, con los trazos gruesos del americano promedio. Esa ambigüedad, es la mas difícil de lograr. Es el terreno fértil del guionista, pasar de un estado al otro con transiciones e intenciones coherentes al perfil de sus personajes.

...Esto sucedía al borde de la piscina de los Westerhazy. La piscina, alimentada por un pozo artesiano que tenía elevado contenido de hierro, mostraba un matiz verde claro. El tiempo era excelente. Hacía el oeste se dibujaba un macizo de cúmulos, desde lejos tan parecido a una ciudad –vistos desde la proa de un barco que se acercaba- que incluso hubiera podido asignársele nombre. Lisboa. Hackensack. El sol calentaba fuerte. Neddy Merrill estaba sentado al borde del agua verdosa, una mano sumergida, la otra sosteniendo un vaso de ginebra. Era un hombre esbelto –parecía tener la especial esbeltez de la juventud- y, si bien no era joven ni mucho menos, esa mañana se había deslizado por su baranda y había descargado una palmada sobre el trasero de bronce de Afrodita, que estaba sobre la mesa del vestíbulo, mientras se enfilaba hacia el olor del café en su comedor…

Nótese la destacada descripción de la clase social. Neddy es nuestro personaje, esta es la presentación, su primera aparición, entre el enigma y la conformación de su característica física. Está claro su entorno pero nos prefigura una pregunta ¿Qué hace nuestro personaje allí?

… Probó las puertas del garaje para ver qué automóviles había allí, pero las puertas estaban cerradas con llave y de los picaportes se desprendió óxido que le manchó las manos. Se acercó a la casa y vio que la fuerza de la tormenta había desprendido uno de los caños de desagüe. Colgaba sobre la puerta principal como la costilla de un paraguas; pero eso podía arreglarse por la mañana. La casa estaba cerrada con llave, y él pensó que la estúpida cocinera o la estúpida criada seguramente habían cerrado todo, hasta que recordó que hacía un tiempo que no empleaban criada ni cocinera. Gritó, golpeó la puerta, trató de forzarla con el hombro y después, mirando por las ventanas, vio que el lugar estaba vacío.

Reproducir de la escena

El Nadador. The New Yorker, 18 de Julio de 1964

El final del recorrido dramático, el arco de transformación del personajes a punto de evaluar su estado final, es de destacar la utilización de la recomoposición visual a traves de los elementos que rodean el personajes como catalizadores de su viaje final e inexorable. Neddy se reencuentra con su realidad que su necesidad dramatica hubo distorsionado durante su arco. Recuerda la escena final de Sunset Boulevard donde Gloria Swanson y su mente distorsionada recobra artificialmente su pasado pero pierde defisnitivamente su cordura. Neddy transita el proceso inverso, va desde la evasión de su estado y la construcción de lo mental-evasivo hacia la realidad inclemente.

Nos sentamos, y el padre llamó en alta voz al camarero.

-Kellner! –gritó-. Garçon! Cameriere! ¡Usted! –En el restaurante vacío su estridencia parecía fuera de lugar. -¡Alguien que pueda atendernos! –gritó-. Chop-chop. –Después, batió palmas. Así atrajo la atención del camarero, que arrastrando los pies se acercó a nuestra mesa.
-¿Usted golpeó las manos para llamarme? –preguntó.
-Cálmese, cálmese, Sommelier –dijo mi padre-. Si no es demasiado pedirle... si no significa imponerle una obligación excesiva, desearíamos un par de Gibson.
-No me gusta que me llamen golpeando las manos –dijo el camarero.
-Tendría que haber traído mi silbato –dijo mi padre-. Tengo un silbato que es audible sólo para los camareros viejos. Bien, prepare su anotador y su lapicito y vea si puede escribirlo bien: Dos Gibson. Repita conmigo: Dos Gibson.
-Será mejor que vaya a otro lugar –dijo en voz baja el camarero.
-Ésa –dijo mi padre- es una de las sugerencias más brillantes que he oído jamás. Vamos, Charlie, salgamos de esta covacha.

Chever escenifica un personaje incómodo, un gran totalitario cargado de propensas estrategias de humillaciones. Da la idea de un ser refinado para pasar gradualmente al bochorno de la degradación. Hay una transición de Status maravillosa.

Reunión
The New Yorker

Estaban en la planta baja de un edificio bajo en un barrio bajo, y no vio nada en el lugar que no diera una acabada impresión de ser portátil. La recepción decorada con una gran urna llena de pastó y hierbas artificiales, el escritorio dé la recepcioncita, la recepcionista misma, todo parecía sumamente provisorio como si se pudiera transportar sin previo aviso a otro edificio, estado o país. Pero cuando apareció Renée Herndon, la sintió muy permanente. El modo en que ella se apoderó de su atención, de sus sentidos y de su inteligencia fue lo más permanente que podía concebir a esa altura de su vida…

Un festival de la figuración, no hay director de arte que no entienda la propuesta estética de la situación.

… El departamento era una especie de escondite de paso; todavía estaba amueblado con las sillas y mesas de una divorciada abandonada por su amante o gigoló, aunque todavía quedaban fotografías de éste, muchas de ellas desnudos, en la pared del dormitorio. Había una terraza angosta desde donde se alcanzaba a ver algo de cielo azul pero la luz diurna no daba directamente en el departamento.
Ella supo de inmediato que él no lo querría, y lo dijo:
—No sé porqué se me ocurrió mostrárselo. Yo misma detesto el lugar.
—Me ha dado la oportunidad de invitarla a cenar —dijo él.
—Me encantaría cenar con usted —sonrió ella— si no le importa cenar tarde. Al atardecer estoy ocupada.
—La hora —replicó él—, no interesa.

Espléndido, minimalista, directo, una simbiosis de soledades, dos personajes solitarios se entienden en el lugar mas solitario posible. La Conjunción de espacio e intenciones es sumamente efectiva.

... Le pareció un grupo en el que no operaba una fuerza selectiva. Dado que las caras, jóvenes, viejas, demacradas y serenas, no le decían nada, observó la vestimenta y encontró aun menos indicios. Vio prendas de ricos, de pobres y unas pocas imitaciones de ricos. ¿Quiénes eran; quiénes podrían ser? Ahí estaban las caras simples, optimistas, la mezcla de nacionalidades que caracteriza al país…

… Tenía el pelo arremolinado, era rubicundo y llevaba una remera en la que se leía: "Universidad del Odio". A su lado había un joven rubio, de traje, y junto a éste su amada Renée, con uno de esos vestidos sencillos que cuestan apenaos un poco menos que un buen auto usado…

Imprescindible poder configurar las características de los personajes. Una gran lección.

… Las luces se apagaron y al cabo de uno o dos minutos de suspenso se abrió una puerta y entró un hombre que llevaba una de esas tortas baratas, chatas, con velitas, que se encargan para celebrar la jubilación del ayudante de mantenimiento del edificio o de la integrante de mayor edad del cuerpo de dactilógrafas. Las luces se encendieron, los concurrentes se pusieron de pie y cantaron con las voces de siempre, genuinamente sinceras y sin musicalidad, "Feliz aniversario, Feliz aniversario, querida celebrante...".

… Un empleado barría el vestíbulo.
—¿Qué pasa ahí dentro? —preguntó Sears.
—No sé —contestó el obrero—. Están tratando de dejar de fumar o beber o comer pero no recuerdo cuál es el que está ahí esta noche. Los no fumadores son los que más me revientan. Fumo un atado, quizá un atado y medio, por día, barro puchos, es mi trabajo, para eso me pagan y a nadie le interesa más que a mí. Por ejemplo la semana pasada fui a pagar el impuesto estatal. Se paga en la casa de gobierno, en un edificio al que contribuyo a sostener, y justo en la pared está el cartel que dice GRACIAS POR NO FUMAR. ¿Cómo demonios saben que no voy a fumar? ¿Cómo saben que no voy a orinar o pedorrear o tener una erección? Gracias por no fumar. ¿Qué demonios les importa? Gracias por no respirar...

… La desaparición de la parrilla significaba que la familia se había ido y que la casa estaba en venta. La arquitectura era estilo "final feliz", o "tarjeta de saludo", es decir, parecía haber sido concebida por exiliados o refugiados que pensaban obsesivamente en el retorno. La variedad de las casas era internacional. Las había inglesas, españolas, nostálgicas de un pasado reciente o con la sencillez eficiente del futuro, pero todas expresaban poderosamente una sensación de finales y retornos. Cualquier cosa que pareciera artificial o vulgar estaba justificada porque ellas querían ser un lugar de sereno retiro…
… Cuando entró, fue recibido por Buster, el viejo perro.
—¿Dónde está mi comida? —preguntó Sammy. Tuvo que gritar para hacerse oír por encima de la televisión.
—No hay comida —dijo la mujer—, no hay nada para comer salvo comida para perros.
—Cada semana te doy dinero para comprar comida —gritó Sammy—. ¿Qué haces con él? ¿Lo tiras a la calle?
—Con el dinero que me das no puedo comprar sino comida para perros —gritó la mujer.
—Bien, si nosotros no comemos, Buster tampoco —gritó Sammy—. Si tengo que pegarle un tiro a Buster para meter eso en tu estúpida cabeza, lo haré. —Su mujer y sus hijas o no le creyeron o estaban demasiado absortas en la televisión para prestar atención a su amenaza.
Buscó el rifle y lo cargó. Luego fue al living y apagó el televisor.
—Todas ustedes van a verlo —dijo—. Ya es tiempo de que alguien comprenda acá que la vida es una cosa muy seria. No podemos depender de la ayuda social porque tengo un negocio. Así que debemos hacer sacrificios y Buster será el primer sacrificio que haremos.
Las dos niñas se echaron a llorar:
—Oh, no, no, papito, no, no. —En los años por venir las dos hijas, desnudas en brazos de extraños, dirían con tanta intimidad como si fuera una declaración de amor: "¿Te conté alguna vez la noche en que papito mató al perro?"
… mientras sacaba de la heladera unas verduras congeladas, vio que María Salazzo bajaba por la escalera trasera con la bolsa de residuos. Betsy salió de su casa corriendo y cruzó el patio.
—¿No ha sido un día hermoso? —preguntó.
—Depende de lo que estuviera haciendo —respondió ella. Golpeó la bolsa contra el balde. Betsy había oído que a veces María bebía bastante. Deseó que no estuviera borracha.
—Veo que tiene unas campanillas nuevas —dijo Betsy.
—Las conseguí en una liquidación en Buy Brite —dijo María—, pero creo que no les quedan más. Tengo una amiga que se ocupa de objetos orientales que quizá pueda conseguirle una.
—Oh, no. No es eso —dijo Betsy—. Sólo me preguntaba si ustedes las oyen tan fuerte como nosotros.
—Por supuesto que las oigo —dijo María—. ¿Para qué cree que las compré?
—Bueno, lo que ocurre es que las oímos demasiado —titubeó Betsy. Estaba luchando. Decir que las campanillas la mantenían despierta sonaría como confesar que tenía dificultad para dormir—; Quiero decir, me pregunto si no podría detenerlas por la noche...
—Debe de estar volviéndose loca —dijo María—. ¿Cómo voy a detener el viento?

Oh, What a Paradise It Seems, 1982

BRAINSTORMING DE GUION CINEMATOGRAFICO

BRAINSTORMING DE GUIÓN CINEMATOGRAFICO.

RESEÑA:

Este taller involucra la creación conjunta de un guión de largometraje con una estructura definida de tal manera que cada integrante participe en la escritura en una especie de Script Associated (Sociedad de guionistas para una obra común) Esta tarea se desarrolla con la coordinación del taller como un proyecto en si mismo dentro de un cuatrimestre.

Lo que resulta del taller es un guión profesional para ser presentado por los participantes en cualquier concurso o en presentaciones en INCAA para su posterior financiamiento.

Cuando decimos presentación profesional estamos incluyendo todos y cada uno de los procesos, presentaciones y formatos también aceptados en otros países.

El resultado es el conocimiento estructural de un film de 90 minutos y la escritura de 100 páginas que lo representa. La estructura es coral concéntrica (Tipo, Amores Perros) dónde varias historias se relacionan entres sí y pueden ser trabajadas por varios alumnos a la vez.

METODOLOGIA

Levantamiento de ideas/Proceso de instrumentación.
Short Cuts y desglose temático/ Establecimiento estructural.
Outlines temáticos y de personajes.
Representación histórica y diversificación de líneas narrativas.
Construcción de los Outlines/Elección de los equipos creativos.
Primer tratamiento de la historia. Grupal
Diversificación dramática y construcción del espacio tiempo ficción.
Esbozo de los Grupos creativos.
Presentación de los perfiles psicológicos de los personajes por parte de los equipos creativos.
Pitch Session de los equipos narrativos.
Primer y segundo acto de la historia.
Tercer acto de la historia.
Primer draft de guión.
Reescritura/ análisis secuencial macroestructural.
Sobrescritura/análisis microestructural
Testeo de cuadro dinámico dramático.
Armado de presentación del proyecto para concursos.

LUGAR: COLEGIO DE ABOGADOS DE QUILMES (ALVEAR 414, QUILMES)
CONTACTO y PREINSCRIPCIONES: jadefilms03@hotmail.com

Stones in Exile. Exile on Main St. Largarse a un sótano húmedo y hacer historia

Por Fabián Iriarte

“Permítanme que me presente, soy un hombre poderoso y distinguido y he robado a mas de uno el alma y la fe” bajaban las estrofas como azotes corrosivos desde un álbum de cubierta prohibida. Era un tema de un tal Jagger y un tal Richards pergeñado entre el 68 y el 69 y que relacionó inevitablemente a la banda con cierto aquelarre demoníaco.
Esperé mucho tiempo para escribir algo sobre los Stones, pero mi respeto, hacía que nunca empezara por decidirme.
Stones in Exile me inspira un prefacio inevitable, precisamente fundamentando mis días de revelación Stone. No podría ejercer esta escritura de manera sosegada si no me instalo como testigo histórico de la escena. Corría 1972 y Argentina estaba nuevamente divorciada del mundo (Cuándo no) y en ese contexto ¿Qué podía hacer un adolescente más que inquietarse por lo prohibido? Mientras yo contaba las monedas para adquirir mi primer álbum inglés (monedas destinadas para un juego de lapiceras para el colegio) Los Stones ya estaban en Francia, en un sótano súcio y húmedo otrora sede de operciones de la Gestapo, entre fastidio, excesos y desconcierto arribando la idea de temporalizar el destino de la banda.

Keith Richards fundó el bunker en su mansión de Nellcôte, Villefranche, Francia. Charlie Watts maldijo por enésima vez haber abandonado su cómoda estancia Londoniense, Bill Wyman añoraba el té ingles mientras focalizaba su instinto más primitivo en las jovenzuelas francesas. Mick Taylor era el nuevo, el otro Mick, el virtuoso guitarrista formado esencialmente con John Mayall, que ya había pasado la prueba en Sticky Fingers pero que nunca logró seguir la vorágine Stone y tres años después abandonaría la “experiencia”. Mientras, el gran Mick Jagger hacia lo que siempre supo hacer, transformar el caos noctámbulo de Keith en una obra de arte como el álbum doble Exile on Main St. En esa instancia, Milestones se detiene mágicamente entre mis manos. El álbum no era más que una recopilación oportuna de la Decca, aquel sello que los Stones dejaron después de una década de abusos y maltratos económicos. Una especie de manual del Stone incipiente. Suficiente para empezar. Satisfaction (No hay tema mas explicito que compendie el sentimiento insurgente de los sesenta) Las agridulces Under my thumb y She´s a rainbow , la sincopada Not Fade Away, la misógina Time is on My side y Out of time. Suficiente, tenía mi compendio Stones de bolsillo. Allí empezaba mi historia con los Stones, corría 1972, y el peronismo entronizaba su etapa más… ¿siniestra? En fin. Volvamos al sótano. El documental de Stephen Kijak recoge el proceso creativo de los Stones intentando hacer catarsis en condiciones desfavorables ¿o no? o… simplemente el sótano resume el regreso mas prístino de la banda, retornado de alguna manera al Marquee, esa especie de mazmorra dónde hacían sus primeros covers bajo la endeble tutela moral de Brian Jones y las enseñanzas de los Blues Incorporated.

En aquellos años de Marquee Club, Mick era un joven timorato y Keith buscaba su propio estilo, Charlie un jazzero remolcado a la fuerza y Bill… Bill era simplemente el dueño del bajo que necesitaban.

“El concepto de exilio es el correcto, porque eso sirvió para que rompieran con el pasado y para que, como grupo, explotaran", afirma Martin Scorsese en un momento del documental. Pero el pasado siempre te remite a los orígenes y la memoria los lleva a su primer manager Andrew Loog Oldham cuando instauró el concepto de “Los Stones no son una banda más, son una forma de vida”. El bunker de Keith en Nellcôte, Villefranche lo revalida. "Era el sitio perfecto cuando tienes 20 años. Cerca de Marsella para abastecerse de drogas y a un paso de la Italia de la mafia", sostiene la voz en Off.

Y el bunker fue testigo de la vuelta al capitulo de la amoralidad, el caos y la búsqueda incesante de la voz propia, el cuerpo como alquería experimental (Son famosas las orgías y los excesos retratados en otro documental maldito Cocksucker Blues, del cual se han extraído los fragmentos menos fragosos) y un álbum en el renacer del Exilio. "Se grababa a cualquier hora del día, sin previo aviso. Si se empezaba a las once de la noche, nos podíamos tirar 12 horas. Por eso había que vivir allí", explica Charlie Watts, justificando la estadía.

Antes, Sticky Fingers giraba en torno a la nostalgia lisérgica (Sister Morphine, Dead Flowers) mas atrás Beggars Banquet celebraba un pacto con el diablo y combinaba cuerdas con Country. Exile on Main St. se convierte en un crisol de ritmos milagrosamente homogeneizados en un álbum doble y el documental revitaliza la genialidad (Una palabra que en este caso no queda grande) de la banda de rock mas grande del planeta atravesando experiencias con un áspero Jazz, el Rhythm and Blues, la Balada, el Rock sucio y el Gospel.
El documental se abastece de Robert Frank fotógrafo consagrado por retratar en su libro The Americans la visión escéptica e insolente de la sociedad estadounidense, amigo del beatnik Allen Ginsberg y transformado por entonces en un Alexis de Tocqueville moderno, Frank era en uno de los principales artistas donde descansaba la jerarquía de la subcultura Beat. Por entonces, Frank deduce la falta de un ícono más en su galería, preguntó a los Stones si podía visitarlos para hacer una sesión de fotos, allí tenía todo lo que abreviaba su obra, era de esperar entonces que su estadía en el bunker haya durado seis meses de extasiada convivencia.

Stones in Exile se sostiene con su fotografías y el montaje sistemático de otros lugares menos frecuentes de los Stones (Algunas imágenes vedadas por años) la voz en off conducente de un Jagger actual, rezumado en la potencia visual que emana el desparpajo Stone. No era la primera vez que el underground americano se asociaba con los Stones, Andy Warhol un año antes había diseñado la cubierta de Sticky Fingers devenida en el primer plano de un jean alabado y bendecido, acaso glorificado, por una protuberancia lasciva dificil de evitar.

Stones in Exile es de visión obligatoria para propios y extraños del circuito Stone, es el reencuentro con la historia, es un documento que valida la supremacía Stone en el mundo del rock, y posiblemente uno de los vestigios mas sinceros de resistencia y cultivo de la voz de los sesenta. Para los Rolling Stones sin duda fue la trinchera apropiada de prosecución de su apostolado musical con sentido social, para seguir representando al desposeído, para comprobar que la desdicha es parte de la vida pero que en lo simple puede anidar un páramo redentor. Las generaciones de seguidores se suceden inexorablemente, el encanto permanece, la rebeldía aun es un vehículo depurador de insatisfacciones. Sesenta minutos de historia para ser testigos del mejor álbum doble de rok’n’roll, y sí… “Es solo rock’n’roll… pero me gusta”.

Trailer

Les Plages d'Agnès: Un sistema adquirido para la memoria

Por Fabián Iriarte


Habrá que sondear a los especialistas para inquirir si existe un sistema consciente en el camino recurrente de la memoria, para que, ordenadamente y de modo certero, enumere los recuerdos con la precisión consecuente al momento vivido en el terreno del pasado.

Mas allá de la interrogación, Agnés Vardá, una polifacética artista inclinada por la fotografía pero devenida en la época de Nouvelle Vague en directora cinematográfica, halagada en su momento por Godard, Malle y su marido Jacques Demy, nutrida por sus viajes a América y su relación platónica con Jim Morrison y la factoría Warhol, supo encontrar los mecanismos visuales para retratar sus recuerdos y hacerlos universales en su film Les Plages d'Agnés.

Aquella playa invadida con su puesta en escena que cercena con precisión buñuelística el ámbito de un escenario de la infancia y que multiplica con innumerables espejos la sensación de como la memoria juega en diferentes frentes históricos.

Como olvidar la cadencia de su pasos suspicaces hacia atrás alegando que la vida ratifica inexorablemente el pasado para calificar nuestro presente con la autonomía de la realidad.

Hablando de un posible sistema para la memoria, Varda recurre a sus películas y aquellos lugares caros a sentimientos (La relación y pérdida de su marido Jacques Demy) los rincones ricos en texturas y los movimientos culturales y efervescentes de los sesenta.

Solo su cuerpo ha renunciado dignamente a su juventud, pero su espíritu asociado a lo creativo y a la dinámica (Si a alguna conclusión llegamos es la devota articulación de una vida consagrada al movimiento tanto físico como espiritual) frontal de sus propios acontecimientos vividos.

Como eternizando lo atesorado Vardá construye un relato biográfico - artístico-cultural-humano sin solemnidades, casi esfumándose en los recuerdos con sus pasitos atrás para dejar paso a la trascendencia del presente. Exquisita y sentida, una especie de road movie de la memoria.

THE VICIOUS KIND: DE CÓMO VOLVERSE MISÓGINO Y PROFETIZAR CATÁSTROFES DEL CORAZÓN

Hay quizás unos cuantos tips dentro del cine indie americano que lo despoja del pasatista y efectodependiente cine comercial. A saber: toma un par de personajes desalmados a puro rigor del american way of life, sácalos de las grandes ciudades como para armar un workshop de experimentos caracterológicos, recurriendo, si lo prefieres a lugares desolados y extremos como síntesis de la América profunda (O Norteamérica para darle precisión a la cosa), súmale un tercero con un gran secreto que los involucra.

Hay mucho más, y el ejercicio resulta muchas veces delicioso. The Vicious King predispone el escrutinio de aquellos seres de duelo prolongado y auto flagelación mental, devenidos de una patológica galopante post relación pasional frustrada.

El debutante Toland Krieger los compone desde la reincidencia de estímulos sexuales secretos (O no tanto) y la inocencia como purificador y equilibrio.
Interesante pero no menos vista. The Vicious King propone la variante de la familia como usina de secretos y engaños de marca generacional como referente emblemático del cine de David Gordon Green, Tod Solonz y Cia.
Caleb Sinclaire ha sido abandonado por su esposa y se ha convertido sin remedio en un misógino profeta de catástrofes emocionales. Peter es su joven hermano, puro y casto con su primera relación verdadera con Emma (Una hermosa muchacha al parecer no tan pura y casta) y es incómodamente el hamster experimental de Caleb. Y es que Emma trae a Caleb los recuerdos de su pareja y acciona el nervio perturbador que faltaba.

Pero la que verdaderamente es víctima y a la vez victimario de tamaño experimento es Emma, recibiendo los embates violentos (Verbales y físicos) de un Caleb cada vez más exacerbado y profético en su irreversible destino emocional.
Pero lo que Emma va experimentando es una conversión de atracción hacia los rincones prohibidos y oscuros de una relación sin horizonte y malsana.
El triángulo es arbitrado por Donald Sinclaire, padre de los muchachos que… bueno, esconde un secreto siempre propenso a emerger a la superficie.

The Vicious Kind, propone el juego de la vida misma, de las relaciones imposibles, mide sus consecuencias y establece la síntesis especulativa que el destino, a veces, no es tan flexible como creemos.



Año: 2009
Director:
Lee Toland Krieger

Guión:
Lee Toland Krieger

Cast :
Adam Scott ... Caleb Sinclaire
Brittany Snow ... Emma Gainsborough
Alex Frost ... Peter Sinclaire
J.K. Simmons ... Donald Sinclaire

Sitio Oficial

COMO DIRIGIR TU PRIMER CORTOMETRAJE: CURSO CUATRIMESTRAL

El curso está dirigido a todos aquellos participantes que han tenido alguna experiencia previa en temas audiovisuales y/o fundamentalmente talleres de guión.

La estructura del curso es la producción de un cortometraje elegido por sus bondades realizativas y que los participantes se conviertan en parte del equipo técnico proponiendo así la experiencia práctica filmando una historia.

El guión del cortometraje se definirá en el Taller de Guión del primer cuatrimestre 2010, por lo que al inicio de este curso se trabajará sobre la producción, rodaje y post producción de dicho guión.

Los procesos de producción comprenden:
a. verificación de micro y macro estructura del relato
b. Desglose técnico
c. Desglose de presupuesto.
d. Story board
e. Planillas de producción
f. Definición de equipo técnico
g. Scouting
h. Casting

Proceso de rodaje
a. Plan de rodaje y Plan de producción. Desglose de presupuesto.
b. Rodaje en interiores/ exteriores
c. Visionado diario de los roches
d. Supervisión de pre-edición

Proceso de Post Producción
a. Off line /On Line
b. El proceso de integración sonora
c. Musicalización y efectos
d. Establecimiento de día de estreno.

Todo el proceso será establecido teóricamente en el curso y será supervisado hasta la copia final. El budget de producción del corto correrá por cuenta del/los participante/s que se constituye en productor único junto al docente a cargo del proceso. En los créditos finales deberá aparecer el nombre del curso como de todos los integrantes del mismo.

FECHA DE INICIO: 11 DE AGOSTO 2010
LUGAR: COLEGIO DE ABOGADOS DE QUILMES, ALVEAR 414 QUILMES
DURACIÓN: UN CUATRIMESTRE
COSTO DEL CURSO: $100 X MES
PROFESOR: FABIAN IRIARTE

CURSO DE DIRECCIÓN Y GUIÓN DE CINE

Vamos a comenzar por una pregunta aparentemente superficial ¿Qué es dirigir cine? Alguna vez Hitchcock dijo: El director es la persona que tiene todas las respuestas.

Por otra parte debemos desmitificar la idea de que solo con la técnica se puede dirigir. La técnica es importante y no hay dudas que hay que conocerla, pero más importante aún es la mirada artística. El director es una persona, ante todo, que está entrenado para pensar cinéticamente, enmarca la realidad, la convierte en ficción y la pone en movimiento. Ese es el principio. Los tres grandes movimientos.

Luego el gran entrenamiento es el ejercicio de Traslación de la palabra escrita a la pantalla. Allí es donde aparece la exégesis visual del Guión con todas sus aristas creativas. No olvides que en el rodaje el buen director comienza cuando sabe pedir lo que quiere y se complementa cuando los demás entienden lo que quiere. Es esa la sustancia del Curso de Dirección y Guión de Cine, cultivar a un posible director integralmente desde la percepción artística de un guión hasta la puesta en escena.

ALGUNOS CONTENIDOS DE DIRECCION:
Conceptos de la mirada cinética.
Determinación del high concept cognitivo del relato.
Las posibilidades de la puesta en escena.
Iconos visuales y motivos recurrentes.
Como construir el back story del personaje central.
Intenciones, subintenciones y contraintenciones.
Movimiento interno y externo de la escena.
Clasificación funcional de la escena.
ALGUNOS CONTENIDOS DE GUIÓN.
Nuestro proceso va de la idea al guión, posiblemente muchos te ofrezcan lo mismo, la diferencia es el camino que te propongan para llegar, y allí, está nuestra diferencia. Algunos pasos fundamentales para que lo entiendas:

1. El terreno cinético es menos flexible que el literario. Trabajamos sobre ello.
2. Crear un espacio - tiempo para cine responde a funciones creativas-estéticas pero también económicas y rentables. Es un deber que lo sepas.
3. El formato de escritura que pocos hacen hincapié es fundamental para que un productor considere que sos profesional, el formato tiene sus regles. Te lo enseñamos.
4. Enseñamos el oficio y las estrategias estructurales que sirven para cada historia. Porque consideramos que cada historia tiene un tratamiento particular.
5. Lo visual responde a comportamientos humanos reconocibles por lo tanto tenemos en cuenta el aspecto psicológico de los personajes. Hacemos ejercicios al respecto.
6. Generamos tests permanentes de seguimiento de las obras de cada alumno como si fuera la presentación profesional del proyecto. Siempre te damos pautas del terreno profesional.
7. Consideramos el espacio escénico como el todo creativo haciendo ejercicios para el dominio ficcional de la escena.
8. Consideramos una macro y micro estructura del relato como elementos a revisionar permanentemente antes, durante y posteriormente.
9. Apoyamos siempre la teoría con ejemplos concretos ya sea de guiones producidos o filmes referenciales.
10. A veces se producen los guiones delos alumnos, supervisamos todo el proceso de rodaje desde el guión. Son diez razones pero hay mucho más.

Ya han pasado más de 350 personas que lo avalan. Mas que la cantidad nos interesa la calidad de los participantes y del taller. Generalmente el cupo es de 15 personas para poder trabajar en el análisis personalizado.

Los referentes directos del curso tienen origen en las teorías y experiencias recogidas de guionistas como Jean Claude Carriere, Syd Field, Paul Schrader. Paul Auster, Quentin Tarantino, Robert Towne, William Goldman y mi personal visión del oficio.

Profesor: Fabián Iriarte
Inicio: Miércoles 4 de abril 2012 de 19:30 a 21:30hs
Lugar: Colegio de Abogados de Quilmes, Alvear 414, Quilmes
Total Clases: 16 (un cuatrimestre)
Cupos: 15 participantes.
Forma de Pago: $185 x mes,

Un pago de $45 por derecho de apuntes mensuales y tarea asistida on line
Colegios con cupón 10% de descuento
Matriculados Colegio de Abogados de Quilmes 10% de descuento
Pre Inscripción: fairmontm19@hotmail.com o 1568527440
Primer cuota. y pago de apuntes Primer día de clase.

OSCAR 2010: Nominaciones, Impresiones, expresiones y pálpitos.

Habrá algunas conjeturas que hacer con respecto al regreso de algo que fue muy habitual a principios de la década de los 40, cuando eran diez las nominadas a mejor película. En 1935 se llegó al número de doce en las nominaciones en la misma categoría. La principal conjetura; impulsar económicamente ciertas películas de magros resultados en taquilla. Con la salvedad de Avatar, este fue un año critico para muchos films. Aquí estan las nominadas a Mejor película.














AVATAR
Llega avalada por un rutilante éxito de taquilla y sustentada por el Golden Globe, castigada por los SAG Awards (Razones obvias de los actores), salvado por algún que otro festival de tendencia tecnicista e ignorado por lugares tan proclives a lo artístico como Berlin, Cannes, BAFTA, Directors Guild of America, y Writers Guild of America.

Avatar es la proclama de la revolución tecnológica hecha carne en una nueva generación de espectadores amparados entre pop corn alucinógeno y el 3D.




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THE BILND SIDE:
Oh sorpresa. Una tenue historia de beneficencia, caridad humana y superación, sin muchos matices, salvo lo que Sandra Bullock supo aportar en calve de actriz dramática, como una inflexión imitable de Julia Roberts en Erin Brockovich. La salvedad radica en el tono narrativo donde la abulia edulcorante se apodera de un inicio auspicioso que promete contar en unos largos 128 minutos la historia del homeless afroamericano Michael Oher y su ascensión a las grandes ligas del Football Americano impulsado y protegido por la altruista familia Tuohy. Salvo la composición de Bullock (Que le valio el Golden Globe y el SAG) el film tiene muy poco que ofrecer, solo el relanzamiento actoral de la actriz en franca comunión con el drama.



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DISTRICT 9
¿Estaría nominada District 9 si no fuera Peter Jackson su productor? Con mucho más que The Blind Side, se las arregló silenciosamente para acercarse a 4 nominaciones. De todas maneras la película de Neill Blomkamp (Relacionado mas a los FX en series como Smalville y Dark Angel que a la dirección) fluctúa entre lo bizzarro y la profecía de un mundo coexistente entre humanos y alienígenas (menos dotados que los humanos) agrupados en ghetos que manejan negros traficantes de lo que sea. District 9 es otro entretenimiento con mucha estética doc. a lo Cloverfield pero con mas propuesta visual y menos moral.




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AN EDUCATION
Grandiosa película independiente británica sobre el aprendizaje de una adolescente del sur de Londres entre la esquemática educación inglesa forjadora de caracteres y la ebullición ambiental de los sesenta, representada por un joven arribista snob que proporciona lo prohibido inmerso en la corriente de permanente límite moral. An Education es una distinguida película que va a tono con los premios, equilibrada y provocativa a la vez.

Va por tres nominaciones: Mejor película, Mejor actriz principal, y mejor guión adaptado. A pesar de sus dotes, solo en el último rubro tendrá alguna oportunidad.



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THE HURT LOCKER.
La película de mejor recorrido y la que puede convertirse en sorpresa. La película de Kathryn Bigelow con solamente 11 millones de dólares compite palmo a palmo con Avatar con la misma cantidad de nominaciones. Mas allá de números, The Hurt locker es una película de tensión extrema y un estudio pormenorizado de las patologías de la guerra y las consecuencias de la reincorporación social.




Ver reseña aquí.



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INGLORIOUS BASTERDS
Simplemente QT y toda su estructura narrativa de escenas/historia.

Asegurado el premio a Christoph Waltz como mejor actor de reparto.


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Pasaje de Guión.



PRECIOUS: Based on the Novel 'Push' by Sapphire





Ver en blog análisis.







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A SERIOUS MAN
Lo último de los Coen, una extraña comedia surrealista caracterizada por la duda existencial de un ser casi insignificante entre el judaísmo y lo inabarcable. Hermética para algunos, caústica y desopilante para otros, los Coen están entre nosotros. Sin crear un film masivo dentro de su estilo irrepetible nos llevan al extremo kafkiano hacia rincones sórdidos.

A Serious Man es pequeña a comparación de su filmografía, pero al parecer es como una asignatura pendiente que los hermanos tenían, y se dieron el gusto a pesar de reducir considerablemente su platea.

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UP IN THE AIR
Exquisita comedia dramática sobre un Corporate Downsizing (Un motivador a la inversa que anuncia el despido a empleados) que vive de estado en estado, sin mas preocupación que acumular millas y tener algún que otro affair entre aeropuerto y espera, mientras sin el mas remoto remordimiento es el portavoz de los tiempos de despidos masivos y depresión económica. El film es el exponente de cómo la sociedad americana regurgita sus males o pesares y como la culpa llega y se queda, cuando el instrumento en que se ha convertido el personaje, se humaniza en su viaje azaroso hacia el regreso a sus fuentes. Estupenda, si hiciera un Oscar personal, seguramente sería la gran ganadora, pero… tiene bastante por ahora, 6 nominaciones.

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UP
Seguramente se lleva el Oscar a la mejor Animación pero también está con el lote más importante. UP es una obra mayúscula atesorada por los más pequeños pero con un gran guiño adulto.

Un anciano persiguiendo un sueño obtuso y un niño intentando recomponer su autoestima. Cargada de vida, es una joya de la animación. Imprescindible.

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NOMINADA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA.



No puedo dejar de nombrar nuestra gran nominada. felicidades Juan Jose. Señores, El Secreto de sus Ojos, nominada al Oscar 2010, Mejor película Extranjera. Un Orgullo.

Analisis del Blog

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