CURSO DE DIRECCIÓN Y GUIÓN DE CINE

Vamos a comenzar por una pregunta aparentemente superficial ¿Qué es dirigir cine? Alguna vez Hitchcock dijo: El director es la persona que tiene todas las respuestas.

Por otra parte debemos desmitificar la idea de que solo con la técnica se puede dirigir. La técnica es importante y no hay dudas que hay que conocerla, pero más importante aún es la mirada artística. El director es una persona, ante todo, que está entrenado para pensar cinéticamente, enmarca la realidad, la convierte en ficción y la pone en movimiento. Ese es el principio. Los tres grandes movimientos.

Luego el gran entrenamiento es el ejercicio de Traslación de la palabra escrita a la pantalla. Allí es donde aparece la exégesis visual del Guión con todas sus aristas creativas. No olvides que en el rodaje el buen director comienza cuando sabe pedir lo que quiere y se complementa cuando los demás entienden lo que quiere. Es esa la sustancia del Curso de Dirección y Guión de Cine, cultivar a un posible director integralmente desde la percepción artística de un guión hasta la puesta en escena.

ALGUNOS CONTENIDOS DE DIRECCION:
Conceptos de la mirada cinética.
Determinación del high concept cognitivo del relato.
Las posibilidades de la puesta en escena.
Iconos visuales y motivos recurrentes.
Como construir el back story del personaje central.
Intenciones, subintenciones y contraintenciones.
Movimiento interno y externo de la escena.
Clasificación funcional de la escena.
ALGUNOS CONTENIDOS DE GUIÓN.
Nuestro proceso va de la idea al guión, posiblemente muchos te ofrezcan lo mismo, la diferencia es el camino que te propongan para llegar, y allí, está nuestra diferencia. Algunos pasos fundamentales para que lo entiendas:

1. El terreno cinético es menos flexible que el literario. Trabajamos sobre ello.
2. Crear un espacio - tiempo para cine responde a funciones creativas-estéticas pero también económicas y rentables. Es un deber que lo sepas.
3. El formato de escritura que pocos hacen hincapié es fundamental para que un productor considere que sos profesional, el formato tiene sus regles. Te lo enseñamos.
4. Enseñamos el oficio y las estrategias estructurales que sirven para cada historia. Porque consideramos que cada historia tiene un tratamiento particular.
5. Lo visual responde a comportamientos humanos reconocibles por lo tanto tenemos en cuenta el aspecto psicológico de los personajes. Hacemos ejercicios al respecto.
6. Generamos tests permanentes de seguimiento de las obras de cada alumno como si fuera la presentación profesional del proyecto. Siempre te damos pautas del terreno profesional.
7. Consideramos el espacio escénico como el todo creativo haciendo ejercicios para el dominio ficcional de la escena.
8. Consideramos una macro y micro estructura del relato como elementos a revisionar permanentemente antes, durante y posteriormente.
9. Apoyamos siempre la teoría con ejemplos concretos ya sea de guiones producidos o filmes referenciales.
10. A veces se producen los guiones delos alumnos, supervisamos todo el proceso de rodaje desde el guión. Son diez razones pero hay mucho más.

Ya han pasado más de 350 personas que lo avalan. Mas que la cantidad nos interesa la calidad de los participantes y del taller. Generalmente el cupo es de 15 personas para poder trabajar en el análisis personalizado.

Los referentes directos del curso tienen origen en las teorías y experiencias recogidas de guionistas como Jean Claude Carriere, Syd Field, Paul Schrader. Paul Auster, Quentin Tarantino, Robert Towne, William Goldman y mi personal visión del oficio.

Profesor: Fabián Iriarte
Inicio: Miércoles 4 de abril 2012 de 19:30 a 21:30hs
Lugar: Colegio de Abogados de Quilmes, Alvear 414, Quilmes
Total Clases: 16 (un cuatrimestre)
Cupos: 15 participantes.
Forma de Pago: $185 x mes,

Un pago de $45 por derecho de apuntes mensuales y tarea asistida on line
Colegios con cupón 10% de descuento
Matriculados Colegio de Abogados de Quilmes 10% de descuento
Pre Inscripción: fairmontm19@hotmail.com o 1568527440
Primer cuota. y pago de apuntes Primer día de clase.

OSCAR 2010: Nominaciones, Impresiones, expresiones y pálpitos.

Habrá algunas conjeturas que hacer con respecto al regreso de algo que fue muy habitual a principios de la década de los 40, cuando eran diez las nominadas a mejor película. En 1935 se llegó al número de doce en las nominaciones en la misma categoría. La principal conjetura; impulsar económicamente ciertas películas de magros resultados en taquilla. Con la salvedad de Avatar, este fue un año critico para muchos films. Aquí estan las nominadas a Mejor película.














AVATAR
Llega avalada por un rutilante éxito de taquilla y sustentada por el Golden Globe, castigada por los SAG Awards (Razones obvias de los actores), salvado por algún que otro festival de tendencia tecnicista e ignorado por lugares tan proclives a lo artístico como Berlin, Cannes, BAFTA, Directors Guild of America, y Writers Guild of America.

Avatar es la proclama de la revolución tecnológica hecha carne en una nueva generación de espectadores amparados entre pop corn alucinógeno y el 3D.




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THE BILND SIDE:
Oh sorpresa. Una tenue historia de beneficencia, caridad humana y superación, sin muchos matices, salvo lo que Sandra Bullock supo aportar en calve de actriz dramática, como una inflexión imitable de Julia Roberts en Erin Brockovich. La salvedad radica en el tono narrativo donde la abulia edulcorante se apodera de un inicio auspicioso que promete contar en unos largos 128 minutos la historia del homeless afroamericano Michael Oher y su ascensión a las grandes ligas del Football Americano impulsado y protegido por la altruista familia Tuohy. Salvo la composición de Bullock (Que le valio el Golden Globe y el SAG) el film tiene muy poco que ofrecer, solo el relanzamiento actoral de la actriz en franca comunión con el drama.



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DISTRICT 9
¿Estaría nominada District 9 si no fuera Peter Jackson su productor? Con mucho más que The Blind Side, se las arregló silenciosamente para acercarse a 4 nominaciones. De todas maneras la película de Neill Blomkamp (Relacionado mas a los FX en series como Smalville y Dark Angel que a la dirección) fluctúa entre lo bizzarro y la profecía de un mundo coexistente entre humanos y alienígenas (menos dotados que los humanos) agrupados en ghetos que manejan negros traficantes de lo que sea. District 9 es otro entretenimiento con mucha estética doc. a lo Cloverfield pero con mas propuesta visual y menos moral.




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AN EDUCATION
Grandiosa película independiente británica sobre el aprendizaje de una adolescente del sur de Londres entre la esquemática educación inglesa forjadora de caracteres y la ebullición ambiental de los sesenta, representada por un joven arribista snob que proporciona lo prohibido inmerso en la corriente de permanente límite moral. An Education es una distinguida película que va a tono con los premios, equilibrada y provocativa a la vez.

Va por tres nominaciones: Mejor película, Mejor actriz principal, y mejor guión adaptado. A pesar de sus dotes, solo en el último rubro tendrá alguna oportunidad.



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THE HURT LOCKER.
La película de mejor recorrido y la que puede convertirse en sorpresa. La película de Kathryn Bigelow con solamente 11 millones de dólares compite palmo a palmo con Avatar con la misma cantidad de nominaciones. Mas allá de números, The Hurt locker es una película de tensión extrema y un estudio pormenorizado de las patologías de la guerra y las consecuencias de la reincorporación social.




Ver reseña aquí.



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INGLORIOUS BASTERDS
Simplemente QT y toda su estructura narrativa de escenas/historia.

Asegurado el premio a Christoph Waltz como mejor actor de reparto.


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Pasaje de Guión.



PRECIOUS: Based on the Novel 'Push' by Sapphire





Ver en blog análisis.







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A SERIOUS MAN
Lo último de los Coen, una extraña comedia surrealista caracterizada por la duda existencial de un ser casi insignificante entre el judaísmo y lo inabarcable. Hermética para algunos, caústica y desopilante para otros, los Coen están entre nosotros. Sin crear un film masivo dentro de su estilo irrepetible nos llevan al extremo kafkiano hacia rincones sórdidos.

A Serious Man es pequeña a comparación de su filmografía, pero al parecer es como una asignatura pendiente que los hermanos tenían, y se dieron el gusto a pesar de reducir considerablemente su platea.

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UP IN THE AIR
Exquisita comedia dramática sobre un Corporate Downsizing (Un motivador a la inversa que anuncia el despido a empleados) que vive de estado en estado, sin mas preocupación que acumular millas y tener algún que otro affair entre aeropuerto y espera, mientras sin el mas remoto remordimiento es el portavoz de los tiempos de despidos masivos y depresión económica. El film es el exponente de cómo la sociedad americana regurgita sus males o pesares y como la culpa llega y se queda, cuando el instrumento en que se ha convertido el personaje, se humaniza en su viaje azaroso hacia el regreso a sus fuentes. Estupenda, si hiciera un Oscar personal, seguramente sería la gran ganadora, pero… tiene bastante por ahora, 6 nominaciones.

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UP
Seguramente se lleva el Oscar a la mejor Animación pero también está con el lote más importante. UP es una obra mayúscula atesorada por los más pequeños pero con un gran guiño adulto.

Un anciano persiguiendo un sueño obtuso y un niño intentando recomponer su autoestima. Cargada de vida, es una joya de la animación. Imprescindible.

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NOMINADA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA.



No puedo dejar de nombrar nuestra gran nominada. felicidades Juan Jose. Señores, El Secreto de sus Ojos, nominada al Oscar 2010, Mejor película Extranjera. Un Orgullo.

Analisis del Blog

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El Actor Frente al Guión Cinematográfico: un taller revelador para el actor que quiere incursionar en el cine.

Es obvio que un actor puede reconocer un buen personaje, pero ¿puede reconocer una buena historia cinematografica? Es posible también, intuitivamente la naturaleza del artista lo prepara para el desafío. Pero, con herramientas estructurales va mas allá de la intuición, y puede, en todo caso, fundamentar la elección del personaje y del proyecto. Todos sabemos que un buen personaje se dilapida en una historia mal construida. Muchas veces el actor sabe que no funcionará a pocos días del rodaje.

Otras veces el actor se obnubila por algunas situaciones del relato y solo por eso está dispuesto a representarlo. Pero existe un todo, un tiempo y espacio ficcional mas amplio que va a cobijar al personaje. Entonces debe saber como se estructura el relato cinematográfico y dejar de lado las apetencias personales, eso favorecerá el momento del rodaje, cuando ya inmerso en la vorágine de la realización discontinua del cine no perderá el timing del desarrollo interno de su criatura.

En definitiva, un actor que pretende incursionar en el cine debe saber como un guionista construye el guión cinematográfico, una herramienta de trabajo muy diferente, en su dinámica de exposición espacio-temporal al texto teatral.

Para concretar, con el taller conocerás:

Como testear el arco dramático de un personaje.
Cuales son las técnicas más eficaces para comprobar la tridimensionalidad del relato.
Como se revelan los impulsos del personaje en los Actos Cinematográficos.
Como diseñar Back Storys.
Funcionalidad e intención del diálogo.
Como hacer un Coverage de un guión cinematográfico para determinar su potencial.
Timing e intención de escena.
Composición del personaje integral – cuadro de normativas del trip existencial y emocional –
Caracteres y normativas.
Diferenciar el High concept de la historia.
Y mucho más respecto a la relación entre personaje e historia.

Data:
Marzo. 2010 (Fecha a confirmar)
Colegio de Abogados de Quilmes – Alvear 414 – Quilmes
Duración: 1 cuatrimeste
Instructor: Fabián Iriarte
Costo: $ 100 por mes.
Preinscripción y consultas: jadefilms03@hotmail.com
Info adicional:

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Por Fabián Iriarte

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire, es uno de los acontecimientos independientes del año y posiblemente tendrá una carrera de éxitos merecidos. La historia de una adolescente del Harlem analfabeta y maltratada por su madre es un drama producido por Oprah Winfrey muy proclive a enmarcar desde su programa este tipo de parásito social anquilosado en los desposeídos y traducido en violencia doméstica feroz.

Mas allá de los designios de Winfrey la película de Lee Daniels tiene vida propia, tiene personalidad y genera una discusión eterna: Contención versus Prevención.

Precious tiene para destacar herramientas narrativas genuinas. Gabourey Sidibe es una obesa adolescente de raza negra con una hija con el sídrome Down y un embarazo que complica su vida corriente como estudiante, lo que provoca su reasignación escolar en otro establecimiento.




Su madre ( La sorprendente Mo’Nique seguramente ternada para los Oscar) descarga sus frustraciones infundadas sobre la enorme Precious (Auto apodo que proviene de la proyección imaginativa de su alter ego ficcional) quién ha perfeccionado un mecanismo de evasión mental donde es una estrella rutilante que brilla ante las miradas embelesadas de sus incontables admiradores.
Con esta constante el film se mueve entre el realismo mas descarnado y un paisaje mental exuberante y redentor, mecanismo que hace de Precious un ir y venir secular de intensa interacción y empatía que lleva a descubrir a un ser preso de su físico desfavorable, que como efecto primario, solo obtiene discriminación y abuso permanente (Algo así como el padecimiento físico-emocional de The Elephant Man) que carga sobre sus hombros un dolor humano inimaginable hasta el extremo. Más allá de la compasión que genera de forma inevitable, lo realmente importante es su proceso hacia la liberación espiritual, germen que ha cultivado aun bajo las presiones más contundentes, para que algún día, alguna circunstancia que desconoce pueda concederle una cierta purificación.


Es un camino del héroe invertido, cuando mas se acerca a su ideal en la realidad más desaparece su proyección metal de aquellos sueños imposibles pero redentores que su propia mente se encargaba de producir. Un proceso externo e interno construido por Daniels con maestría y sensibilidad. Como dato intervienen con justeza dos cantautores como Lenny Kravitz y Mariah Carey. Precious es una historia para querer y no olvidar, un momento para la reflexión y para la discusión, es todo lo que puede y debe dar una buena historia.

THE WHITE RIBBON. La obra maestra de Michael Haneke

THE WHITE RIBBON
Por Fabián Iriarte

Estuve madurando la idea que tal vez The White Ribbon (Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte) sea para Michael Haneke lo que Fanny & Alexander significó para Bergman, en este caso un temprano testamento fílmico.

Ambas consolidan las constantes obsesiones temáticas de cada realizador y apuestan a la estructura coral para exponer los diferentes caracteres y patologías del dolor y del sufrimiento. De esta manera forjan una definitiva síntesis de toda una obra. Bergman, el maestro sueco, extirpa los remanentes del alma para autenticar que el humano es un ser menos atento a la razón que a los impulsos y más consagrado a instaurar en su epicentro las contradicciones que redefine la especie. Haneke asegura que el ser humano tiene en su naturaleza, una urgente tendencia maliciosa y que él mismo está predispuesto a fundarse como ejemplo construyendo su obra en base a ese principio. Haneke atesora los extremos tanto como su coterráneo y vecino de Munich, Werner Herzog. Ambos están siempre dispuestos a inmolarse en pos de sus discursos narrativos.


En The White Ribbon lo coral potencia la recurrencia temática. Un poco mas lejos de la desgarrada brutal y explícita narrativa de Benny's Video donde un niño bautiza su instinto asesino al ver matar a un cerdo y decide retratar la muerte en directo en un video, pero esta vez… con un humano. O el sádico juego de muerte que somete a una familia hasta extremos insostenibles en el Funny Games alemán. Sin dejar pasar la autodestrucción masoquista de una pianista sodomizada por sus miedos y miserias en La Pianiste, hasta llegar en Caché al miserable pasado que inunda el presente de una familia de profesionales de aparente vida controlada, cuando un video (Otra vez el registro directo contemporáneo mas efectivo) irrumpe en su hogar guardando incógnitas y sospechas oscuras y censurables.

En The Withe Ribbon la acción tiene lugar en un pueblo alemán en los quince meses que precede la Primera Guerra Mundial. Entre las personas que viven allí hay un barón que es un hacendado dominante y una aparente autoridad moral irreprochable, un pastor con gran cantidad de niños, algunos bastardos por cierto, un doctor viudo con una sospechosa relación con su hija y un maestro que asume un romance casto y virginal con una campesina y que narra la historia en primera persona, con la distancia del presente pero con el detalle del ayer.

En esa aldea la maldad aflora cuando cierta cantidad de sucesos se desencadenan bifurcando lo doméstico y su eterna anestesia pueblerina. Si bien algunos parecen de factura inocente, los sucesos siguen su curso y el grado de execración aumenta sistemáticamente: una mano desconocida abre una ventana para exponer a un bebé recién nacido al intenso frío del invierno. Un campo entero de coles, en la tierra del barón, es destruido por una guadaña, hasta un niño disfuncional es encontrado en el bosque con una nota muy cercana a una venganza de carácter divino que arrasará el lugar como un apocalipsis purificador.

La comunidad se acusa entre si y la tempestad está lista para desatarse. Haneke sintetiza los tiempos que vendrán en algunas escenas impactantes construyendo la humillación mas atroz que un ser humano pueda propinarle a otro cuando El Doctor extermina con palabras lacerantes a su segunda esposa o cuando el Pastor encierra y ata a su hijo después de confesar su recurrente rito masturbatorio. El mismo pastor decide atar una cinta blanca a sus otros hijos como perpetuando una promesa de pureza que la historia terminará por desmitificar. Según Haneke “El absolutismo se convierte en terrorismo. Aunque esta película no es sólo sobre el fascismo, por mucho que haya sido ambientada en Alemania. La gente puede decir que habla sobre los nazis, pero es un problema que afecta a todos”.

Su historia inicia la raíz del odio en un ámbito aislado (También había tratado el aislamiento en Le temps du loup) que se propaga mas allá de los límites aldeanos en las formas del absolutismo que todos . No es casual que la propuesta de Haneke señale que el individuo en aislamiento es mas propenso a construir vallas morales y totalitarias propiciando un cultivo epistolar e inmediato que el que pueda apreciarse en las ciudades, donde, de todas maneras, la tipología llegará con las consecuencias históricas de público conocimiento.

Haneke además agrega “A los niños se les imponían valores absolutos. Los principios absolutistas son, por definición, inhumanos. Y los niños siguen estos principios al pie de la letra, castigando a los que no viven en función de su ideal. Quería hacer una película sobre cómo todo ideal se pervierte. Siempre me ha gustado crear en el cine la libertad que se tiene cuando se lee un libro, donde se dan infinitas posibilidades imaginativas. Las imágenes van surgiendo en tu mente. Y he rodado en blanco y negro, no sólo por mantenerme fiel a las imágenes de la época, sino porque quería usar una voz narrativa distante. Buscaba romper con las convenciones del mundo real”.

Finalmente el film va tejiendo dentro de las improbables aristas que provoca la conducta, la representación de la raíz del mal, del odio y la discriminación, una idea más cercana a la infancia que a la adultez, dedicada a nutrir los principios afines al rigor y la intolerancia para acallar sistemáticamente las voces mas libres. Haneke enmarca el concepto de lo humano como la especie mas destructiva por naturaleza cuando una niña decapita con una tijera un pájaro y sustituye su cabeza con la misma tijera formando una cruz cristiana.

Una obra total, compleja, referencial, caustica, simbólica y tal vez premonitoria. Para preguntarnos que tan lejos o cerca estamos o, en todo caso, como podemos empezar a salir de esto, siempre y cuando el ser humano esté dispuesto. ¿Lo está?

“De virtud hay una especie, de maldad, muchas”. Platón.

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SPIRIT AWARDS 2010: Lo Mejor del Cine Indie Norteamericano

SIN NOMBRE

Sin nombre es un un thriller épico - dramático escrito y dirigido por el director Cary Joji Fukunaga, triunfador en Sundance. Adriano Goldman, nos retrata la realidad que viven cientos de inmigrantes centroamericanos que dejan su país en la búsqueda incierta y muchas veces riesgosa de un futuro más promisorio.

Sin nombre cuenta la historia de Sayra (Paulina Gaytán), una adolescente hondureña, hambrienta de un futuro mejor, que decide emigrar a Estados Unidos junto con su tío y su padre, quien ahora tiene una nueva familia, pero en el camino se involucrará con un miembro de la MARA Mexicana.




THE LAST STATION

Tolstoi (Plummer) se encuentra refugiado en su finca de Yásnia Poliana. Su vida se apaga lentamente mientras su esposa Sofía Andréievna (Mirren) y su principal discípulo, Vladimir Cherkov (Giamatti), se disputan el legado del autor.

Enfrentado con sus allegados, Tolstoi trata de escapar de su hogar, pero su avanzada edad y su frágil salud únicamente le permiten llegar hasta la estación ferroviaria de Astapovo, donde su vida se extingue lentamente







CRAZY HEART

Un cantante de música country intenta recomenzar su carrera, ayudado por una periodista joven e idealista que lo impulsa para que salga del pozo al que llegó.

La historia está tomada de la novela escrita por Thomas Cobb. La película, que protagonizan Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal y Robert Duvall, es la primera obra que dirige Scott Cooper.

El film se perfila como un gran drama y una moraleja sobre la fuerza de espíritu, puede ser la oportunidad de Bridges de alcanzar el Oscar que tanto espera.








A SERIOUS MAN

Larry Gopnik, un profesor de matemáticas judío que sufre las calamidades existenciales de una familia judía en Minneapolis a finales de los sesenta.

Su vida se desvanece tras una serie de eventos que se bifurcan en una crisis existencial y espiritual.
Su esposa Judith quiere el divorcio judío para poder casarse con su amigo Sy Ableman.

Su hermano Arthur, genio matemático vive con ellos durmiendo en el sofá por falta de recursos y habilidad para cuidarse a si mismo, su hijo adolescente Danny hurta de su billetera para comprar marihuana y Sarah, su hija, le hurta para pagarse la cirujia nasal que planea realizar.






AMREEKA.

Amreeka, América en árabe, es la experiencia contemporánea de una inmigrante palestina a Estados Unidos, marcado con tragos amargos, y un buen sentido del humor. Muna lleva años solicitando una green card, vía una lotería -asumimos-- y al tiempo que el ejército de este país logra entrar a Bagdad aceptan su petición. Con familiares en un pueblo pequeño de Illinois y dos títulos profesionales, deja todo atrás y con toda razón: su patria está ocupado, su marido la dejó por una mujer joven y delgada, y el futuro de su único hijo es incierto.

Sin embargo, su ingenuidad y el poco conocimiento de la realidad estadounidense, le ocasionaran varios problemas, que comenzarán desde su llegada al aeropuerto. En pocos días Muna, se dará cuenta que el sueño americano, está más allá de su propia fuerza y enorme sonrisa.




PRECIOUS. Based on the Novel Push by Sapphire

Clareece “Precious” Jones (Gabourey Sidibe), una adolescente iletrada y con sobrepeso, vive en el seno de una familia disfuncional de Harlem. Abusada por su padre, quien la deja embarazada dos veces, y con una terrible relación con su madre (Mo’Nique), es invitada a asistir a una escuela alternativa, donde buscará refugio de su terrible realidad e intentará cambiar su vida de dirección.

La película incluye la participación de músicos como Mariah Carey, Lenny Kravitz y Paula Patton, en personajes secundarios.

EL SECRETO DE SUS OJOS, O Como Conectar Con El Público Con Una Historia Bien Contada

Por Fabían Iriarte

Permítanme ante todo construir significados con mis sensaciones. Para valorar lo que vi y no decir más de lo mismo quiero hacer un poco de historia adecuando el contexto cuando aquellos días la muletilla más incómoda de nuestro cine inauguraba el llamado nuevo cine argentino.

Hace mucho tiempo que quiero escribir sobre ese mote, tanto como desde que regresé al país.


El Secreto de sus Ojos funcionó como una catársis después de tanto divorcio. Esta es la necesidad de decir pero también de separ esta obra de todo aquello anterior. Así de trascendente es. Retrocedamos un poco para entender.

Desde el día que una productora joven me dijo que ellos (los jóvenes entre 20 y 25 años acreditados automáticamente para formar parte del movimiento) eran el nuevo cine argentino y que estaban dispuestos a reformular todo lo que se había hecho antes yo no dejé de pensar en el peligroso significado. Sea lo que sea que fuese se encargaron sistemáticamente de alejar al espectador vernáculo de cualquier obra argentina. Tanto que hoy, en una encuesta que hace el INCAA, pregunta si considera el cine argentino aburrido. El modelo perimido ha carcomido las entrañas con una estrepitosa neurósis cinética.

Más atrás en el tiempo leí como Lisandro Alonso y uno de los Ortega (Me confundo quién es quién, ¡Qué mas da!) blasfemaban sobre los espectadores que no entendían sus películas. En la misma revista algunos directores especificaban pormenores de cómo hacer una opera prima junto a productores que lo habían logrado, pero lo que no decían era, que sus películas apenas habían llegado a la suma de 5.000 espectadores y anidaban en los espacios INCAA o en una sala alternativa los viernes a las 23 hs.

Al mismo tiempo, lo críticos alentaban las producciones que sustituían las historias por el sopor contemplativo de horizontes y pianos que bosquejaban notas como cantos rodados, cuando no alternaban con un solemne violín que lo hacia todo mas insoportable.

Se ha vilipendiado más de una vez el concepto de arte cuando se enaltecía algunas de esas propuestas hasta esos niveles. Hoy esos mismos críticos hacen la salvedad del “no es para todos” para justificar lo injustificable.

No te impacientes, ya voy con El Secreto... pero creo que es importante destacar que probablemente tengamos un antes y después, y es importante reconocer el antes.


Soy un fiel defensor de las historias,
del storyteller, pero estaba viviendo la era de la no historia. En el mejor de lo casos, se grababa el primer borrador de un guión o ni siquiera se tenía uno. Se improvisaba y se pretendía el salvoconducto de una edición liberadora, se maquillaba el discurso y todos debíamos hacer el esfuerzo de acarrear ese gesto al nivel de una película. Ah, le decían búsqueda. Pero no. Vi como un hachero cortaba un árbol durante 10 minutos, como un parrillero tardaba siete minutos en hacer un sanguche de chorizo, o como tardan los personajes en responder un simple ¡Hola! o no se que de un niño pez en alguna parte.

El Secreto de sus Ojos, nos trae el viejo buen cine argentino y además amigos míos quiero confesarles que El Secreto de sus Ojos ha redimido el cine argentino con la simpleza de una historia notablemente contada, con las líneas de sus diálogos precisos y calculados y el trabajo tan espinoso de la emoción. Hay carnadura y los personajes se debaten en el universo del drama contemporáneo en un escenario tan particular como nuestro bendito país.
A nuestra sociedad le encanta calificar, ponerle nombre o apodos a las cosas, o entronizar mártires, mitos y venerar al piola. El Secreto... se recordará como la película que demanda al cine nacional la tarea de restituirnos las historias mas entrañables, y es en ese sentido inclasificable por su efecto masivo. De todas maneras alguien ya estará pensando en algo.

La película tiene identidad, aquella identidad que perdimos cuando quisimos parecernos más al cine de Antonioni de los sesenta o a las modas Iranís u Orientales, que ciertos cineastas experimentaron entre historias de cárceles y miseria festivalera exportable. Algunos hasta se jactan de saber cine solo por pronunciar tres o cuatro directores orientales sin que la lengua se les trabe o citar un puñado de películas descubiertas junto a un profesor mas dedicado a la reiteración de viejos conceptos que a verificar la mirada de la refrescante narrativa contemporánea.
El Secreto de sus Ojos es una película de corte clásico pero con la frescura estructural de la fractura temporal. J.J. Campanella diseña personajes que ya no existen o en franca extinción como Benjamín y se debaten en la ironía de una sociedad complotada a llevar todo hacia orillas escabrosas y corruptas. Los personajes centrales de Campanella son moralmente intachables, es por eso que no existen, pero trabajan el deseo correspondido del público, es decir: cuanto daría por ellos. Mas allá de su vía crucis insostenible, de la epopeya insigne de torcer el desquicio que azota una sociedad, por lo menos terminan en paz con ellos mismos, aunque tal vez el precio de abandonar un amor tan fuerte por veinte años resulte acaso de un excesivo idealismo anacrónico.
El secreto… es una película querible, con personajes queribles y otros guiños que todos pueden conectar con la realidad nuestra de cada día. El elemento identificatorio que Campanella construye funciona en todos los niveles y queridos amigos, es nacional. Por fin.