DESCARGÁ CINE INDEPENDIENTE: PACK N° 1

DESCARGA CON uTorrent / visualizá con  VLC

SITIO OFICIAL
DESCARGA
SUBTITULOS

SITIO OFICIAL
DESCARGA
SUBTITULOS

SITIO OFICIAL
DESCARGA
SUBTITULOS

SITIO OFICIAL
DESCARGA
SUBTITULOS

SITIO OFICIAL
DESCARGA
SUBTITULOS

SITIO OFICIAL
DESCARGA
SUBTITULOS

RAYMOND CHANDLER, APUNTES PARA UN ESCRITOR

LOS APUNTES DE CHANDLER SOBRE LA NOVELA DE MISTERIO.

           Debe ser la novela con credibilidad, tanto en sus situaciones como en el desenlace; con acciones, personajes y circunstancias plausibles (No se valen los finales tramposos ni las manidas historias de “círculos cerrados”. Nada de elaborar escenarios tan sofisticados como los de Agatha Christie en el Asesino en el tren a Calais).

       Debe ser técnicamente solvente, sólida, tanto en el método de asesinar como en el de detección. Nada de venenos fantásticos ni efectos falsos. Si el detective es un policía, debe proceder como si fuera y tener la mentalidad y el físico de uno de ellos. Conan Doyle y Poe fueron primitivos en este arte. Ellos hicieron cosas que hoy no pueden admitirse (También las policías eran rudimentarias en sus tiempos). Conan Doyle mostró que no sabía todo acerca de Scotlan Yale y sus hombres. Christie comete la misma estupidez.

      Hay que ser muy honesto con el actor, algo que siempre se dice pero no siempre se hace. Los hechos importantes no solo no hay que ocultarlos; tampoco hay que distorsionarlos con falsos énfasis. Y los hechos no importantes no deben ser proyectados como si fueran para engañar al actor. Este debe tener todos los elementos para resolver el problema; tampoco crear tramas que exijan conocimientos especiales en los lectores.

     Debe ser realista, tanto en los personajes, como en escenarios y atmósferas. Debe tratarse de gente real en un mundo real.

     Debe haber una historia convincente y sólida, a parte de los elementos policíacos. La investigación en si misma debe ser una aventura digna de ser leída.

      Para lograr esto, la historia debe contener algo de suspenso, aunque sea solo intelectual. Esto no quiere decir que deba ser amenazada y menos quiere decir que el detective debe vivir amenazado gravemente. Debe haber conflictos, físicos éticos o emocionales, y solo algunos elementos de peligro en el más amplio sentido de la palabra.

      Debe haber colorido, elevación y cierto brío en la narración.

      Debe tener la suficiente simpleza esencial como para ser explicado todo al final. Posiblemente esta sea una de las reglas mas frecuentemente violadas. El desenlace ideal es aquel en el cual todo se releva y explica en un momento de la acción. Pero esto es raro, porque todas las buenas ideas son raras. La explicación debe ser no demasiado breve (Excepto en los guiones). Pero debe ser interesante en si misma; algo en los que los lectores estén ansiosos por saber y no una nueva larga historia con nuevos ambientes, nuevos personajes y nuevas complicaciones. No es juego limpio hacer que el lector retenga miles de trivialidades para después decirle que dos o tres eran las decisivas. Ni debe hacerse que el lector sepa de química, metalurgia, o las costumbres de la Patagonia.

    Debe esperarse que el receptor sea un lector razonablemente inteligente. Aunque esta sea una cuestión muy difícil de definir.

      La solución debe verse inevitable una vez revelada. Esta es una regla importante en cualquier ficción. Hay que hacer que el lector no se sienta trampeado ni loco, o en todo caso que sienta que el engaño es honorable.

      No hay que hacer todo a la vez. Si se trata de una obra de enigma, mas o menos fría, no puede también incluirse una aventura violenta ni un apasionado romance. Por otra parte, una atmósfera de terror destruye un pensamiento lógico. El detective no puede estar amenazado y ser un héroe al mismo tiempo; y el asesino puede ser una víctima atormentada por la circunstancia y a la vez un pesado.

      Debe penarse al criminal en un sentido o en otro, pero no necesariamente mediante la acción legal. Contrariamente al criterio popular, este requerimiento no tiene nade que ver con la moralidad. Simplemente, es parte de la lógica de la detección. Aunque el título habla de “Doce reglas” en realidad son más, pues hay una addenda del propio Chandler.

TAKE SHELTER: ¿APOCALIPSIS AHORA?

Por Fabián Iriarte

Jeff Nichols había sorprendido con la austera historia rural de venganza por herencia que proponía en Shotgun Stories. En Take Shelter se supera cuando nos presenta el mapa mental de un hombre introspectivo y en franco desliz esquizoide. O al menos eso parece.

Nichols se sumerge en las zonas mas turbulentas que trasunta Curtis (Michael Shannon, un ascendente actor indie nominado al Academy Awards en el 2009) entre la paz aparente de un pueblo en las afueras de Ohio y el paisaje sombrío y pesadillesco de sus alucinaciones premonitorias.

Curtis va arrastrando paulatinamente a su familia, a su esposa Samantha, una moderna y tolerante country woman y a su pequeña hija Hanna, impedida en su audición, hacia los dos hemisferios que lo abruman. La profética visión de un apocalipsis resumido en una tormenta descomunal y su maternal historial esquizoide.

Pero es Curtis su propia tormenta, aquel que a su paso dejará devastado todo a su alrededor, una especie de mandato personal irrebatible, un camino de descubrimiento primitivo.

La propiedad de Nichols se gesta cuando enrarece el entorno al momento que vamos siendo testigos del descenso anunciado de Curtis. Un par de secuencias de extraordinario giro argumental nos juega una ida y vuelta de varios planos mentales, astutos pero no gratuitos, que provocan el efecto de tono bíblico e irreparable.

La narración nos lleva de bruces con cierto peligro informativo pero con una sensación inminente de tragedia.

Cuando Curtis decide construir un refugio para tormentas, nos introducimos

definitivamente en su psiquis, en una escena claustrofóbica, cuando la hipotética tormenta hace mas daño en el Curtis disminuido y sin retorno, que en los alrededores del pueblo.

Oscura película, de cadencia lenta pero no contemplativa. Entre la liberación del hombre, la premonición, la realidad y la ficción. Los actos compasivos y la discriminación.

Curtis por fuera es un hombre común, por dentro un ser complejo que arrasa con su propia integridad como una tormenta apocalíptica, que marcara, el de fin y comienzo de una nueva civilización.

We Need to Talk About Kevin: ¿Sabes que está haciendo tu hijo ahora?

Por Fabián Iriarte
Cuando vemos We Need to Talk About Kevin de la interesante cineasta Lynne Ramsey, quedamos abrumados. Desde su pincelada de agobio abreviado pero constante, acomete los orígenes de la humanidad y cuando nos asiste al evento desafortunado de una mujer que no sabe como encausar su vida alrededor se su nueva condición de madre. Ramsey elige establecernos en su Propio Génesis cuando nos posiciona en su narrativa que va sin escalas del pasado mental desarticulado al presente físico articulado.

Eva Khatchadourian (Eva nombre bíblico) interpretada por la siempre correcta Tilda Swinton, transita por su propia paráfrasis de la alienación producída fuera del reino divino. Fuera del Jardín del Eden que supo construir. Eva lo tuvo todo, hasta que comió de la fruta prohibida. En términos terrenales, Ramsey da vida a Eva como una exitosa madre que engendra a Kevin que representará la imagen y semejanza de su propia autodestrucción.
El ser humano suele aferrarse a ciertas creencias. Solo se necesita una vida para eso. Si creemos en el destino o si creemos en la intervención divina o, en todo caso, si no creemos nada o suponemos que todo se reduce a causa y efecto, a una cadena multidimensional que creamos con nuestras acciones. El espectador no escapa y toma parte de esta teoría cuando empieza a descifrar que Eva no está preparada para Kevin y Kevin solo vive para hacérselo notar de la peor forma. Kevin (puede leerse Caín sin Abel) entiende que su existencia está predeterminada para el mal de su entorno inmediato y para el no-nacer endémico (¿El contexto?¡ Yo soy el contexto! Dice en una línea en relación a una desafortunada intervención de su padre) acto que incita a una autoflagelación constante.


Destino o no, ninguno está hecho para el otro. Destino o no, el esfuerzo de Eva solo conduce a la inevitable catarsis de violencia de Kevin y a la inevitable, también, expulsión de Eva de su Jardín del Edén. Ir mas allá seria caer en un incómodo spoiler. Eva no está sola o mejor dicho no está sola en cuerpo pero si en alma. A su lado un autocomplaciente marido, simplón y endulzado (John C. Reilly) y Celia, la hija menor de una pureza spilbereana que refuerza la idea permanente de tragedia y compasión.
En la primera etapa asistimos a varias capas narrativas. Como señalamos los paisajes mentales desarticulados de conjetura y sospecha. Los paisajes mentales articulados de un status perdido y el presente físico articulado en debacle sin remedio. Con todo, nos remite a la confirmación de que ese personaje llamado Eva purga una pena casi eterna. El merito de Ramsey como narradora es no perderse en la estructura laberíntica. Aun en la conjetura nos conduce con sapiencia hacia las puertas de la historia que el espectador deconstruye y reconstruye permanentemente como un juego perverso y cómplice.

El propio titulo, We Need to Talk About Kevin, es el insignia de lo que nunca ocurrió, es la clave de una postergación oscura hasta el instante inevitable, por eso su directora seguramente se inspiró en esta cita: "Con el sudor de tu rostro comerás el pan hasta que vuelvas a la tierra, porque de ella fuiste tomado; pues polvo eres, y al polvo volverás" (Génesis 3:19) O "parirás a tus hijos con dolor" (Génesis 3:16). Después de los acontecimientos finales, seguramente Eva se preguntara si ese dolor prediseñado para el mundo femenino debiera ser tan grande. A veces los errores cometidos no pueden pagarse ni siquiera con culpa eterna.

WOODY ALLEN: Neurastenia Fundacional como medio de Supervivencia

Por Fabián Iriarte sobre Guión de Woody

Allen

Woody Allen es la paranoia existencial probada y consumida por legiones de insatisfechos. Una forma colectiva de afrontar las plagas cotidianas que el ser humano sabe capitalizar o denostar en sus propias

experiencias personales.

Los años pasan y el control de su ironía agridulce trasciende su propio formato para pernoctar sin remedio en una agria postulación del hombre corporativo, enajenado y amoral.

Aquí va algunas de las posturas de Boris Yellnikoff personaje encarnado por Larry David en Whatever Works una especie Unabomber emocional.

CONTRA LA VIDA

Todo lo que digo es que la gente hace la vida mucho peor de lo que pudiera ser, y, créeme, no necesitan ayuda para convertirla en una pesadilla. Pero, en general, lamento decirlo, pero somos una especie fracasada.

CONTRA EL INDIVIDUO
No soy un tipo agradable. El encanto nunca fue una prioridad para mí. Esta no es la película

"reconfortante" del año. Pues si tú eres uno de esos idiotas que necesita reconfortarse, vete a tomar una masaje de pies.Y, sólo para que lo sepan, esta no es la película

CONTRA EL VACÍO TEMÁTICO

Tus amigos, tus compañeros de trabajo, los periódicos, la TV. Todo el mundo está feliz de hablar, llenos de desinformación. Moralidad, ciencia, religión, política, deportes,amor. Tus inversiones, tus niños, la salud. Dios.

CONTRA LA SALUD O LA FALTA DE ELLA

Si tengo que tomar nueve colaciones de frutas y verduras al día para vivir, no quiero vivir. Detesto en gran forma frutas y vegetales. Y tus niveles de omega-3, y la cinta de correr, y el electrocardiograma, y la mamografía, y la ecografía pélvica, y, oh, por Dios, ¡la colonoscopía! Y aún así, igual llega el día en que te ponen en una caja, y te pasarán a una nueva generación de idiotas quienes además te contarán todo acerca de la vida, y definirán qué es lo apropiado para tí.

CONTRA EL MANEJO DE LA INFORMACION

Mi padre , se suicidó porque los periódicos lo deprimían. ¿Y pueden culparlo? Con el horror, y la corrupción, y la ignorancia y la pobreza, y el genocidio, y el SIDA, y el calentamiento global, y el terrorismo, y los idiotas valores familiares, ¡y los idiotas armados! "El horror," decía Kurtz al final de "El corazón de las tinieblas", de Joseph Conrad. "El horror".

Afortunado Kurtz, que no recibía el "Times" en el medio de la jungla, ahí sí hubiera visto algo de horror.

Pero, ¿qué puedes hacer? Lees sobre alguna masacre en Darfur, oalgún autobús escolar explotando, y dices, "Oh, mi Dios, el horror!" Y ahí, das vuelta la página, y terminas tus huevos de gallinas orgánicas.

CONTRA LOS SUEÑOS NO LOGRADOS

Estoy seguro que estás obsesionado con una pequeña cantidad de tristes esperanzas y sueños.

Tu poca y satisfactoria vida amorosa.Tus emprendimientos fracasados.

"Oh, ¡si solo hubiera comprado ese stock!" "¡Si sólo hubiera comprado esa casa hace años!""Si sólo hubiera encarado a esa mujer." Si esto, si aquello. ¿Saben qué? Denme un respiro con sus "hubiera podido" y "hubiera debido". Como solía decir mi madre, "Si mi abuela tenía ruedas, debería haber sido un tranvía." Mi madre, no tenía ruedas. Tenía várices. De todos modos, la mujer dio a luz a una mente brillante. Fui postulado para el Premio Nobel en Física.

¡Más importante que cómo vivo, es por qué me molesto en absoluto en vivir!

CONTRA EL RACISMO
En EEUU, por más que odien a los negros, más odian a los judíos. Los negros los asustaban por sus pitos grandes. A los judíos, los odian, aún con sus pitos pequeños.

¿Qué quieren que haga? Es homosexual de closet, sexualmente indefinido.

CONTRA LOS CAMPAMENTOS DE VERANO
Yo tengo un talento natural en el campo de perder el tiempo.
Váyanse al carajo. En EEUU, hay campamentos de verano para todo. Chicos ricos, campamento de básquetbol, campamento de magia. Campamento de tenis. Campamento de ¡De directores de películas! Tendrían que tener uno de campo de concentración. Dos semanas obligatorias, para todos los niños en etapa de crecimiento, ¡entonces finalmente entenderían de lo que es capaz la raza humana!.

CONTRA EL SNOBISMO ARCAICO
-¿Qué haces con eso?
-¿Esto? Nada. Lo conseguí en el mercado de pulgas.
- ¿Quién necesita un pañuelo antiguo?
- Me pareció que era bonito.
- Sí, pero vaya Dios a saber quién sopló los mocos en él.

CONTRA LAS CELEBRACIONES MITOLÓGICAS

Solía detestar la celebración del Año Nuevo. Todo el mundo desesperado por divertirse. Intentando celebrar en alguna forma patética. ¿Celebrar qué?¿Un paso más cerca de la tumba? Por eso es que no ceso de repetir, lo que sea de amor puedas conseguir y dar, lo que sea de felicidad que puedas tomar o proveer, cada medida temporaria de gracia, si la cosa funciona.

CONTRA EL DESTINO COMO DEFINICIÓN
Y no te engañes, eso no significa todo sobre tu propia humanidad ingenua. La mayor parte de tu existencia es suerte, aunque no quieras admitirlo. Dios, ¿sabes las posibilidades de un espermatozoide de tu padre, dentro de billones de ellos, de encontrar al único huevo que te formó? ¡No pienses en ello, tendrás un ataque de pánico!.

KEITH RICHARDS, LIFE

Por Fabián Iriarte
Todo sucedió en Kent, Dartford. En las calles que gracias al Google Maps pude recorrer virtualmente. Y es que según Keith todo sigue igual, salvo que aquel pequeño departamento que subsistía milagrosamente sobre una verdulería ahora lo hace sobre una floristería, precisamente la Darling Bud Of Kent, sobre la calle Chastilian Street a una cuadra de Denver Street, donde vivía un niño de familia mas acomodada que respondía al nombre de Mick Jagger. Ambos niños caminaban por la ensortijada Chastilian hasta la no menos curvilínea Wentworth Drive para asistir a la Wentworth Primary School que hoy tiene el privilegio de tener un Mick Jagger Center, un auditorio provisto de alta tecnología, aunque Keith Richards tiene la firme convicción que un ala de la escuela nunca lleve su nombre y de ser así ya tiene un plan para sabotear la delicadeza.

Richards sorprende con su propia sobrevivencia y tal vez su biografía se pronuncia como otra gesta anti establishment, una especie de dulce venganza hacia los que durante la supremacía Stone intentaron cauterizar un acontecimiento inevitable; la revolución artística cultural de cinco hombres que pusieron su atención y su esmero en articular los sonidos esclavos del Mississippi en la almidonada sociedad inglesa de principios de los sesenta.

Richards abre su bio con un episodio muy propio de la cacería de brujas Stoneana allá por 1975. “… un pueblo diminuto y los Rolling Stones en el menú policial a lo largo de Estados Unidos: todos los polis querían pillarnos a cualquier precio, ascender en el escalafón y cumplir con el deber patriótico de liberar a la nación de aquellos mariquitas ingleses”… “El departamento de Estado había observado disturbios (cierto), desobediencia civil (cierto también), sexo ilícito (¡A saber que es eso!) y violencia en toda la nación, y la culpa era nuestra, de unos simples juglares. Como por lo visto habíamos incitado a los jóvenes a la rebelión y estábamos corrompiendo el país, se había decretado que jamás volviéramos a los Estados Unidos”.

El capitulo dos está ilustrado por una foto del pequeño Keith paseando por Ramsgate con su madre Doris. De tan solo dos años, el pequeño Keith es sostenido por una correa, el rostro ceñudo de aquel niño perfila una de esas tardes complejas y no es descabellado detectar en ese pequeño de dos años el inconformismo latente, mientras madura la sospecha que ese niño más que una correa podría necesitar una cadena. Tal vez el anillo de calavera y las esposas circundantes en su brazo izquierdo rubrican hoy los presagios que derivan de aquella foto.

El humor de Richards es implacable, Life está plagada de desorden organizado, leerla significa desplazarse por una montaña rusa de picos ascendentes a veces imposibles de evitar entre la sensación brutal de tragedia inminente y piedad.

“Le envíe una postal a mi madre: Querida madre perdona que no te llamara antes de marcharme, pero seguro que tengo los teléfonos pinchados. Ya veras como todo sale bien al final, no te preocupes. Por aquí todo es genial. Un beso grande. Tu hijo Keef el Fugitivo”

Todo es de una magnitud pasional indómita, desde las paginas remitidas exclusivamente a lo musical, hasta aquellas dedicadas a las recomendaciones lisérgicas de como sobrevivir a ellas y no convertirse en un mártir del rock (Especial las consideraciones del caso Brian Jones). Caso aparte lo dedicado a su relación eterna con Mick Jagger, desde sus pujas estilísticas hasta la aceptación (repudiada por Keith) de su socio histórico de su nombramiento como Sir. Richard no ahorra la inevitable comparación con los Beatles y aunque lo unía una gran relación con Lennon, no se ahorra algún garrote de soslayo.

“Igual si nos hubiéramos puesto las chaquetas de pata de gallo y hubiésemos tenido el aspecto de muñequitos tal vez no hubiéramos cabreado tanto… la reacción no tuvo nada que ver con lo acostumbrado cuando salimos a tocar delante de aquella caterva de paletos que iban literalmente con la brizna entre los dientes… no podían soportar que sus chicas estuvieran embobadas por esos maricones… fue una bronca monumental y fue una suerte que saliéramos enteros.”

Era el principio y el contraste Stone. Keith se considera hijo directo de Willie Dixon, Muddy Waters, Chuk Berry, Howlin’ Wolf entre otros. Y son también otros los que dan testimonio directo del efecto Keef.

Steve Jordan: Un pez gordo de la industria invitado por Mick se presentó en Montserrat para hablar de no sé que contrato relacionado con la gira. Estaba claro que alardeaba de grandes conocimientos sobre producción musical, porque estábamos en la zona del estudio escuchando una grabación de Mixed Emotions, que iba a ser el primer single. Keith estaba allí de pie con la guitarra y Mick también escuchando. Acaba el tema y el tipo dice: “Una gran canción Keith, pero si cambias arreglos un poco te digo yo que sonaría mucho mejor”. Así que Keith se va para su maletín medico saca la navaja y se la arroja: aterrizó justo entre las piernas del tipo. Fue como de Guillermo Tell. Algo fantástico. Y Keith le dice: “Mira hijito, yo ya estaba componiendo canciones cuando tu todavía no eras ni una chispa en la polla de tu padre. No vengas a decirme como se compone”

Es un gran purista del blues y su defensa le costó mas de un encontronazo cuando su co piloto deliró con la música disco de Club54. La personalidad de Richards es una máscara anti pop que supo conseguir incluso con su propio cuerpo “hasta me deje caer unos cuantos dientes…”

Los roces con la muerte parecen actuar en Life como océanos ondulantes donde su protagonista se convierte en un ser omnipresente que alecciona inclusive a los que han quedado en el camino (Jones, Belushi, Hendrix, Joplin, hasta el bueno de Ian Stewart) mientras se constituía en un padre presente pero poco convencional para su hijo Marlon y resguardaba a su hija Angela con su abuela Doris en las cándidas tierras de Dartford.

Pese a todo Richards se las arregló para contarlo. Ha construido un imperio musical que llevó a más de un millón de personas comprobarlo en las arenas de Rio de Janeiro, mientras Argentina esperaba su turno.

Mas tarde otra vez la muerte sucumbió ante un coagulo cerebral que Keith gambeteo con clase en un quirófano de Nueva Zelanda.

Pero Keith resignifica una época y a la vez se autodefine:"En cuanto a mí, la prensa, empezando por la musical empezó a incluirme con gran entusiasmo en la lista fatídica. Un nuevo ángulo. Ya no les interesaba tanto la música al principio de 1973. New Musical Express sacó una lista de las diez estrellas del rock que era mas probable que murieran pronto, y me colocó en el numero uno. Soy también el Príncipe de las Tinieblas, el hombre hecho polvo con mas elegancia y demás: todos esos títulos que me encasquetaron fueron acuñados entonces y me quedé con ellos de por vida. A principio eres una novedad pero eso también era lo que pensaron del rock and roll… y deseaban que te fueras a tomar por culo. Y cuando eso no ocurría deseaban que te murieras".

Ladies and Gentleman: Keith Richards. ¿Qué más se puede decir?.

FISH TANK: HACIA EL EXILIO MATERNAL

Por Fabián Iriarte

Si Dolan cuestionaba en su I killed my Mother la relación adolescencia-decantación maternal, Andrea Arnold explora la relación adolescencia - exilio maternal y aceptación social. Mia es una adolescente perturbada que cataliza su furia ante todo lo tangible que incomoda su paso hacia su deficiente concepto de liberación. Mia escapa sin fuga.

No está preparada porque lo que conoce es tan inaceptable como atrapante. Su ámbito la succiona. Estamos en Essex, una especie de tierra devastada que convoca solo desencanto y marginalidad socializada.

Mia no sabe como salir de la nada inconmensurable que es su madre y adopta soluciones efímeras que acompañan su despertar sexual y la ambigüedad de su transitar masculino con el test postergado de su femineidad.

Mia se obsesiona (Poco se parece al amor) con el novio de su madre para conformar su primer exilio: el psicológico.

Fish Tank transita entre la descripción de comportamiento e intenciones del cine de los hermanos belgas Dardenne y el compromiso de realismo social de Ken Loach, con este esquema Arnold justifica una crónica disfuncional que converge en la extraordinaria escena de danza ritual de ruptura final y destino entre madre e hija.

Fish Tank es el exilio maternal de cuerpo y alma, es el itinerario hacia la reconstrucción del ser.

Ficha técnica completa.

Trailer:

I KILLED MY MOTHER: DE REGRESO A LA IMAGEN MATERNAL

Por Fabián Iriarte

¿Es el propio estado adolescente quién distorsiona la imagen materna? Xavier Dolan un debutante filmico pero no tanto en la vida real que parte de esta consigna tan compleja y reviste su juego mental desde la perspectiva de un adolescente en franca rebeldía existencial, y desde aparentemente, su propia experiencia. La consigna, asume el liderazgo, de un temprano replanteamiento de situación cuando a tal vez lleva años hacer catarsis de esa innegable bipolaridad de amor /odio.

Unos de los primeros acercamientos visuales que construye un prefacio del punto de vista de Hubert (interpretado por el mismo Dolan) es la boca de su madre engullendo en slow motion un panecillo desbordado de queso crema, acaso una visión arqueológica del paisaje interno de Hubert que convoca a un ¿motivo? para la autoflagelación.

Su madre (Una extraoridinaria Anne Dorval) está en una etapa de suspensión producto de una soledad avasalladora demarcada por el mismo ámbito que la atosiga, Hubert se potencia para castigar y castigarse en una especie de reconciliación dolorosa que lo lleva a su punto de origen.
I Killed my mother (J'ai tué ma mère )es un

viaje hacia la imagen maternal primaria, hacia la reconciliación de la conciencia y tal vez un regreso sin concesiones hacia la carnadura de la vida y la concepción purificadora.

Ficha técnica completa

CAMINO ALTERNO: UNA SERIE DE RUTA EN CLAVE PARANORMAL

Stones in Exile. Exile on Main St. Largarse a un sótano húmedo y hacer historia

Por Fabián Iriarte

“Permítanme que me presente, soy un hombre poderoso y distinguido y he robado a mas de uno el alma y la fe” bajaban las estrofas como azotes corrosivos desde un álbum de cubierta prohibida. Era un tema de un tal Jagger y un tal Richards pergeñado entre el 68 y el 69 y que relacionó inevitablemente a la banda con cierto aquelarre demoníaco.
Esperé mucho tiempo para escribir algo sobre los Stones, pero mi respeto, hacía que nunca empezara por decidirme.
Stones in Exile me inspira un prefacio inevitable, precisamente fundamentando mis días de revelación Stone. No podría ejercer esta escritura de manera sosegada si no me instalo como testigo histórico de la escena. Corría 1972 y Argentina estaba nuevamente divorciada del mundo (Cuándo no) y en ese contexto ¿Qué podía hacer un adolescente más que inquietarse por lo prohibido? Mientras yo contaba las monedas para adquirir mi primer álbum inglés (monedas destinadas para un juego de lapiceras para el colegio) Los Stones ya estaban en Francia, en un sótano súcio y húmedo otrora sede de operciones de la Gestapo, entre fastidio, excesos y desconcierto arribando la idea de temporalizar el destino de la banda.

Keith Richards fundó el bunker en su mansión de Nellcôte, Villefranche, Francia. Charlie Watts maldijo por enésima vez haber abandonado su cómoda estancia Londoniense, Bill Wyman añoraba el té ingles mientras focalizaba su instinto más primitivo en las jovenzuelas francesas. Mick Taylor era el nuevo, el otro Mick, el virtuoso guitarrista formado esencialmente con John Mayall, que ya había pasado la prueba en Sticky Fingers pero que nunca logró seguir la vorágine Stone y tres años después abandonaría la “experiencia”. Mientras, el gran Mick Jagger hacia lo que siempre supo hacer, transformar el caos noctámbulo de Keith en una obra de arte como el álbum doble Exile on Main St. En esa instancia, Milestones se detiene mágicamente entre mis manos. El álbum no era más que una recopilación oportuna de la Decca, aquel sello que los Stones dejaron después de una década de abusos y maltratos económicos. Una especie de manual del Stone incipiente. Suficiente para empezar. Satisfaction (No hay tema mas explicito que compendie el sentimiento insurgente de los sesenta) Las agridulces Under my thumb y She´s a rainbow , la sincopada Not Fade Away, la misógina Time is on My side y Out of time. Suficiente, tenía mi compendio Stones de bolsillo. Allí empezaba mi historia con los Stones, corría 1972, y el peronismo entronizaba su etapa más… ¿siniestra? En fin. Volvamos al sótano. El documental de Stephen Kijak recoge el proceso creativo de los Stones intentando hacer catarsis en condiciones desfavorables ¿o no? o… simplemente el sótano resume el regreso mas prístino de la banda, retornado de alguna manera al Marquee, esa especie de mazmorra dónde hacían sus primeros covers bajo la endeble tutela moral de Brian Jones y las enseñanzas de los Blues Incorporated.

En aquellos años de Marquee Club, Mick era un joven timorato y Keith buscaba su propio estilo, Charlie un jazzero remolcado a la fuerza y Bill… Bill era simplemente el dueño del bajo que necesitaban.

“El concepto de exilio es el correcto, porque eso sirvió para que rompieran con el pasado y para que, como grupo, explotaran", afirma Martin Scorsese en un momento del documental. Pero el pasado siempre te remite a los orígenes y la memoria los lleva a su primer manager Andrew Loog Oldham cuando instauró el concepto de “Los Stones no son una banda más, son una forma de vida”. El bunker de Keith en Nellcôte, Villefranche lo revalida. "Era el sitio perfecto cuando tienes 20 años. Cerca de Marsella para abastecerse de drogas y a un paso de la Italia de la mafia", sostiene la voz en Off.

Y el bunker fue testigo de la vuelta al capitulo de la amoralidad, el caos y la búsqueda incesante de la voz propia, el cuerpo como alquería experimental (Son famosas las orgías y los excesos retratados en otro documental maldito Cocksucker Blues, del cual se han extraído los fragmentos menos fragosos) y un álbum en el renacer del Exilio. "Se grababa a cualquier hora del día, sin previo aviso. Si se empezaba a las once de la noche, nos podíamos tirar 12 horas. Por eso había que vivir allí", explica Charlie Watts, justificando la estadía.

Antes, Sticky Fingers giraba en torno a la nostalgia lisérgica (Sister Morphine, Dead Flowers) mas atrás Beggars Banquet celebraba un pacto con el diablo y combinaba cuerdas con Country. Exile on Main St. se convierte en un crisol de ritmos milagrosamente homogeneizados en un álbum doble y el documental revitaliza la genialidad (Una palabra que en este caso no queda grande) de la banda de rock mas grande del planeta atravesando experiencias con un áspero Jazz, el Rhythm and Blues, la Balada, el Rock sucio y el Gospel.
El documental se abastece de Robert Frank fotógrafo consagrado por retratar en su libro The Americans la visión escéptica e insolente de la sociedad estadounidense, amigo del beatnik Allen Ginsberg y transformado por entonces en un Alexis de Tocqueville moderno, Frank era en uno de los principales artistas donde descansaba la jerarquía de la subcultura Beat. Por entonces, Frank deduce la falta de un ícono más en su galería, preguntó a los Stones si podía visitarlos para hacer una sesión de fotos, allí tenía todo lo que abreviaba su obra, era de esperar entonces que su estadía en el bunker haya durado seis meses de extasiada convivencia.

Stones in Exile se sostiene con su fotografías y el montaje sistemático de otros lugares menos frecuentes de los Stones (Algunas imágenes vedadas por años) la voz en off conducente de un Jagger actual, rezumado en la potencia visual que emana el desparpajo Stone. No era la primera vez que el underground americano se asociaba con los Stones, Andy Warhol un año antes había diseñado la cubierta de Sticky Fingers devenida en el primer plano de un jean alabado y bendecido, acaso glorificado, por una protuberancia lasciva dificil de evitar.

Stones in Exile es de visión obligatoria para propios y extraños del circuito Stone, es el reencuentro con la historia, es un documento que valida la supremacía Stone en el mundo del rock, y posiblemente uno de los vestigios mas sinceros de resistencia y cultivo de la voz de los sesenta. Para los Rolling Stones sin duda fue la trinchera apropiada de prosecución de su apostolado musical con sentido social, para seguir representando al desposeído, para comprobar que la desdicha es parte de la vida pero que en lo simple puede anidar un páramo redentor. Las generaciones de seguidores se suceden inexorablemente, el encanto permanece, la rebeldía aun es un vehículo depurador de insatisfacciones. Sesenta minutos de historia para ser testigos del mejor álbum doble de rok’n’roll, y sí… “Es solo rock’n’roll… pero me gusta”.

Trailer

Les Plages d'Agnès: Un sistema adquirido para la memoria

Por Fabián Iriarte


Habrá que sondear a los especialistas para inquirir si existe un sistema consciente en el camino recurrente de la memoria, para que, ordenadamente y de modo certero, enumere los recuerdos con la precisión consecuente al momento vivido en el terreno del pasado.

Mas allá de la interrogación, Agnés Vardá, una polifacética artista inclinada por la fotografía pero devenida en la época de Nouvelle Vague en directora cinematográfica, halagada en su momento por Godard, Malle y su marido Jacques Demy, nutrida por sus viajes a América y su relación platónica con Jim Morrison y la factoría Warhol, supo encontrar los mecanismos visuales para retratar sus recuerdos y hacerlos universales en su film Les Plages d'Agnés.

Aquella playa invadida con su puesta en escena que cercena con precisión buñuelística el ámbito de un escenario de la infancia y que multiplica con innumerables espejos la sensación de como la memoria juega en diferentes frentes históricos.

Como olvidar la cadencia de su pasos suspicaces hacia atrás alegando que la vida ratifica inexorablemente el pasado para calificar nuestro presente con la autonomía de la realidad.

Hablando de un posible sistema para la memoria, Varda recurre a sus películas y aquellos lugares caros a sentimientos (La relación y pérdida de su marido Jacques Demy) los rincones ricos en texturas y los movimientos culturales y efervescentes de los sesenta.

Solo su cuerpo ha renunciado dignamente a su juventud, pero su espíritu asociado a lo creativo y a la dinámica (Si a alguna conclusión llegamos es la devota articulación de una vida consagrada al movimiento tanto físico como espiritual) frontal de sus propios acontecimientos vividos.

Como eternizando lo atesorado Vardá construye un relato biográfico - artístico-cultural-humano sin solemnidades, casi esfumándose en los recuerdos con sus pasitos atrás para dejar paso a la trascendencia del presente. Exquisita y sentida, una especie de road movie de la memoria.

THE VICIOUS KIND: DE CÓMO VOLVERSE MISÓGINO Y PROFETIZAR CATÁSTROFES DEL CORAZÓN

Hay quizás unos cuantos tips dentro del cine indie americano que lo despoja del pasatista y efectodependiente cine comercial. A saber: toma un par de personajes desalmados a puro rigor del american way of life, sácalos de las grandes ciudades como para armar un workshop de experimentos caracterológicos, recurriendo, si lo prefieres a lugares desolados y extremos como síntesis de la América profunda (O Norteamérica para darle precisión a la cosa), súmale un tercero con un gran secreto que los involucra.

Hay mucho más, y el ejercicio resulta muchas veces delicioso. The Vicious King predispone el escrutinio de aquellos seres de duelo prolongado y auto flagelación mental, devenidos de una patológica galopante post relación pasional frustrada.

El debutante Toland Krieger los compone desde la reincidencia de estímulos sexuales secretos (O no tanto) y la inocencia como purificador y equilibrio.
Interesante pero no menos vista. The Vicious King propone la variante de la familia como usina de secretos y engaños de marca generacional como referente emblemático del cine de David Gordon Green, Tod Solonz y Cia.
Caleb Sinclaire ha sido abandonado por su esposa y se ha convertido sin remedio en un misógino profeta de catástrofes emocionales. Peter es su joven hermano, puro y casto con su primera relación verdadera con Emma (Una hermosa muchacha al parecer no tan pura y casta) y es incómodamente el hamster experimental de Caleb. Y es que Emma trae a Caleb los recuerdos de su pareja y acciona el nervio perturbador que faltaba.

Pero la que verdaderamente es víctima y a la vez victimario de tamaño experimento es Emma, recibiendo los embates violentos (Verbales y físicos) de un Caleb cada vez más exacerbado y profético en su irreversible destino emocional.
Pero lo que Emma va experimentando es una conversión de atracción hacia los rincones prohibidos y oscuros de una relación sin horizonte y malsana.
El triángulo es arbitrado por Donald Sinclaire, padre de los muchachos que… bueno, esconde un secreto siempre propenso a emerger a la superficie.

The Vicious Kind, propone el juego de la vida misma, de las relaciones imposibles, mide sus consecuencias y establece la síntesis especulativa que el destino, a veces, no es tan flexible como creemos.



Año: 2009
Director:
Lee Toland Krieger

Guión:
Lee Toland Krieger

Cast :
Adam Scott ... Caleb Sinclaire
Brittany Snow ... Emma Gainsborough
Alex Frost ... Peter Sinclaire
J.K. Simmons ... Donald Sinclaire

Sitio Oficial

OSCAR 2010: Nominaciones, Impresiones, expresiones y pálpitos.

Habrá algunas conjeturas que hacer con respecto al regreso de algo que fue muy habitual a principios de la década de los 40, cuando eran diez las nominadas a mejor película. En 1935 se llegó al número de doce en las nominaciones en la misma categoría. La principal conjetura; impulsar económicamente ciertas películas de magros resultados en taquilla. Con la salvedad de Avatar, este fue un año critico para muchos films. Aquí estan las nominadas a Mejor película.














AVATAR
Llega avalada por un rutilante éxito de taquilla y sustentada por el Golden Globe, castigada por los SAG Awards (Razones obvias de los actores), salvado por algún que otro festival de tendencia tecnicista e ignorado por lugares tan proclives a lo artístico como Berlin, Cannes, BAFTA, Directors Guild of America, y Writers Guild of America.

Avatar es la proclama de la revolución tecnológica hecha carne en una nueva generación de espectadores amparados entre pop corn alucinógeno y el 3D.




Sitio Oficial.



THE BILND SIDE:
Oh sorpresa. Una tenue historia de beneficencia, caridad humana y superación, sin muchos matices, salvo lo que Sandra Bullock supo aportar en calve de actriz dramática, como una inflexión imitable de Julia Roberts en Erin Brockovich. La salvedad radica en el tono narrativo donde la abulia edulcorante se apodera de un inicio auspicioso que promete contar en unos largos 128 minutos la historia del homeless afroamericano Michael Oher y su ascensión a las grandes ligas del Football Americano impulsado y protegido por la altruista familia Tuohy. Salvo la composición de Bullock (Que le valio el Golden Globe y el SAG) el film tiene muy poco que ofrecer, solo el relanzamiento actoral de la actriz en franca comunión con el drama.



Sitio Oficial


DISTRICT 9
¿Estaría nominada District 9 si no fuera Peter Jackson su productor? Con mucho más que The Blind Side, se las arregló silenciosamente para acercarse a 4 nominaciones. De todas maneras la película de Neill Blomkamp (Relacionado mas a los FX en series como Smalville y Dark Angel que a la dirección) fluctúa entre lo bizzarro y la profecía de un mundo coexistente entre humanos y alienígenas (menos dotados que los humanos) agrupados en ghetos que manejan negros traficantes de lo que sea. District 9 es otro entretenimiento con mucha estética doc. a lo Cloverfield pero con mas propuesta visual y menos moral.




Sitio Oficial



AN EDUCATION
Grandiosa película independiente británica sobre el aprendizaje de una adolescente del sur de Londres entre la esquemática educación inglesa forjadora de caracteres y la ebullición ambiental de los sesenta, representada por un joven arribista snob que proporciona lo prohibido inmerso en la corriente de permanente límite moral. An Education es una distinguida película que va a tono con los premios, equilibrada y provocativa a la vez.

Va por tres nominaciones: Mejor película, Mejor actriz principal, y mejor guión adaptado. A pesar de sus dotes, solo en el último rubro tendrá alguna oportunidad.



Sitio Oficial


THE HURT LOCKER.
La película de mejor recorrido y la que puede convertirse en sorpresa. La película de Kathryn Bigelow con solamente 11 millones de dólares compite palmo a palmo con Avatar con la misma cantidad de nominaciones. Mas allá de números, The Hurt locker es una película de tensión extrema y un estudio pormenorizado de las patologías de la guerra y las consecuencias de la reincorporación social.




Ver reseña aquí.



Sitio Oficial.


INGLORIOUS BASTERDS
Simplemente QT y toda su estructura narrativa de escenas/historia.

Asegurado el premio a Christoph Waltz como mejor actor de reparto.


Sitio Oficial






Pasaje de Guión.



PRECIOUS: Based on the Novel 'Push' by Sapphire





Ver en blog análisis.







Sitio Oficial




A SERIOUS MAN
Lo último de los Coen, una extraña comedia surrealista caracterizada por la duda existencial de un ser casi insignificante entre el judaísmo y lo inabarcable. Hermética para algunos, caústica y desopilante para otros, los Coen están entre nosotros. Sin crear un film masivo dentro de su estilo irrepetible nos llevan al extremo kafkiano hacia rincones sórdidos.

A Serious Man es pequeña a comparación de su filmografía, pero al parecer es como una asignatura pendiente que los hermanos tenían, y se dieron el gusto a pesar de reducir considerablemente su platea.

Sitio Oficial





UP IN THE AIR
Exquisita comedia dramática sobre un Corporate Downsizing (Un motivador a la inversa que anuncia el despido a empleados) que vive de estado en estado, sin mas preocupación que acumular millas y tener algún que otro affair entre aeropuerto y espera, mientras sin el mas remoto remordimiento es el portavoz de los tiempos de despidos masivos y depresión económica. El film es el exponente de cómo la sociedad americana regurgita sus males o pesares y como la culpa llega y se queda, cuando el instrumento en que se ha convertido el personaje, se humaniza en su viaje azaroso hacia el regreso a sus fuentes. Estupenda, si hiciera un Oscar personal, seguramente sería la gran ganadora, pero… tiene bastante por ahora, 6 nominaciones.

Sitio Oficial



UP
Seguramente se lleva el Oscar a la mejor Animación pero también está con el lote más importante. UP es una obra mayúscula atesorada por los más pequeños pero con un gran guiño adulto.

Un anciano persiguiendo un sueño obtuso y un niño intentando recomponer su autoestima. Cargada de vida, es una joya de la animación. Imprescindible.

Sitio Oficial








NOMINADA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA.



No puedo dejar de nombrar nuestra gran nominada. felicidades Juan Jose. Señores, El Secreto de sus Ojos, nominada al Oscar 2010, Mejor película Extranjera. Un Orgullo.

Analisis del Blog

Sitio Oficial