Grandes Directores: BONG JOON HO, Especies, Imperfección, mutaciones y el hombre como el más imperfecto de todos.

Debo confesar que las tendencias masivas siempre me dieron desconfianza, aunque siempre observo para fundamentar mi desconfianza. Podría pasar por una tonelada de directores orientales de los cuales muchos estudiantes de cine ostentan al pronunciar sus nombres, pero para sintetizar me detengo en el que mas me ha llamado la atención dentro de esta invasión orientalizada.

BONG JOON HO es su nombre nace en Seúl en 1969 y hasta el momento ha dirigido cinco películas y una en producción [Transperceneige] de las cuales pude ver tres en cuenta regresiva desde su impactante The Host [2006], volviéndome sobre mis pasos - o los suyos - por Memory of Murder [2003] y recalando ayer en Flandersui gae [2000] o su titulo de distribución mundial Barking Dogs Never Bite. Creo que el primer impulso siempre tiene un valor agregado, entonces con la proposición de lo epidérmico voy a sintetizar algunas cosas a saber sobre el cine de BONG JOON HO. En principio lo establecemos dentro del universo del cine de insolentes apariencias, y como síntoma próximo podemos destacar su versatilidad y su tendencia a quebrantar las unidades narrativas para establecer paletas de géneros dentro de un mismo film.

BONG JOON HO no establece fronteras de estilo y un film suyo puede pasar de la comedia al drama urbano y al horror o al film noir con extrema facilidad, tercero, su cínica ironía sobre la conducta humana y por último el perfume simbólico de un caustico pesimismo sobre los arqueos sociales presentes y futuros. Mi primer Bong fue The Host, película que lo estableció como un nombre de relieve internacional. ¿Que hace que una película de un monstruo mutante sea atractiva en este siglo sin caer en el entretenimiento solapado de un cine de culto B? Respuesta: 1. Nunca vi una criatura tan real, 2. Suspenso + emoción + critica social + retratos lacónicos de bajezas humanas, 3. Escenas construidas para perturbar en el momento cinético mas audaz y preciso, 4. Extraordinario homenaje al cine catástrofe japonés. The Host catapulta la experiencia entre el humor – un poco hermético – negro, el drama social y ambiental, y una criatura mutante que constituye la proyección de la temeridad humana o la mas temible consecuencia de la desidia sostenida en el tiempo. Alguna vez Corea del Sur fue tan precaria como cualquier país tercermundista y Boon Joon Ho parece no querer olvidar aquellos tiempos. Lo eterniza en su filmografia.

En Memory of Murder  es mas íntimo contando la historia de una mujer encontrada muerta en la provincia de Gyunggi,  con mucha influencia del Lynch de Laura Palmer y Twin Peaks. Memory es un crudo circuito sin salida de dos policías acaso mas que limitados, que utilizan métodos extremos de tortura sin ningún horizonte. Los policías pronto se convierten en estandartes de su propia brutalidad y generan mas antipatía que el propio caso que investigan y el sistema, claro, queda al descubierto y diseccionado sin piedad por lo precario de su efectividad ciudadana.
Por último Flandersui gae nos ofrece el primer  Bong Joon Ho. Comedia negra sobre almas fuera de tiempo que caen con su peso específico sobre mascotas caninas y dejan al descubierto su propia inutilidad como individuos postergados y sin remedio. Un hombre que está decidido a eliminar al perro que ladra en sus momentos de ocio y desidia social
y una mujer, empleada en una tienda de libros, que se convierte en protectora de las mascotas que están muriendo en una suerte de asesinatos seriales. Desopilante, atrevida, negrísima. El desenfado y la mixtura de géneros es lo más sorprendente de este debutante que mantiene el equilibrio sobre una gran cornisa que promete siempre una estrepitosa caída. Pero BONG JOON HO, no solo sale ileso sino que llega a la cima y se adueña de lo que después será. Disecciona con este recurso una vez más las carencias de una Corea entre el hermetismo del pasado y la pretensión del impulso que pretende perfilar su rostro hacia los nuevos vientos sociales.


Acá me encuentran esperando una copia de Mother, su último film, que cuenta la historia de una madre desesperada en busca del asesino de su hijo, BONG JOON HO bucea por sus lugares personales concebidos con  aristas múltiples que no agotan su creatividad, y crea su propio mundo, reservado, desde ya, para unos pocos en la cinematografía mundial.

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WOODY












El amor es mas profundo, el sexo solo penetra unos centímetros.

No me importa el mundo real solo me importa el mundo de la ficción.

La ciencia no tiene nada de malo, entre el aire acondicionado y el Papa, me quedo con el aire acondicionado.

La frase más bella no es “te quiero” sino “es benigno”

... pero no fue así, sabes... eras una admiradora y una seguidora y luego una estudiante y luego mi compañera de casa, en poco tiempo me di cuenta que manejabas el control remoto.

Tradición en la ilusión de la permanencia.

No tienes valores... veneras el nihilismo, el cinismo, el sarcasmo y el orgasmo.

Fomentan el concepto del “otro” para que sepas a quien odiar.

MUJER - ¿Fue la única o hubo otras?
WA - No Anny Pollak fue la única, ¡Qué Dios me fulmine si no es cierto!
MUJER – ¡Pero... eres ateo!
W.A. - ¿Estamos solos en el universo, acaso también me culparas por eso?

Toda la gente conoce la misma verdad, nuestras vidas consisten en como elegimos distorsionarlas.

El dinero no da la felicidad, pero procura una sensación tan parecida, que necesita un especialista muy avanzado para verificar la diferencia.

El miedo es mi compañero más fiel, jamás me ha engañado para irse con otro.

El amor es la respuesta, pero mientras usted la espera, el sexo le plantea unas cuantas preguntas.

El sexo sólo es sucio si se hace bien.
La única manera de ser feliz es que te guste sufrir.

La vocación del político de carrera es hacer de cada solución un problema.
En mi casa mando yo, pero mi mujer toma las decisiones.

De pequeño quise tener un perro, pero mis padres eran pobres y sólo pudieron comprarme una hormiga.

Mis padres no solían pegarme; lo hicieron sólo una vez: empezaron en febrero de 1940 y terminaron en mayo del 43.

GROUCHO
Jamás aceptaría pertenecer a un club que me admitiera como socio.

¿A quien va usted a creer?, ¿a mi, o a sus propios ojos?

Estos son mis principios. Si a usted no le gustan, tengo otros.

Él puede parecer un idiota y actuar como un idiota. Pero no se deje engañar. Es realmente un idiota.

Nunca olvido una cara. Pero en su caso, estaré encantado de hacer una excepción.

Claro que lo entiendo. Incluso un niño de cinco años podría entenderlo. ¡Que me traigan un niño de cinco años!

Desde el momento en que cogí su libro me caí al suelo rodando de risa. Algún ida espero leerlo.

¿Por qué debería preocuparme por la posteridad? ¿Que ha hecho la posteridad por mi?

La justicia militar es a la justicia lo que la música militar es a la música.

La inteligencia militar es una contradicción en los términos.

Una mañana me desperté y maté a un elefante en pijama. Me pregunto como pudo ponerse mi pijama.

La televisión ha hecho maravillas por mi cultura. En cuanto alguien enciende la televisión, voy a la biblioteca y me leo un buen libro.

He pasado una noche estupenda. Pero no ha sido esta.

Debo confesar que nací a una edad muy temprana.

O usted se ha muerto o mi reloj se ha parado.

Recordad que estamos luchando por el honor de esa mujer, lo que probablemente es más de lo que ella hizo jamás.

Partiendo de la nada alcance las mas altas cimas de la miseria.

Citadme diciendo que me han citado mal.

El matrimonio es una gran institución. Por supuesto, si te gusta vivir en una institución.

La política es el arte de buscar problemas, encontrarlos, hacer un diagnostico falso y aplicar después los remedios equivocados.

Es mejor estar callado y parecer tonto que hablar y despejar las dudas definitivamente.

Bebo para hacer interesantes a las demás personas.

Solo hay una forma de saber si un hombre es honesto: preguntárselo. Y si responde "sí", sabes que es un corrupto.

¿Que por qué estaba yo con esa mujer? Porque me recuerda a ti. De hecho, me recuerda a ti más que tú.

Mis Joyas en el Ático: Electra Glide In Blue, en el desierto toda alma queda al descubierto.

El cine como industria o como arte también proporciona incógnitas y misterios difíciles de comprender. Posiblemente después de Charles Laughton con su exótica y perturbada The Night of the Hunter, como hacedor de una joya de todos los tiempos y un a carrera de director inconclusa o acabada en una sola obra [Aunque se lo vincula con The Man on the Eiffel Tower que se adjudica Burguess Meredith], James William Guercio se inscribe en este paradójico club de directores de una sola obra con la notable Electra Glide in Blue [1973].

Corrían los setentas cuando el coletazo enérgico de Easy Rider [1969] de Denis Hopper había institucionalizado los films de motoristas en carretera, también vale decir, que sin proponérselo abrió las puertas a innumerables subproductos que estrangulaban el género poco a poco [Tanto se apagó que tuvo que renacer en Australia con el primer Mad Max]

Electra Glide in Blue es una ingente introspección de Norteamérica profunda sintetizada en la figura de John Wintergreen un diminuto policía de carretera en el estado de Arizona , hombre que arrastra sus miserias de Vietnam y aspira a ser una gran investigador de Homicidios. Wintergreen [Un apellido axiomático que naturaliza su personalidad] está lidiando contra su voluntad de montar su Electra Glide en soledad, siente la corrosión del desierto y aspira a recomponer su autoestima en el departamento de Homicidios, cuando lo logra encontrará no solo un caso diminuto y sin importancia como la muerte inconclusa de un ermitaño sino que forjará inevitablemente su trágico destino. Pocos han expuesto el desierto como elemento integrador del alma humana como Guercio y su pequeño policía [unas de las mejores interpretaciones de Robert Blake después de In Cold Blood - 1967 - y de su afamada serie Baretta] y pocos han construido un trip existencial y revelador dentro de un género destinado a la acción expositiva que, generalmente, olvida cualquier tipo de dispositivo espiritual. No tengo como revelar que ha llevado a Guercio abandonar la dirección cinematográfica, podemos suponer que ha vuelto a sus raíces de músico y productor musical sin embargo el film se consolida con los años como una lúcida metáfora de la desazón de una década que comienza con la dura pérdida de ilusiones lisérgicas de los sesenta.
Comienza donde termina Easy Rider, acaso es una versión mas amarga que la propuesta por Hopper, cuando aquellos que creían en las bondades del Flower Power aquí son los verdugos implacables del nuevo mandato social naciente. Electra Glide in Blue es una de las películas que mas recuerdo de aquellas matinée de doble programa de los barrios y como toda gran obra la memoria siempre se encarga de sacarla a la superficie.

Little Filmmakers: o pequeños realizadores de cine digital. El proceso de aprendizaje de la generación digital

Era todo un desafío diseñar un taller audiovisual para niños sobre todo después de dirigir talleres para adultos durante muchos años. La primera pregunta para desarrollar Little Filmmakers en el St. George College fue: ¿hasta dónde las estructuras audiovisuales de enseñanza podían hacer atractivo y dinámico el taller sin decantar en una pérdida sistemática de la atención? ¿Hasta donde se extiende dicha atención de estos chicos de 9 años para absorber una técnica progresiva que luego deben aplicar con su propia creatividad? Hoy aun existen algunas incertidumbres pero felizmente muchas respuestas también. La atención depositada en la tecnología requiere menos tiempo que la creativa. El primer momento de exposición referido a la tecnología se suma a la novedad, cuando lo tecnológico deja de ser para ellos “novedoso” es el límite para re -crear espacios tendientes a gestionar la voluntad de la creatividad y la inventiva. Obvio, el entendimiento de la tecnología es fundamental y va delante para su posterior aplicación. Entonces la tecnología se aplica progresivamente pero no simultáneamente. Solo en cuotas controlables y en tiempos reducidos. Cuando se forman los grupos de producción comienza la tarea más ardua. La escritura de la historia personal y el diseño de dicha historia en el proceso del draw story board han generado sin dudas un momento cumbre. La disposición de los chicos para el dibujo controlado por los planos cinematográficos es asombroso, porque no están generando ideas libres sino dentro de un marco espacio temporal creado por ellos mismos pero limitando la realidad a la técnica audiovisual, a marcos controlables, no a la libertad de una hoja en blanco sino a límites del cuadro cinematográfico, a los planos, a otra dimensión que genera un plan de movimientos que deriva en puesta en escena para un futuro rodaje. Hay variables a tener en cuenta para los grupos de producción que a veces pueden distorsionar este aprendizaje. Los grupos tienden entonces a auto exigirse, y es donde hay que reparar y evidenciar las prioridades. La auto exigencia desmedida sin duda tiende a provocar bloqueos creativos. Los grupos también suelen sobredimensionar los objetivos.
Como en todo grupo, también se forman consorcios de egos incontrolables o la tendencia a abandonar un concepto por el tedio provocado por el proceso. Entonces opté en su momento por construir un pequeño oasis que interrumpa por 2 clases el proceso de producción de sus propias realizaciones. Vieron Stand By Me en dos jornadas y analizaron el comportamiento de sus personajes. La vuelta al trabajo productivo ha renovado y generado nuevos impulsos, y sus producciones se encaminaron. Los grupos funcionan aun con sus dudas inevitables, los chicos [Aclaro, en este caso solo quedaron chicas] encuentran en el cine un modo de expresión, el desarrollo digital permite estos acercamientos, hay un futuro en la comunicación digital que no puede ni debe evitarse, el cine es un gran aliado para procesos de aprendizajes que aun no han sido bien explorados. Los universos de conocimientos son múltiples, el niño potencia su capacidad de internalizar culturas, de verificar moral y espiritualmente sucesos, de explorar emociones y de sintetizar oralmente historias, de comunicar y comunicarse con recursos inagotables. La experiencia fue y será única, sus inquietudes rondarán por mi cabeza por mucho tiempo, pero lo mejor que puede pasar es que mis respuestas hayan instituido en ellos una experiencia que puedan valorar algún día en el rincón mas considerado de sus vidas.

Taller de Guión: una película es una estrategia narrativa

Posiblemente los que atiendan la lectura de esta breve información sobre el Taller de Guión también hayan leído algunos manuales sobre el tema. También cabe la posibilidad que haya acudido a otros talleres. ¿Qué hace distinto este?
Bien, primero, nada asegura que lo entiendas si no estás dispuesto a escribir, si no concilias la técnica cinematográfica a la escritura y si nadie te enseña a volcar tanta técnica tan poco literaria sobre el papel. Eso no te lo brinda un manual. Nunca se entenderá el proceso si no escribes un draft de tu idea que posibilita trabajar sin muchas frustraciones.

Este taller hace base en la progresiva escritura y el entendimiento de las herramientas visuales aplicadas rápidamente con módulos examinadores de causa y efecto. El relato cinematográfico es una sucesión de justificaciones dramáticas, los módulos ajustan y prueban tu historia. El método es que encuentres tú propio método con las herramientas que te pueda brindar aquí, que son menos esquemáticas que los manuales que leíste porque acá pongo mi experiencia al servicio de tu propia causa y puedo asegurarte que la experiencia reduce los manuales a poco.

Puedo enumerarte los errores mas comunes al escribir para la pantalla y tal vez aprendas de ellos pero considero que de los errores tuyos vas a aprender más [Siempre y cuando tengas en cuenta que cuando mas autocrítico seas más aportas a tu propia causa] Nuestro proceso va de la idea al guión, posiblemente muchos te ofrezcan lo mismo, la diferencia es el camino que te propongan para llegar, y allí, está nuestra diferencia. Algunos pasos fundamentales para que lo entiendas:
1. El terreno cinético es menos flexible que el literario. Trabajamos sobre ello.
2. Crear un espacio - tiempo para cine responde a funciones creativas-estéticas pero también económicas y rentables. Es un deber que lo sepas.
3. El formato de escritura que pocos hacen hincapié es fundamental para que un productor considere que sos profesional, el formato tiene sus regles. Te lo enseñamos.
4. Enseñamos el oficio y las estrategias estructurales que sirven para cada historia. Porque consideramos que cada historia tiene un tratamiento particular.
5. Lo visual responde a comportamientos humanos reconocibles por lo tanto tenemos en cuenta el aspecto psicológico de los personajes. Hacemos ejercicios al respecto.
6. Generamos tests permanentes de seguimiento de las obras de cada alumno como si fuera la presentación profesional del proyecto. Siempre te damos pautas del terreno profesional.
7. Consideramos el espacio escénico como el todo creativo haciendo ejercicios para el dominio ficcional de la escena.
8. Consideramos una macro y micro estructura del relato como elementos a revisionar permanentemente antes, durante y posteriormente.
9. Apoyamos siempre la teoría con ejemplos concretos ya sea de guiones producidos o filmes referenciales.
10. A veces se producen los guiones delos alumnos, supervisamos todo el proceso de rodaje desde el guión. Son diez razones pero hay mucho más.

Ya han pasado más de 200 personas que lo avalan. Mas que la cantidad nos interesa la calidad de los participantes y del taller. Generalmente el cupo es de 15 personas para poder trabajar en el análisis personalizado.

Los referentes directos del curso tienen origen en las teorías y experiencias recogidas de guionistas como Jean Claude Carriere, Syd Field, Paul Schrader. Paul Auster, Quentin Tarantino, Robert Towne, William Goldman y mi personal visión del oficio.

Los films escogidos para los cursos ejemplifican los modelos estructurales que han facilitado aportes substanciales en la narración visual llevándola hacia otros rumbos mas atrevidos. Así Pulp Fiction, Frozen River, Lantana, son ejemplos en cine, The Soprano, Boston Legal en series televisivas.

Profesor: Fabián Iriarte
Inicio: Miércoles 06 de Abril 2011. de 19:30 a 21:30hs
Lugar: Colegio de Abogados de Quilmes, Alvear 414, Quilmes
Total Clases: 16 (un cuatrimestre)
Cupos: 15 participantes.
Forma de Pago: $135 x mes,
Colegios con cupón 10% de descuento
Matriculados Colegio de Abogados de Quilmes 10% de descuento
Pre Inscripción: fairmontm19@hotmail.com
Primer cuota. Primer día de clase.

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Ganadora con justeza del Casavettes Awards dentro de los Spirit Award, del Festival de Florida y del Woodstock Film Festival. In Search… cultiva la tradición de Manhattan de Woody Allen (Ambas en blanco y negro sostenidas por frondosas líneas de diálogos y relaciones neuróticas) como dispositivo analítico de seres en proceso de reconstrucción sentimental o de combatientes perennes insatisfechos de aquello que inadecuadamente han instalado alguna vez como estandarte insustituible de vida. Otra asociación para nada caprichosa es Before Sunrise, aquella deliciosa travesía en tiempo real de una pareja espontánea y mágica. Wilson y Vivian son menos mágicos y espontáneos, pero acaso, dos abonados a la soledad y la incomunicación. El film trata el proceso de dignificación personal con síntomas de melanco nocturno conducente hacia una definitiva purificación sentimental. Moderna, divertida, revisionista. Algo tan familiar como posible. Para contemplar en compañía. Dirigida por Alex Holdridge



Una gema independiente para almas en estado de suspensión, aquellos que deben tomar una decisión, aquellos que deben o creen que su vida merece una nueva oportunidad. Wendy and Lucy es una película fresca, íntima, reflexiva. Aquí es donde anida el mejor indie norteamericano, su directora Kelly Reichardt ya nos había regalado Old Joy, un drama existencial de tono naturista donde la valoración de la amistad se fortificaba entre dos seres opuestos, uno esquemático y flemático el otro libertino y desgarrado. En Wendy and Lucy vuelve el concepto de los lazos inquebrantables de la amistad en situaciones límites. Wendy escapa de un episodio familiar y tiene como objetivo Alaska, Lucy es su mansa mascota canina, llegan hasta donde el vetusto auto las abandona para siempre, un pueblo. Con poco metal en sus bolsillos y su perra desaparecida la intromisión de un destino adverso dispara la historia hacia dos búsquedas desesperadas y la esperanza solo tendrá asidero con la aparición de Lucy. Humana, emotiva, Reichardt parece recordarnos que lo simple construye palmo a palmo la existencia humana.





Chop Shop por sobre todas las cosas es un film de relaciones de causa y efecto socio cultural. Es un bosquejo de sobrevivencia curtida en el marco de un barrio marginal del Queens Newyorkino. El punto de vista neurálgico de la historia se apoya en el derrotero de Alejandro, un niño con sueños de empresario que disputa un lugar en el mundo – en todo caso en el único que conoce -en la zona de venta de autopartes de vehículos de dudosa procedencia. El micro mundo latino entre la delincuencia oficializada y la oportunidad de dinero fácil arrastra a Alejandro en la zona de lo necesariamente incorrecto. Película social, encarnadura de un paisaje rústico y desesperado. Dirige Ramin Bahrani ganador de un premio especial en el Spirit Award, hacedor de la internacionalmente reconocida Man Push Cart.

Proyecto Fílmico: Camino a New Orleans

Cesare un inmigrante de 60 años vive cerca del río. Durante mucho tiempo ha trabajado para un oscuro empresario de la zona sur haciendo cobranzas a la fuerza. Es un visitador, un cobrador de deudas que tiene su cuartel general en un club de barrio. También ha tropezado con sus emociones y relaciones, cuando va a cobrar una deuda de un hombre que encuentra muerto en su propia casa y ayuda al niño huérfano de 8 años llamado Daniel. Sin proponérselo la estadía del niño se prolonga y descubren códigos en común, hasta Cesare descubre su costado paternal. Pero sus ocupaciones –jugar al billar, a las bochas, supervisar trabajos clandestinos, escuchar blues, tomar ginebra y volver a jugar al billar – no le permiten estar a tono con las demandas de Daniel, entonces llama a una agencia y encuentra a la cuidadora especial para el niño, tan especial que se convierte en su gran amor. Daniel tiene 18 años, se inicia con el mismo empresario que Cesare, ahora “trabajan juntos”. Pero un trabajo no resulta y el empresario decide darles de baja, eso significa, matarlos a ambos.

Guión: 100 Páginas