Fabián Iriarte Cine

CURSO DE DIRECCIÓN Y GUIÓN DE CINE

2012-01-19T10:24:00.006-03:00

Debemos desmitificar la idea de que solo con la técnica se puede dirigir. La técnica es importante y no hay dudas que hay que conocerla, pero más importante aún es la mirada artística. El director es una persona, ante todo, que está entrenado para pensar cinéticamente, enmarca la realidad, la convierte en ficción y la pone en movimiento. Ese es el principio. Los tres grandes movimientos.

Luego el gran entrenamiento es el ejercicio de Traslación de la palabra escrita a la pantalla. Allí es donde aparece la exégesis visual del Guión con todas sus aristas creativas. No olvides que en el rodaje el buen director comienza cuando sabe pedir lo que quiere y se complementa cuando los demás entienden lo que quiere. Es esa la sustancia del Curso de Dirección y Guión de Cine, cultivar a un posible director integralmente desde la percepción artística de un guión hasta la puesta en escena.

ALGUNOS CONTENIDOS DE DIRECCION:
Conceptos de la mirada cinética.
Determinación del high concept cognitivo del relato.
Las posibilidades de la puesta en escena.
Iconos visuales y motivos recurrentes.
Como construir el back story del personaje central.
Intenciones, subintenciones y contraintenciones.
Movimiento interno y externo de la escena.
Clasificación funcional de la escena.
ALGUNOS CONTENIDOS DE GUIÓN.
Nuestro proceso va de la idea al guión, posiblemente muchos te ofrezcan lo mismo, la diferencia es el camino que te propongan para llegar, y allí, está nuestra diferencia. Algunos pasos fundamentales para que lo entiendas:

1. El terreno cinético es menos flexible que el literario. Trabajamos sobre ello.
2. Crear un espacio - tiempo para cine responde a funciones creativas-estéticas pero también económicas y rentables. Es un deber que lo sepas.
3. El formato de escritura que pocos hacen hincapié es fundamental para que un productor considere que sos profesional, el formato tiene sus regles. Te lo enseñamos.
4. Enseñamos el oficio y las estrategias estructurales que sirven para cada historia. Porque consideramos que cada historia tiene un tratamiento particular.
5. Lo visual responde a comportamientos humanos reconocibles por lo tanto tenemos en cuenta el aspecto psicológico de los personajes. Hacemos ejercicios al respecto.
6. Generamos tests permanentes de seguimiento de las obras de cada alumno como si fuera la presentación profesional del proyecto.

Además creamos las Tareas Asistidas On Line (TAOL) En la etapa de pleno proceso de escritura podés acceder a una hora semanal On Line para evacuar dudas y para hacer un seguimiento en tiempo real de tu escritura. Será asistida por el mismo profesor que luego creará un Portfolio del Proceso.Siempre te damos pautas del terreno profesional.

7. Consideramos el espacio escénico como el todo creativo haciendo ejercicios para el dominio ficcional de la escena.
8. Consideramos una macro y micro estructura del relato como elementos a revisionar permanentemente antes, durante y posteriormente.
9. Apoyamos siempre la teoría con ejemplos concretos ya sea de guiones producidos o filmes referenciales.
10. A veces se producen los guiones delos alumnos, supervisamos todo el proceso de rodaje desde el guión. Son diez razones pero hay mucho más.

Ya han pasado más de 620 personas que lo avalan. Mas que la cantidad nos interesa la calidad de los participantes y del taller. Generalmente el cupo es de 15 personas para poder trabajar en el análisis personalizado.

Los referentes directos del curso tienen origen en las teorías y experiencias recogidas de guionistas como Jean Claude Carriere, Syd Field, Paul Schrader. Paul Auster, Quentin Tarantino, Robert Towne, William Goldman y mi personal visión del oficio.

Profesor: Fabián Iriarte
Inicio: Miércoles 4 de abril 2012 de 19:30 a 21:30hs
Lugar: Colegio de Abogados de Quilmes, Alvear 414, Quilmes
Total Clases: 16 (un cuatrimestre)
Cupos: 15 participantes.
Forma de Pago: $185 x mes,

Un pago de $45 por derecho de apuntes mensuales y Tarea Asistida On Line (TAOL)

Inscribiendote en Febrero Apuntes y TAOL gratis.
Colegios con cupón 10% de descuento
Matriculados Colegio de Abogados de Quilmes 10% de descuento
Pre Inscripción: fairmontm19@hotmail.com o 1568527440
Primer cuota. y pago de apuntes Primer día de clase.

We Need to Talk About Kevin: ¿Sabes que está haciendo tu hijo ahora?

2011-12-20T17:07:00.012-03:00

Por Fabián Iriarte
Cuando vemos We Need to Talk About Kevin de la interesante cineasta Lynne Ramsey, quedamos abrumados. Desde su pincelada de agobio abreviado pero constante, acomete los orígenes de la humanidad y cuando nos asiste al evento desafortunado de una mujer que no sabe como encausar su vida alrededor se su nueva condición de madre. Ramsey elige establecernos en su Propio Génesis cuando nos posiciona en su narrativa que va sin escalas del pasado mental desarticulado al presente físico articulado.

Eva Khatchadourian (Eva nombre bíblico) interpretada por la siempre correcta Tilda Swinton, transita por su propia paráfrasis de la alienación producída fuera del reino divino. Fuera del Jardín del Eden que supo construir. Eva lo tuvo todo, hasta que comió de la fruta prohibida. En términos terrenales, Ramsey da vida a Eva como una exitosa madre que engendra a Kevin que representará la imagen y semejanza de su propia autodestrucción.
El ser humano suele aferrarse a ciertas creencias. Solo se necesita una vida para eso. Si creemos en el destino o si creemos en la intervención divina o, en todo caso, si no creemos nada o suponemos que todo se reduce a causa y efecto, a una cadena multidimensional que creamos con nuestras acciones. El espectador no escapa y toma parte de esta teoría cuando empieza a descifrar que Eva no está preparada para Kevin y Kevin solo vive para hacérselo notar de la peor forma. Kevin (puede leerse Caín sin Abel) entiende que su existencia está predeterminada para el mal de su entorno inmediato y para el no-nacer endémico (¿El contexto?¡ Yo soy el contexto! Dice en una línea en relación a una desafortunada intervención de su padre) acto que incita a una autoflagelación constante.

Destino o no, ninguno está hecho para el otro. Destino o no, el esfuerzo de Eva solo conduce a la inevitable catarsis de violencia de Kevin y a la inevitable, también, expulsión de Eva de su Jardín del Edén. Ir mas allá seria caer en un incómodo spoiler. Eva no está sola o mejor dicho no está sola en cuerpo pero si en alma. A su lado un autocomplaciente marido, simplón y endulzado (John C. Reilly) y Celia, la hija menor de una pureza spilbereana que refuerza la idea permanente de tragedia y compasión.
En la primera etapa asistimos a varias capas narrativas. Como señalamos los paisajes mentales desarticulados de conjetura y sospecha. Los paisajes mentales articulados de un status perdido y el presente físico articulado en debacle sin remedio. Con todo, nos remite a la confirmación de que ese personaje llamado Eva purga una pena casi eterna. El merito de Ramsey como narradora es no perderse en la estructura laberíntica. Aun en la conjetura nos conduce con sapiencia hacia las puertas de la historia que el espectador deconstruye y reconstruye permanentemente como un juego perverso y cómplice.

El propio titulo, We Need to Talk About Kevin, es el insignia de lo que nunca ocurrió, es la clave de una postergación oscura hasta el instante inevitable, por eso su directora seguramente se inspiró en esta cita: "Con el sudor de tu rostro comerás el pan hasta que vuelvas a la tierra, porque de ella fuiste tomado; pues polvo eres, y al polvo volverás" (Génesis 3:19) O "parirás a tus hijos con dolor" (Génesis 3:16). Después de los acontecimientos finales, seguramente Eva se preguntara si ese dolor prediseñado para el mundo femenino debiera ser tan grande. A veces los errores cometidos no pueden pagarse ni siquiera con culpa eterna.

Un guionista se prepara o como lograr un buen external training sin ser descubierto

2011-10-13T23:14:00.012-03:00

Por Fabián Iriarte

“Todavía necesito un descanso saludable a fin de trabajar en condiciones optimas. Mi salud es el principal capital que tengo y quiero administrarla con inteligencia”

Ernest Hemingway

La concepción de una obra no tiene esquemas certeros en sus puntos de partidas, habrá lugares más cómodos y otros penosos que la experiencia se encargará de prescindir. Tenemos la obligación de conformar una obra irrevocable, y eso solo se manifiesta cuando el proceso deviene en el desarrollo final de un film.

En un alto de la escritura me pregunto por el tiempo del guionista, no sin antes ser interrumpido por mi hija que quiebra sin proponérselo ese tiempo que tengo para escribir sobre el tiempo. Muchas veces el tiempo que necesita el guionista para sacar a la superficie una idea no es el usual para otras tareas más ejecutivas.

El tiempo es materia prima que hay que saber administrar.

A saber: En los comienzos del cine sonoro el guionista pasaba ocho horas reloj dentro de una oficina para producir cinco hojas que un ejecutivo desechaba al final de la jornada y el proceso volvía a empezar con un nuevo día hasta que el milagro quebraba el capricho del No.

Si un guionista no aporreaba las teclas no estaba, ni cerca, trabajando. Los tiempos del guionista eran los mismos tiempos de una secretaria de estudio que tomaba nota de

una carta o un contrato que otro ejecutivo redactaba en voz alta mientras observa el transito de los stunt hacia el StageN° 2.

Hoy el guionista pergeña otros tiempos. Pero no pienso en la disponibilidad horaria en si, pienso en la producción of writer, ese momento metodológico que disponemos o concebimos para el recorrido mental de una historia. ¿Es una persona especial el guionista?

No, probablemente. Solo necesita estímulos diferentes y si me apuran un poco, acaso ni siquiera, pero, quizás, como un atleta envalentonado con su suerte y logros adquiridos,perfila su arte hacia un entrenamiento permanente y simultáneo y se vale, no de estadísticas ni de noticias ni de ecuaciones milimétricas, se vale del flujo diario de la vida, de la interpretación ficcional de la vida corriente, asume en este aspecto el reto de imprimir continuidad a la discontinuidad fortuita de la realidad.

El tiempo de fertilización de una idea no es solo el momento que uno pasa frente a la PC en busca de una perfomance satisfactoria mientras piensa como llegar en las próximas horas del punto X al Y, sin ser fagocitado en el camino por la desazón y la depresión. El tiempo del guionista va mas allá de ese recinto distinguido. El External Training de un guionista sin dudas radica en la permanente Visualización de la evolución tecnología y los géneros cinematográficos y de dos modos particulares: Training de ideas flotantes, Observar, escuchar, verificar, proyectar, explorar, aventurar hipótesis, son tiempos generados a partir del trabajo adyacente, y el Training literario, la conección literaria con referentes y constructivos autores visuales.

Training de Ideas Flotantes.

Hace poco estuve en una reunión familiar. No hable mucho, solo quería observar y escuchar para luego verificar, proyectar y mas tranquilo aventurar.

En realidad estaba muy cansado como para expresarme, entonces lo decidí, voy a instruirme con los tres primeros pasos, observar, escuchar, verificar.

No tenia la intención de utilizar a mis amigos como hámsters de laboratorio para una historia, solo se establece un peldaño de exploración, los mejores personajes son aquellos que nacen por si mismos y tal vez el estimulo para hacerlo es partir de un lugar conocido para llegar a lo desconocido, hacia aquel personaje con identidad propia.

Todo se desarrolla sobre la tradición ritual de un cumpleaños donde adultos se encuentran, acaso, una vez al año. Dentro de la observación locativa puedo decir que los hombres nos disponemos en sectores diferentes que las mujeres, que a su vez, atienden los reclamos de sus niños. Los hombres merodean sobre temas de hombres, autos, futbol, mujeres,(¿Acaso hay algo más?) beben (Bebemos) alardean de sus ocupaciones (Todos clavan sus banderas cuando corresponde) y se ríen producto de oleadas de inspiración (Si es que la hay y podemos llamarla como tal). Nada hará que eso sea diferente (Puedo asegurarles que así será las próximas tres o cuatro horas). Las probabilidades que todo siga su curso sin dificultades son altas. No hay peripecia posible porque ni siquiera nadie está en plan de embriagarse y doy gracias por eso, aunque admito, pongo particular atención cuando cierta graduación alcohólica conduce a la inevitable metáfora trasnochada y absurda, sin dejar de elevar todo lo unidimensional a categoría 3D.

Pero seamos realistas, tenemos la ausencia de la peripecia porque no hay probabilidad de controversia, pero seguramente, el rito también indica que está latente la posibilidad que cada uno de ellos explore y aventure hipótesis del otro fuera de ese ámbito tribal. Y allí surge aquello que la ficción propicia: aventurar hipótesis a partir de la subjetividad de la realidad. El lugar del guionista es recoger lo que esos personajes aventuran en su intimidad. Una exploración intrusiva y acaso maliciosa que deviene en ficción.

En el contexto que les planteo puedo decir que:

A. es un exitoso profesional con aspecto retro y un dejo de padre actual. Contradicción en lo que pretende y lo que demuestra. Excepcional para el inicio de un personaje 3D.

B. sin embargo, es el hombre de barrio con un pasar aceptable, bonachón y algo rústico con el objetivo irrenunciable pero improbable de parecer un hombre de negocios.

C. intenta ser moderno, con todo lo que implica la palabra. Clase media acomodada con cierto aire de presunción iconoclasta.

Y allí está el guionista. Observando y escuchando. ¡Un tipo jodido, bah!

Entonces A tiene un léxico apurado pero efectivo.

B. quiere llegar a un buen coloquio pero su estridencia lo evidencia y lo pone en su lugar.

C. mide cada frase con el cuidado de un cirujano para encaminar la sospecha más que la evidencia.

¿Que hay del lugar? Todo está dispuesto para que los hombres se desentiendan de cualquier contingencia más allá de su conversación, y para que las mujeres dominen todo y cada uno de los eventos posibles mas allá de su conversación. Es cuando me siento un poco rehén de mi lugar y acepto entrar sin discusión en el tiempo del guionista. En tanto el hombre resigna lo esencialmente pluridisciplinario, la mujer no puede estar si no lo es.

Generando el tiempo. La reunión promedia y entonces alguien me pregunta ¿Fabián, en que andás? Me toma de sorpresa. No se que contestar porque en realidad estaba aventurando mi ficción.

Me sentí culpable y no supe que contestar. Iba a comentarles de mi guión en producción pero no me atreví. Surgió una especie de macabro temor de ser descubierto, de asesinar ese tiempo que tan bien había acuñado. Entonces respondí: tengo un proyecto pero puedo hablar de el en 15 días.

Todos me miraron, sentí la mirada de aquellos que proyectaban y aventuraban mi imagen, probablemente sería parte de su hipótesis ficcional una vez que abran sus casas, hayan acostado los niños y apoyado sus cabezas en la almohada.

En los colindes de la intimidad surgiría: “que es tan importante que no pueda decirlo” “el tipo es un presumido” entonces comenzaría el ciclo de la exploración de mi persona y me convertiría en personaje basado en una exploración intrusiva y posiblemente deconstructiva. Touché, atrapado en mi propio juego. Innegable Materia Prima del Guionista.

Durante lo que va de civilización todos asumimos sin problemas la novela histórica, los films sustentados en diálogos apócrifos de la última cena o los pensamientos de Hitler en su bunker antes de ¿Morir? Ficción es aventurar una hipótesis a partir de un punto de vista subjetivo de la realidad. Pero olvídenlo, no es real, ni lo será jamás. Posiblemente el espectador está más cerca de estos personajes en la ficción que en la propia realidad, porque en ella no tendrá jamás el factor exploratorio de la intimidad que si manifiesta la ficción.

No hay mayor riqueza que la exploración intelectual, ese tiempo que logramos conseguir y que estamos dispuestos a invertir más allá de la escritura misma. Muchas veces me tomo días enteros dando vuelta sobre la exploración antes de sentarme a escribir. ¿Somos capaces de hacerlo? ¿Cuánto ponemos de nosotros para lograrlo?

Me interrumpen otra vez, es un instante donde el mal humor comienza a apoderarse, es cuando cualquier guionista debe abandonar momentáneamente su escritura, darse una buena recompensa que puede ir desde un baño con sales aromáticas - aunque suene un lugar femenino- ver una buena película (Pulp Fiction no estaría de mas), leer un buen libro (Cualquier cosa de George Pelecanos) o jugar con tus hijos (Todo el tiempo que sea necesario).

Evitar la PC por un rato hasta que sea inevitable sentarse de nuevo. Entonces volveremos a nuestra faena reconfortados, a reconstruir nuestro tiempo para ser seguramente interrumpidos otra vez con mayor precisión.

• NOTA: Ideas flotantes, nos referimos a aquellas ideas que están a diario y surgen de un hecho fortuito y es material de agenda para ser usado en algún momento
.

Polanski, Cronenberg, Payne, Dardenne: esperando los films de los monstruos sagrados

2011-10-06T18:28:00.017-03:00

Lo que resta del año está iluminado por el desembarco de los grandes de la cinematografía, entonces solo resta esperar.

Por Fabián Iriarte

A Dangerous Method de David Cronenberg.

De regreso el gran David aborda un drama histórico protagonizado por Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley y Vincent Cassel. Christopher Hampton adpta para la pantalla su obra de teatro de Como era 2002 The Talking Cure, basada a su vez en la obra de no ficción de 1993 de John Kerr A Most Dangerous Method.

Como era de esperar, Cronenberg recuerda su pasado de trilogías oscuras y promiscuas y vuelve para enarbolar una poderosa historia de descubrimiento sexual e intelectual basada en la relaciónentre el joven psiquiatra Carl Gustav Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein. A este trío se añade Otto Gross, un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites.

Esta exploración de la sensualidad, de la ambición y del engaño llega a su momento cumbre cuando Jung, Freud y Sabina se reúnen antes de separarse definitivamente y cambiar la

dirección del pensamiento moderno.

Fecha de estreno: 23 de noviembre

Sitio oficial Y Trailer

Carnage de Roman Polanski

Enfático en terrenos de la contradicción absurda Polanski navega por las aguas de la comedia irónica entre las contradicciones y prejuicios grotescos de cuatro adinerados padres estadounidenses que desemboca generalmente en los estrépitos de la tragedia. Una sola habitación para desarrollar una historia tan incisiva como la cura de un mal de dientes que sanará, pero que duele.

El bien y mal que se provoca entre risas y enojos, un va y viene de provocaciones, golpes bajos que mantienen al público atento y capturado por la trama que se alimenta también con la extraordinaria actuación de la talla de Jodie Foster.

Una comedia casi minimalista con el sarcasmo habitual del maesto Polanski. Las dos familias muestran sus miserias y desequilibrios emocionales hasta llegar a extremos catárticos al mejor estilo del director polaco.

Entre Cul de Sac y Death and the Maiden, los seguidores entenderán por donde va. Con Kate Winslet, Christoph Walsh y Jonh Reilly.

Fecha de estreno: 16 de diciembre.

Sitio Oficial y Trailer

The Descendants de Alexander Payne

Sin dudas que Alexander Payne es uno de los mas coherentes

cineastas independientes americanos. Y por coherencia deducimos que el sistema no ha hecho mella en su arte.

Espero con gran entusiasmo The Descendants una comedia dramática protagonizada por George Clooney, Judy Greer, Robert Forster, Matthew Lillard, Shailene Woodley, Amara Miller y Beau Bridges, entre otros.

Matt King (Clooney), es un padre que intenta volver a conectar con sus dos hijas tras un grave accidente que deja a la madre en estado crítico; todo se empeora cuando Matt descubre que su mujer le estaba siendo infiel, obligándole a repasar su vida y tomar importantes decisiones de cara al futuro.

Fecha de estreno: 18 de noviembre

Trailer

Le gamin au vélo de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

Lo nuevo de los hermanos Dardenne, estos belgas

cultores del realismo social, que nos han maravillado con Le Fils, Rosseta, La promesse, acaban de ganar el Gran Premio de Jurado de Cannes con Le gamin au vélo.

La historia gira en torno a Cyril, de casi 12, que sólo tiene un plan: encontrar al padre que lo dejó temporalmente en un hogar de niños. Por casualidad conoce a Samantha, quien dirige un salón de peluquería y se compromete a dejar que se quede con ella los fines de semana.

Samantha tiene un sentimiento muy fuerte con el niño, un amor que necesita desesperadamente para calmar su ira . La simpleza de lo sublime, una película entrañable.

Fecha de estreno: sin fecha de estreno en Argentina

Sitio oficial

Tinker Tailor Soldier Spy de Tomas Alfredson

Tomas Aldfreson se ganó un lugar en mi consideración (Y obviamente la internacional que mas le interesa) con la sublime Let The Right On In En su esperado regreso, Alfredson se basa en un best seller de John Le Carré en los días sombríos de la guerra fría.

El veterano espia George Smiley se ve obligado a dejar atrás un semi-retiro para descubrir un agente soviético en los escalones del MI6.uerra fría.

Fecha de estreno: 9 de diciembre

Sitio oficial y Trailer

WOODY ALLEN: Neurastenia Fundacional como medio de Supervivencia

2011-06-15T14:38:00.014-03:00

Por Fabián Iriarte sobre Guión de Woody

Allen

Woody Allen es la paranoia existencial probada y consumida por legiones de insatisfechos. Una forma colectiva de afrontar las plagas cotidianas que el ser humano sabe capitalizar o denostar en sus propias

experiencias personales.

Los años pasan y el control de su ironía agridulce trasciende su propio formato para pernoctar sin remedio en una agria postulación del hombre corporativo, enajenado y amoral.

Aquí va algunas de las posturas de Boris Yellnikoff personaje encarnado por Larry David en Whatever Works una especie Unabomber emocional.

CONTRA LA VIDA

Todo lo que digo es que la gente hace la vida mucho peor de lo que pudiera ser, y, créeme, no necesitan ayuda para convertirla en una pesadilla. Pero, en general, lamento decirlo, pero somos una especie fracasada.

CONTRA EL INDIVIDUO
No soy un tipo agradable. El encanto nunca fue una prioridad para mí. Esta no es la película

"reconfortante" del año. Pues si tú eres uno de esos idiotas que necesita reconfortarse, vete a tomar una masaje de pies.Y, sólo para que lo sepan, esta no es la película

CONTRA EL VACÍO TEMÁTICO

Tus amigos, tus compañeros de trabajo, los periódicos, la TV. Todo el mundo está feliz de hablar, llenos de desinformación. Moralidad, ciencia, religión, política, deportes,amor. Tus inversiones, tus niños, la salud. Dios.

CONTRA LA SALUD O LA FALTA DE ELLA

Si tengo que tomar nueve colaciones de frutas y verduras al día para vivir, no quiero vivir. Detesto en gran forma frutas y vegetales. Y tus niveles de omega-3, y la cinta de correr, y el electrocardiograma, y la mamografía, y la ecografía pélvica, y, oh, por Dios, ¡la colonoscopía! Y aún así, igual llega el día en que te ponen en una caja, y te pasarán a una nueva generación de idiotas quienes además te contarán todo acerca de la vida, y definirán qué es lo apropiado para tí.

CONTRA EL MANEJO DE LA INFORMACION

Mi padre , se suicidó porque los periódicos lo deprimían. ¿Y pueden culparlo? Con el horror, y la corrupción, y la ignorancia y la pobreza, y el genocidio, y el SIDA, y el calentamiento global, y el terrorismo, y los idiotas valores familiares, ¡y los idiotas armados! "El horror," decía Kurtz al final de "El corazón de las tinieblas", de Joseph Conrad. "El horror".

Afortunado Kurtz, que no recibía el "Times" en el medio de la jungla, ahí sí hubiera visto algo de horror.

Pero, ¿qué puedes hacer? Lees sobre alguna masacre en Darfur, oalgún autobús escolar explotando, y dices, "Oh, mi Dios, el horror!" Y ahí, das vuelta la página, y terminas tus huevos de gallinas orgánicas.

CONTRA LOS SUEÑOS NO LOGRADOS

Estoy seguro que estás obsesionado con una pequeña cantidad de tristes esperanzas y sueños.

Tu poca y satisfactoria vida amorosa.Tus emprendimientos fracasados.

"Oh, ¡si solo hubiera comprado ese stock!" "¡Si sólo hubiera comprado esa casa hace años!""Si sólo hubiera encarado a esa mujer." Si esto, si aquello. ¿Saben qué? Denme un respiro con sus "hubiera podido" y "hubiera debido". Como solía decir mi madre, "Si mi abuela tenía ruedas, debería haber sido un tranvía." Mi madre, no tenía ruedas. Tenía várices. De todos modos, la mujer dio a luz a una mente brillante. Fui postulado para el Premio Nobel en Física.

¡Más importante que cómo vivo, es por qué me molesto en absoluto en vivir!

CONTRA EL RACISMO
En EEUU, por más que odien a los negros, más odian a los judíos. Los negros los asustaban por sus pitos grandes. A los judíos, los odian, aún con sus pitos pequeños.

¿Qué quieren que haga? Es homosexual de closet, sexualmente indefinido.

CONTRA LOS CAMPAMENTOS DE VERANO
Yo tengo un talento natural en el campo de perder el tiempo.
Váyanse al carajo. En EEUU, hay campamentos de verano para todo. Chicos ricos, campamento de básquetbol, campamento de magia. Campamento de tenis. Campamento de ¡De directores de películas! Tendrían que tener uno de campo de concentración. Dos semanas obligatorias, para todos los niños en etapa de crecimiento, ¡entonces finalmente entenderían de lo que es capaz la raza humana!.

CONTRA EL SNOBISMO ARCAICO
-¿Qué haces con eso?
-¿Esto? Nada. Lo conseguí en el mercado de pulgas.
- ¿Quién necesita un pañuelo antiguo?
- Me pareció que era bonito.
- Sí, pero vaya Dios a saber quién sopló los mocos en él.

CONTRA LAS CELEBRACIONES MITOLÓGICAS

Solía detestar la celebración del Año Nuevo. Todo el mundo desesperado por divertirse. Intentando celebrar en alguna forma patética. ¿Celebrar qué?¿Un paso más cerca de la tumba? Por eso es que no ceso de repetir, lo que sea de amor puedas conseguir y dar, lo que sea de felicidad que puedas tomar o proveer, cada medida temporaria de gracia, si la cosa funciona.

CONTRA EL DESTINO COMO DEFINICIÓN
Y no te engañes, eso no significa todo sobre tu propia humanidad ingenua. La mayor parte de tu existencia es suerte, aunque no quieras admitirlo. Dios, ¿sabes las posibilidades de un espermatozoide de tu padre, dentro de billones de ellos, de encontrar al único huevo que te formó? ¡No pienses en ello, tendrás un ataque de pánico!.

KEITH RICHARDS, LIFE

2011-05-01T11:36:00.015-03:00

Por Fabián Iriarte
Todo sucedió en Kent, Dartford. En las calles que gracias al Google Maps pude recorrer virtualmente. Y es que según Keith todo sigue igual, salvo que aquel pequeño departamento que subsistía milagrosamente sobre una verdulería ahora lo hace sobre una floristería, precisamente la Darling Bud Of Kent, sobre la calle Chastilian Street a una cuadra de Denver Street, donde vivía un niño de familia mas acomodada que respondía al nombre de Mick Jagger. Ambos niños caminaban por la ensortijada Chastilian hasta la no menos curvilínea Wentworth Drive para asistir a la Wentworth Primary School que hoy tiene el privilegio de tener un Mick Jagger Center, un auditorio provisto de alta tecnología, aunque Keith Richards tiene la firme convicción que un ala de la escuela nunca lleve su nombre y de ser así ya tiene un plan para sabotear la delicadeza.

Richards sorprende con su propia sobrevivencia y tal vez su biografía se pronuncia como otra gesta anti establishment, una especie de dulce venganza hacia los que durante la supremacía Stone intentaron cauterizar un acontecimiento inevitable; la revolución artística cultural de cinco hombres que pusieron su atención y su esmero en articular los sonidos esclavos del Mississippi en la almidonada sociedad inglesa de principios de los sesenta.

Richards abre su bio con un episodio muy propio de la cacería de brujas Stoneana allá por 1975. “… un pueblo diminuto y los Rolling Stones en el menú policial a lo largo de Estados Unidos: todos los polis querían pillarnos a cualquier precio, ascender en el escalafón y cumplir con el deber patriótico de liberar a la nación de aquellos mariquitas ingleses”… “El departamento de Estado había observado disturbios (cierto), desobediencia civil (cierto también), sexo ilícito (¡A saber que es eso!) y violencia en toda la nación, y la culpa era nuestra, de unos simples juglares. Como por lo visto habíamos incitado a los jóvenes a la rebelión y estábamos corrompiendo el país, se había decretado que jamás volviéramos a los Estados Unidos”.

El capitulo dos está ilustrado por una foto del pequeño Keith paseando por Ramsgate con su madre Doris. De tan solo dos años, el pequeño Keith es sostenido por una correa, el rostro ceñudo de aquel niño perfila una de esas tardes complejas y no es descabellado detectar en ese pequeño de dos años el inconformismo latente, mientras madura la sospecha que ese niño más que una correa podría necesitar una cadena. Tal vez el anillo de calavera y las esposas circundantes en su brazo izquierdo rubrican hoy los presagios que derivan de aquella foto.

El humor de Richards es implacable, Life está plagada de desorden organizado, leerla significa desplazarse por una montaña rusa de picos ascendentes a veces imposibles de evitar entre la sensación brutal de tragedia inminente y piedad.

“Le envíe una postal a mi madre: Querida madre perdona que no te llamara antes de marcharme, pero seguro que tengo los teléfonos pinchados. Ya veras como todo sale bien al final, no te preocupes. Por aquí todo es genial. Un beso grande. Tu hijo Keef el Fugitivo”

Todo es de una magnitud pasional indómita, desde las paginas remitidas exclusivamente a lo musical, hasta aquellas dedicadas a las recomendaciones lisérgicas de como sobrevivir a ellas y no convertirse en un mártir del rock (Especial las consideraciones del caso Brian Jones). Caso aparte lo dedicado a su relación eterna con Mick Jagger, desde sus pujas estilísticas hasta la aceptación (repudiada por Keith) de su socio histórico de su nombramiento como Sir. Richard no ahorra la inevitable comparación con los Beatles y aunque lo unía una gran relación con Lennon, no se ahorra algún garrote de soslayo.

“Igual si nos hubiéramos puesto las chaquetas de pata de gallo y hubiésemos tenido el aspecto de muñequitos tal vez no hubiéramos cabreado tanto… la reacción no tuvo nada que ver con lo acostumbrado cuando salimos a tocar delante de aquella caterva de paletos que iban literalmente con la brizna entre los dientes… no podían soportar que sus chicas estuvieran embobadas por esos maricones… fue una bronca monumental y fue una suerte que saliéramos enteros.”

Era el principio y el contraste Stone. Keith se considera hijo directo de Willie Dixon, Muddy Waters, Chuk Berry, Howlin’ Wolf entre otros. Y son también otros los que dan testimonio directo del efecto Keef.

Steve Jordan: Un pez gordo de la industria invitado por Mick se presentó en Montserrat para hablar de no sé que contrato relacionado con la gira. Estaba claro que alardeaba de grandes conocimientos sobre producción musical, porque estábamos en la zona del estudio escuchando una grabación de Mixed Emotions, que iba a ser el primer single. Keith estaba allí de pie con la guitarra y Mick también escuchando. Acaba el tema y el tipo dice: “Una gran canción Keith, pero si cambias arreglos un poco te digo yo que sonaría mucho mejor”. Así que Keith se va para su maletín medico saca la navaja y se la arroja: aterrizó justo entre las piernas del tipo. Fue como de Guillermo Tell. Algo fantástico. Y Keith le dice: “Mira hijito, yo ya estaba componiendo canciones cuando tu todavía no eras ni una chispa en la polla de tu padre. No vengas a decirme como se compone”

Es un gran purista del blues y su defensa le costó mas de un encontronazo cuando su co piloto deliró con la música disco de Club54. La personalidad de Richards es una máscara anti pop que supo conseguir incluso con su propio cuerpo “hasta me deje caer unos cuantos dientes…”

Los roces con la muerte parecen actuar en Life como océanos ondulantes donde su protagonista se convierte en un ser omnipresente que alecciona inclusive a los que han quedado en el camino (Jones, Belushi, Hendrix, Joplin, hasta el bueno de Ian Stewart) mientras se constituía en un padre presente pero poco convencional para su hijo Marlon y resguardaba a su hija Angela con su abuela Doris en las cándidas tierras de Dartford.

Pese a todo Richards se las arregló para contarlo. Ha construido un imperio musical que llevó a más de un millón de personas comprobarlo en las arenas de Rio de Janeiro, mientras Argentina esperaba su turno.

Mas tarde otra vez la muerte sucumbió ante un coagulo cerebral que Keith gambeteo con clase en un quirófano de Nueva Zelanda.

Pero Keith resignifica una época y a la vez se autodefine:"En cuanto a mí, la prensa, empezando por la musical empezó a incluirme con gran entusiasmo en la lista fatídica. Un nuevo ángulo. Ya no les interesaba tanto la música al principio de 1973. New Musical Express sacó una lista de las diez estrellas del rock que era mas probable que murieran pronto, y me colocó en el numero uno. Soy también el Príncipe de las Tinieblas, el hombre hecho polvo con mas elegancia y demás: todos esos títulos que me encasquetaron fueron acuñados entonces y me quedé con ellos de por vida. A principio eres una novedad pero eso también era lo que pensaron del rock and roll… y deseaban que te fueras a tomar por culo. Y cuando eso no ocurría deseaban que te murieras".

Ladies and Gentleman: Keith Richards. ¿Qué más se puede decir?.

LA VIDA FÁCIL: LA NOVELA NEGRA PSICOLÓGICA

2011-03-28T11:00:00.004-03:00

Richard Price entre otras cosas es un guionista consagrado ligado al éxito de The Wire, la famosa serie de HBO. Price esgrime una novela negra poco convencional. Mas construida sobre los precisos y espasmódicos diálogos sumidos casi siempre en la penumbra de un rincón sórdido de una central de policía de New York antes que la persecución convencional de género. Otro ejercicio recomendable para cualquier guionista.

La vida fácil gira alrededor de un homicidio ocurrido en la ciudad de Nueva York, que casi se puede considerar un personaje más de la novela. Eric Cash es el encargado de un restaurante y futuro escritor (o eso espera) y sale a tomar unas copas con su nuevo camarero Ike Marcus, cuando de pronto se oye un disparo y Ike cae fulminado. La versión de Eric es que han sido asaltados por dos hombres y que uno de ellos disparó a su amigo sin ningún motivo. Pero su testimonio tiene demasiadas lagunas…

La vida fácil construye el perfil delictivo desde los confines de la psiquis del acosado y el perseguidor. Un viaje caótico hacia el dolor producido por la pérdida.

Fairmont: Alegoría existencial en clave de Road Movie

2011-03-18T19:47:00.003-03:00

Aguas Verdes es mi refugio en verano. La ruta 36 es testigo de horizontes de matas y nada. Un pueblo enclavado en esa nada me dispara a utilizarlo para escribir un guión que seguramente me tomará un año para decantar en un borrador digno.
Fairmont M19 es el modelo de un Ferrocar de vía que comunica al pueblo de Hänsel con el parador Kilometro 45. Fairmont es una alegoría existencial en clave de road movie.

Trata sobre la resistencia en estado de aislamiento; la historia de hombres y mujeres despojados y en estado de suspensión emocional. Lo histórico y lo pecaminoso, en Hänsel todos necesitan una expiación urgente, una depuración para volver a ser. Por otra parte, el dinero como estigma insoslayable de la necesidad. ¿Hasta donde somos capaces de resistirnos? ¿Cuáles son los cercos morales para sucumbir ante lo desconocido en virtud de la ventura económica? ¿Cuáles son los escenarios propicios?
El hombre moderno en estado de aislamiento total. El hombre moderno en clave de venganza mecanizada, para obtener tan solo una lúgubre redención que lo emancipe parcialmente de los estigmas del pasado. Lo histórico actúa con más fuerza que el presente porque aquí, nadie puede eludirlo, es sin duda una cicatriz del destino.

Las páginas se suceden. Veremos que sucede.

ROAD MOVIES: COMO EL WESTERN SE CONVIRTIO EN CARRETERA

2010-12-18T17:06:00.036-03:00

Mi apetito incontrolado en los setenta ( aun hoy) por las Road Movies me llevó a diseñar mi primer guión con el espíritu del género. Mi aventura peregrina la ruta 36 y por ahora es todo lo que puedo decir.
Cuando el Western empezó su letargo anunciado, Sam Peckinpah lo veló magníficamente con The Ballad of Cable Hogue. Allí el vaquero desfallece cuando el primer motor a cuatro ruedas irrumpe el paisaje sustituyendo sin contemplación la carreta. Una transmutación kafkiana decanta en un accidente y muere bajo el arrollador paso del vehículo.
Sin duda la metáfora correcta para transmutar hacia las Road Movies que toman para si el compromiso perpetuo de remedar las fatigas de los sesenta, e institucionalizan el pesimismo y la denuncia de una sociedad con profundos cambios mas inciertos que positivos.
Acá va una lista sin orden de preferencia de las Road Movies imprescindibles.

KALIFORNIA.
Entre lo perversamente sexual y el camino más oscuro de la conciencia. Kalifornia merece su atención no tanto desde la violencia decantada, sino desde aquellas preguntas sin respuestas sobre el comportamiento desquiciado, y de aquellos que perpetuán un lugar en el camino las bajezas humanas.

Escena memorable: El final sin dudas, el último aliento de Grayce (Brad Pitt) yKessler (David Duchovny)

Trailer:

Director:
Dominic Sena
Guión:
Stephen Levy (story), Tim Metcalfe (story),
Cast:
Brad Pitt, Juliette Lewis and Kathy Larson

THE GETAWAY
Para Peckinpah hay dos tipos de personas, los que escapan de algo y los que persiguen algo. Generalmente Sam apunta a los primeros. Si quieren ver el esplendor de Mc Queen y su reflejo femenino Mac Graw forjando ambos momentos sublimes, encarnados en dos seres que desean escapar de sus sombras para encontrarse con un fututo mas incierto que su pasado. De visión obligatoria.

Escena memorable: Doc y Carol al borde de la ruta, parece que a McQueen se le fue la mano de verdad. Otra, La persecución en el tren. ¡que envidia!

Trailer:

Director:
Sam Peckinpah
Guión: Walter Hill (screenplay), Jim Thompson (novel)
Cast:Steve McQueen, Ali MacGraw and Ben Johnson

EASY RIDER
La película de ruta lisérgica por antonomasia. El verdadero viaje por Norteamérica profunda. Una época que está por agotarse late a través del camino. Una especie de western de finales de los sesenta, salvo que la tracción a sangre es transmutada por motos y el espíritu de clausura inevitable. Un estudio antropológico sobre el concepto de libertad.
Trailer.
Escena memorable: La conversación entre Fonda, Nicholson y Hopper amenizada por cannabis, no interpretan, son ellos… y el cannabis.
Director:
Dennis Hopper
Guión:
Peter Fonda, Dennis Hopper,
Cast:
Peter Fonda, Dennis Hopper and Jack Nicholson

TWO-LANE BLOCKTOP
La ruta se funde en cuerpo y alma sobre dos mecánicos adictos a las picadas y a aquella búsqueda extrapolar de los sentimientos perdidos. Acaso la abulia y el no destino se cruzan para establecer las señales necesarias para identificar una generación entera. A estas alturas seria reiterativo explicar los conectores entre la road movie y el western. Una de Monte Hellman, el director melancólico del oeste.

Trailer.

Escena memorable: Cualquiera donde irrumpe Warren Oates
Director:
Monte Hellman
Guión:
Will Corry (story), Rudy Wurlitzer,
Cast:
James Taylor, Warren Oates and Laurie Bird

BRING ME THE HEAD OF ALFREDO GARCIA
¡Señores de pie! La película mas sucia de todos los tiempos. Quizás lo mas notorio es aquella imperfección que revaloriza su tema. Peckinpah una vez mas instaura los sueños imposibles, la perdida y la elección de la autodestrucción como redención final, igual que la perpetua The Wild Bunch. Otra vez Western y Road Movie en franca comunión.
Trailer.

Escena memorable: Nuevamente Warren Oates, cuando el niño le pregunta que lleva en la bolsa. El Hotel destruido del camino y una pulga juguetona.
Director:
Sam Peckinpah
Guión:
Frank Kowalski (story), Sam Peckinpah (story),
Cast:
Warren Oates, Isela Vega and Robert Webber

DIRTY MARY CRAZY LARRY
Película de caracteres mas sustentados que el argumento mismo. Excusa dramática de robo de botín y huida. Lo que mas destaca es aquella dualidad de delincuencia con deseo de independencia a cualquier precio propio de las fugas alocadas de los setenta. Una mezcla de Easy Ryder y The Sugarland Express, con menor oficio y budget pero con imaginativas puestas.
Trailer.
Escena memorable: El final inesperado.
Director:
John Hough
Guión:
Leigh Chapman (screenplay), Antonio Santean (screenplay),
Cast:
Peter Fonda, Susan George and Adam Roarke

RACE WITH THE DEVIL
Los ritos diabólicos y el mismísimo Satán tuvieron su mejor cosecha en los setenta. Entre el film de ruta clase B y las emulsiones oscuras de Vincent Price y Roger Corman, Race With The Devil se las arregla para permanecer en los escaparates de films de culto.
Trailer.

Escena memorable: Las serpientes en la casa rodante (¡Epa Quentin!)

Director:
Jack Starrett
Guión:
Lee Frost, Wes Bishop
Cast:
Peter Fonda, Warren Oates and Loretta Swit

ELECTRA GLIDE IN BLUE
Por mucho tiempo me quedo en la memoria y aun me pregunto porque James William Guercio no dirigió mas, igual incógnita que con Charles Laughton. Memorable retrato de la soledad, insignificancia e inconformismo y otra vez la ruptura de la década. Melancólica, expositiva, Uno de los mejores trabajos de Robert Blake obviamente después de In Cold Blood

Trailer.

Escena memorable: La persecución de Peter Cetera.
Director:
James William Guercio
Guión:
Robert Boris (screenplay), Robert Boris (story),
Cast:
Robert Blake, Billy Green Bush and Mitch Ryan

VANISHING POINT
Algunos afirman que un vehículo es ni mas ni menos la prolongación del hombre sobre su propio destino. Vanishing Point es el final de la existencia, aquellos momentos de zozobra humana que permuta en catástrofe final. Finales a la carta de los setenta, una especie de desencanto generacional que se reafirma nuevamente.

Escena memorable: Otra vez el final.

Trailer.

Director:
Richard C. Sarafian
Guión:
Malcolm Hart (story), Guillermo Cabrera Infante (screenplay),
Cast:
Barry Newman, Cleavon Little and Dean Jagger

MAD MAX
A principio de los ochenta vi por primera vez Mad Max y no pude olvidarla por mucho tiempo. La propuesta fluctuaba entre una Road Movie apocalíptica y sus puestas de cámara fuera del catálogo Hollywood, la dinámica visual y el desencanto de un antihéroe entre lo cínico y lo perverso. Mad Max inicia un nuevo camino versionando lo clásico con lo autóctono y algo de lo que pocos pueden vanagloriarse: el desierto australiano.
Trailer.
Escena memorable. Cuando Max pierde a su familia.
Director:
George Miller
Guion:
George Miller (story), Byron Kennedy (story),
Cast: Mel Gibson, Joanne Samuel and Hugh Keays-Byrne

SIDEWAYS
Otro tipo de trip. En sus cuaretna Miles y Jack emprenden un viaje iniciático con la escusa de una despedida de soltero. Aquello se convierte en una catarsis propia de la impopular crisis de los cuarenta. Una road moderna, con estilo y con esa inquietud y búsqueda del hombre moderno capaz de reincidir mil veces antes de entender las pequeñas señales terrenales.
Escena Memorable: Cuando Mile se tira la tinaja de vino.
Trailer.
Director:
Alexander Payne
Guion:
Rex Pickett (novel), Alexander Payne (screenplay),
Cast:
Paul Giamatti, Thomas Haden Church and Virginia Madsen

RABBIT PROOF FENCE
Estamos en 1931 en plena caza de aborígenes en el rudo oeste australiano. Molly, Daisy y Grace son hermanas y deciden escapar del yugo inglés, para ello emplean como guía las cercos para atrapar conejos y su aliado incondicional: el desierto. Un via curcis de sobrevivencia extraordinario.

Escena memorable: La supervivencia en la cerca.
Trailer.

Director:
Phillip Noyce
Guion:
Doris Pilkington (book), Christine Olsen (screenplay)
Cast:
Everlyn Sampi, Tianna Sansbury and Kenneth Branagh

LE SALAIRE DE LA PEUR
Henri Georges-Clouzot es tal vez el Hitchcock francés. La tensión dominate otra vez entre la proeza humana y el peligro latente. Cuatro hombres trasladando en un precario camión nitroglicerina padecen en el camino la instancia del exterminio súbito. Incomparables escenas de riesgo.
Escena memorable: El cruce sobre el barrizal de aceite.

Trailer.
Director:
Henri-Georges Clouzot
Guión:
Georges Arnaud (novel), Henri-Georges Clouzot (adaptation),
Cast:
Yves Montand, Charles Vanel and Peter van Eyck

DUEL
El primer gran Spielberg. Duel provoca desde lo mas abstracto un efecto único, que un camión se convierta en una especie de asesino seriado con alma y mucha vida. Entre la paranoia persecutoria y la realidad exasperante, Duel es una especie de montaña rusa sin retorno y tal vez el primer esbozo de las criaturas invasoras que tanto rinden para spielberg desde Jaws hasta Jurassic Park.
Escena memorable: el duelo en el pasaje.
Trailer.

Director:
Steven Spielberg
Guión:
Richard Matheson (screenplay), Richard Matheson (short story)
Cast:
Dennis Weaver, Eddie Firestone and Gene Dynarski

Continuará...

CAMINO A NEW ORLEANS: Ya es una película en desarrollo

2010-11-01T10:02:00.009-03:00

Por Fabián Iriarte
Como guionista de Camino a New Orleans siempre me pregunté quien seria el o los productores que en una primera lectura interpretarían el espíritu esencial de la obra. D Street Media por parte de Dexter Davis y Javier Krause han quedado prendados de ella como yo lo hice después de revisar el séptimo borrador.

Hoy Camino a New Orleans inicia su principal camino, el de su propio desarrollo. El pasado martes 26 de Octubre la productora D Street Media y yo hemos firmado un contrato de opción de compra de derechos que sella el reto de convertir juntos 115 páginas de un guión en una película. Como alguien dijo por allí producir un film es como zarpar en un barco para cruzar el Atlántico habiendo escogido los mejores tripulantes mientras mantenemos la orientación correcta hacia la próxima costa.

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FISH TANK: HACIA EL EXILIO MATERNAL

2010-09-12T12:12:00.006-03:00

Por Fabián Iriarte

Si Dolan cuestionaba en su I killed my Mother la relación adolescencia-decantación maternal, Andrea Arnold explora la relación adolescencia - exilio maternal y aceptación social. Mia es una adolescente perturbada que cataliza su furia ante todo lo tangible que incomoda su paso hacia su deficiente concepto de liberación. Mia escapa sin fuga.

No está preparada porque lo que conoce es tan inaceptable como atrapante. Su ámbito la succiona. Estamos en Essex, una especie de tierra devastada que convoca solo desencanto y marginalidad socializada.

Mia no sabe como salir de la nada inconmensurable que es su madre y adopta soluciones efímeras que acompañan su despertar sexual y la ambigüedad de su transitar masculino con el test postergado de su femineidad.

Mia se obsesiona (Poco se parece al amor) con el novio de su madre para conformar su primer exilio: el psicológico.

Fish Tank transita entre la descripción de comportamiento e intenciones del cine de los hermanos belgas Dardenne y el compromiso de realismo social de Ken Loach, con este esquema Arnold justifica una crónica disfuncional que converge en la extraordinaria escena de danza ritual de ruptura final y destino entre madre e hija.

Fish Tank es el exilio maternal de cuerpo y alma, es el itinerario hacia la reconstrucción del ser.

Ficha técnica completa.

Trailer:

I KILLED MY MOTHER: DE REGRESO A LA IMAGEN MATERNAL

2010-09-12T11:51:00.006-03:00

Por Fabián Iriarte

¿Es el propio estado adolescente quién distorsiona la imagen materna? Xavier Dolan un debutante filmico pero no tanto en la vida real que parte de esta consigna tan compleja y reviste su juego mental desde la perspectiva de un adolescente en franca rebeldía existencial, y desde aparentemente, su propia experiencia. La consigna, asume el liderazgo, de un temprano replanteamiento de situación cuando a tal vez lleva años hacer catarsis de esa innegable bipolaridad de amor /odio.

Unos de los primeros acercamientos visuales que construye un prefacio del punto de vista de Hubert (interpretado por el mismo Dolan) es la boca de su madre engullendo en slow motion un panecillo desbordado de queso crema, acaso una visión arqueológica del paisaje interno de Hubert que convoca a un ¿motivo? para la autoflagelación.

Su madre (Una extraoridinaria Anne Dorval) está en una etapa de suspensión producto de una soledad avasalladora demarcada por el mismo ámbito que la atosiga, Hubert se potencia para castigar y castigarse en una especie de reconciliación dolorosa que lo lleva a su punto de origen.
I Killed my mother (J'ai tué ma mère )es un

viaje hacia la imagen maternal primaria, hacia la reconciliación de la conciencia y tal vez un regreso sin concesiones hacia la carnadura de la vida y la concepción purificadora.

Ficha técnica completa

CAMINO ALTERNO: UNA SERIE DE RUTA EN CLAVE PARANORMAL

2010-08-10T11:02:00.004-03:00

JOHN CHEEVER: EL ENTRENADOR DE GUIONISTAS

2010-07-24T12:22:00.023-03:00

Por Fabián Iriarte

Es Julio, estamos bajo cero y estoy ejerciendo una práctica impopular, la lectura. No estoy aquí para buscar las razones de porque una nueva generación pretende escribir para la pantalla sin revisar los textos inevitables para la profesión. Y no hablo de los manuales mágicos con formulas solemnes. Hablo de narrativa literaria.

Acabo de recorrer todo aquello que pude procurarme del gran escritor John Cheever. He recorrido algo así como mil páginas entre The Journals of John Cheever, Bullet Park, Oh, what a Paradise it Seems y The Storys Of John Cheever, motivo por el cual titulé este ejercicio como Entrenador de Guionistas.

El lugar de Cheever es el de la representación irónica y disecada de sus personajes, su construcción precisa del entorno y de los avatares singulares de la codicia humana, no sin antes pasar por una especie de dolor caótico existencial, mezclar todos los condimentos con una ración de sueños promiscuos entre el sopor del alcohol y la aventura desencajada. Los guionistas buscamos entrenarnos. Tratamos de visualizar las mejores películas, de escribir una excusa aunque no tengamos una historia (En el mejor de los casos encontramos una) y de leer a autores que fomenten la imaginación cuando la pereza le gane a la creatividad. El descubrimiento de Cheever en mi vida ha incrementado mi gusto por sus historias. que así mismo, califican y ponen en prueba las mías. De esta manera se suma a la galería de Raymond Carver, Ernest Hemingway, WilliamFaulkner, John Dos Pasos, Phill Roth, Paul Auster todos vinculados con alguna fuga adultera en el cine.

Ya les dije, estamos bajo cero, por mas que insistan en 4 grados. Mis dedos se entumecen, pero no lo suficiente como para detenerse y rehusar transcribir aquellos fragmentos reveladores.

Les dije que estaba ejerciendo una práctica en desuso, mejor dicho impopular, ahora espero que ustedes ejerzan otra, la lectura.

Si estás aquí leyendo este texto es que realmente te apasionan las historias o yo mismo te he mandado a leerlas para alguna cátedra de guión.

No espero que una multitud se agolpe a este consejo. Mucho menos que visiten el blog de manera espontánea. Aunque confieso, sería una grata sorpresa. Aquí van algunos ejemplos. Intentaré demostrarles porque un guionista se puede valer de estos autores.
Cheever tuvo un breve paso por las pantallas, su texto corto The Swimmer y algunas breves adaptaciones para la TV como en The Alfred Hitchcok Presents en episodios como "O Youth and Beauty!" . Pero nada tiene que ver con su prosa construida para la imagen literaria y es la que en definitiva nos nutre.

Los fragmentos que reproduzco poseen el análisis mismo del escenario donde un guionista puede entrenarse como un deportista lo haría en una villa olímpica. Es solo un ejercicio, recuerden que el guionista no es un novelista solo se vale de él para llegar a una precisa descripción de las imágenes que representan la estrategia de un film, construyendo el alma de los personajes mediante el comportamiento y la sucesión de hechos que representen su interior.

Fragmentos de textos y análisis.

… Esto lo escribo en otra casa de campo a orillas del mar, sobre la costa. La ginebra y el whisky han marcado anillos en la mesa frente a la cual me siento. Hay poca luz. De la pared cuelga una litografía coloreada de un gatito que tiene puestos un sombrero adornado con flores, un vestido de seda y guantes. El aire huele a moho, pero yo creo que es un olor grato, vivificante y carnal, como el agua de la sentina y el viento en tierra. Hay marea alta, y el mar bajo el farallón golpea los muros de contención y las puertas y sacude las cadenas con fuerza tal que salta la lámpara sobre mi mesa…

Establecimiento y localización. Cheever asigna atmosfera a la acción para recrear el aislamiento y la soledad de un personaje en situación introspectiva.

…Pero mi esposa estaba triste.
–¿Qué pasa, querida? –pregunté.
–Tengo esa terrible sensación de que soy un personaje, en una comedia de televisión –dijo–. Quiero decir que mi aspecto es agradable, estoy bien vestida, tengo hijos atractivos y alegres, pero experimento esa terrible sensación de que estoy en blanco y negro y de que cualquiera me puede apagar.

Una visión del mundo
The New Yorker, 29 de septiembre de 1962

El manejo de la ironía alegórica, Un estado de ánimo expresado en una línea donde el personaje expresa un sentimiento de manera extrema y dramática pero que a la vez trasunta la comedia.

Podemos verificar de todas maneras el Status Presente del personaje, es la idea de un personaje cultivado que busca un refugio en la auto compasión.

.... Y encendí los cohetes, me puse ese tonto sombrero, apagué las velas de la tarta y agradecí los detalles a todos; pero después pareció que había otro regalo -mi gran regalo- y después de la cena me obligaron a permanecer en casa mientras Christina y los niños salían, y después vino Juney y me llevó afuera, rodeando la casa, hasta el fondo, donde estaban todos. Apoyada contra la casa vi una escalera plegable de aluminio, con una tarjeta atada con una cinta, y yo dije, como si hubiese recibido un mazazo:
-¿Qué mierda significa esto?
-Papá, pensamos que puede servirte -dijo Juney.
-¿Para qué necesito una escalera? ¿qué se creen que soy…, un limpiador de ventanas?
-Para alcanzar las claraboyas -dijo Juney-. Las persianas.
Me volví hacia Christina.
-¿Estuve hablando dormido?
-No -dijo Christina-. No estuviste hablando dormido.
Juney se echó a llorar.
-Así podrás limpiar las hojas de los desagües -dijo Ronnie. Los dos varones me miraban con cara larga.
-Bien, tendrás que reconocer que es un regalo muy extraño –dije a Christina.
-¡Dios mío! –exclamó Christina-. Vamos, niños. Vamos.- Los llevó hacia la puerta de la terraza.
Estuve en el jardín hasta que oscureció. Se encendieron las luces del primer piso. Juney continuaba llorando, y Christina le cantaba. Después, la niña se tranquilizó. Esperé hasta que se encendieron las luces de nuestro dormitorio, y después de un rato subí la escalera. Christina tenía puesta una bata, estaba sentada frente a la mesa del tocador y tenía los ojos llenos de lágrimas.
-Tienes que comprender -dije.
-Creo que no puedo. Los niños estuvieron ahorrando meses enteros para comprar ese maldito cacharro.
-No sabes todo lo que he soportado -dije.
-Aunque hubieras estado en el infierno, no te lo perdonaría -dijo-. No has soportado nada que justifique tu conducta. Hace una semana que la tienen escondida en el garaje. Son tan cariñosos. -Últimamente no me siento bien -dije.
-No me digas que no te sientes bien -replicó-. Ahora he llegado a desear que te vayas por la mañana, y temo la hora de tu regreso por la noche.
-No puedo ser tanto como dices -afirmé.
-Ha sido un infierno -insistió Christina-. Brusco con los niños, antipático conmigo, grosero con tus amigos y perverso cuando hablas de ellos. Horrible.
-¿Quieres que me vaya?
-¡Oh, Dios mío, vaya si lo quiero! Así podría respirar.
-¿Y los niños?
-Pregúntaselo a mi abogado.
-En ese caso, me iré.

El ladrón de Shady Hill
The New Yorker, 14 de abril de 1956

Bien, tenemos la tipicidad de una familia resumida en un lugar común, Un cumpleaños. ¿Donde puede radicar una catarsis familiar? posiblemente en sus lugares diarios, en aquello de todo los días, en lo mínimo o como en este caso en la escusa de la reunión, en la simplicidad de un momento que compendia lo aparente vs lo real.

Vamos de un lugar aparente (Un rictus obligatorio) a un lugar real (La crisis matrimonial) Cheveer fluctúa entre la ironía dramática y la ironía de paso de comedia, con los trazos gruesos del americano promedio. Esa ambigüedad, es la mas difícil de lograr. Es el terreno fértil del guionista, pasar de un estado al otro con transiciones e intenciones coherentes al perfil de sus personajes.

...Esto sucedía al borde de la piscina de los Westerhazy. La piscina, alimentada por un pozo artesiano que tenía elevado contenido de hierro, mostraba un matiz verde claro. El tiempo era excelente. Hacía el oeste se dibujaba un macizo de cúmulos, desde lejos tan parecido a una ciudad –vistos desde la proa de un barco que se acercaba- que incluso hubiera podido asignársele nombre. Lisboa. Hackensack. El sol calentaba fuerte. Neddy Merrill estaba sentado al borde del agua verdosa, una mano sumergida, la otra sosteniendo un vaso de ginebra. Era un hombre esbelto –parecía tener la especial esbeltez de la juventud- y, si bien no era joven ni mucho menos, esa mañana se había deslizado por su baranda y había descargado una palmada sobre el trasero de bronce de Afrodita, que estaba sobre la mesa del vestíbulo, mientras se enfilaba hacia el olor del café en su comedor…

Nótese la destacada descripción de la clase social. Neddy es nuestro personaje, esta es la presentación, su primera aparición, entre el enigma y la conformación de su característica física. Está claro su entorno pero nos prefigura una pregunta ¿Qué hace nuestro personaje allí?

… Probó las puertas del garaje para ver qué automóviles había allí, pero las puertas estaban cerradas con llave y de los picaportes se desprendió óxido que le manchó las manos. Se acercó a la casa y vio que la fuerza de la tormenta había desprendido uno de los caños de desagüe. Colgaba sobre la puerta principal como la costilla de un paraguas; pero eso podía arreglarse por la mañana. La casa estaba cerrada con llave, y él pensó que la estúpida cocinera o la estúpida criada seguramente habían cerrado todo, hasta que recordó que hacía un tiempo que no empleaban criada ni cocinera. Gritó, golpeó la puerta, trató de forzarla con el hombro y después, mirando por las ventanas, vio que el lugar estaba vacío.

Reproducir de la escena

El Nadador. The New Yorker, 18 de Julio de 1964

El final del recorrido dramático, el arco de transformación del personajes a punto de evaluar su estado final, es de destacar la utilización de la recomoposición visual a traves de los elementos que rodean el personajes como catalizadores de su viaje final e inexorable. Neddy se reencuentra con su realidad que su necesidad dramatica hubo distorsionado durante su arco. Recuerda la escena final de Sunset Boulevard donde Gloria Swanson y su mente distorsionada recobra artificialmente su pasado pero pierde defisnitivamente su cordura. Neddy transita el proceso inverso, va desde la evasión de su estado y la construcción de lo mental-evasivo hacia la realidad inclemente.

Nos sentamos, y el padre llamó en alta voz al camarero.

-Kellner! –gritó-. Garçon! Cameriere! ¡Usted! –En el restaurante vacío su estridencia parecía fuera de lugar. -¡Alguien que pueda atendernos! –gritó-. Chop-chop. –Después, batió palmas. Así atrajo la atención del camarero, que arrastrando los pies se acercó a nuestra mesa.
-¿Usted golpeó las manos para llamarme? –preguntó.
-Cálmese, cálmese, Sommelier –dijo mi padre-. Si no es demasiado pedirle... si no significa imponerle una obligación excesiva, desearíamos un par de Gibson.
-No me gusta que me llamen golpeando las manos –dijo el camarero.
-Tendría que haber traído mi silbato –dijo mi padre-. Tengo un silbato que es audible sólo para los camareros viejos. Bien, prepare su anotador y su lapicito y vea si puede escribirlo bien: Dos Gibson. Repita conmigo: Dos Gibson.
-Será mejor que vaya a otro lugar –dijo en voz baja el camarero.
-Ésa –dijo mi padre- es una de las sugerencias más brillantes que he oído jamás. Vamos, Charlie, salgamos de esta covacha.

Chever escenifica un personaje incómodo, un gran totalitario cargado de propensas estrategias de humillaciones. Da la idea de un ser refinado para pasar gradualmente al bochorno de la degradación. Hay una transición de Status maravillosa.

Reunión
The New Yorker

Estaban en la planta baja de un edificio bajo en un barrio bajo, y no vio nada en el lugar que no diera una acabada impresión de ser portátil. La recepción decorada con una gran urna llena de pastó y hierbas artificiales, el escritorio dé la recepcioncita, la recepcionista misma, todo parecía sumamente provisorio como si se pudiera transportar sin previo aviso a otro edificio, estado o país. Pero cuando apareció Renée Herndon, la sintió muy permanente. El modo en que ella se apoderó de su atención, de sus sentidos y de su inteligencia fue lo más permanente que podía concebir a esa altura de su vida…

Un festival de la figuración, no hay director de arte que no entienda la propuesta estética de la situación.

… El departamento era una especie de escondite de paso; todavía estaba amueblado con las sillas y mesas de una divorciada abandonada por su amante o gigoló, aunque todavía quedaban fotografías de éste, muchas de ellas desnudos, en la pared del dormitorio. Había una terraza angosta desde donde se alcanzaba a ver algo de cielo azul pero la luz diurna no daba directamente en el departamento.
Ella supo de inmediato que él no lo querría, y lo dijo:
—No sé porqué se me ocurrió mostrárselo. Yo misma detesto el lugar.
—Me ha dado la oportunidad de invitarla a cenar —dijo él.
—Me encantaría cenar con usted —sonrió ella— si no le importa cenar tarde. Al atardecer estoy ocupada.
—La hora —replicó él—, no interesa.

Espléndido, minimalista, directo, una simbiosis de soledades, dos personajes solitarios se entienden en el lugar mas solitario posible. La Conjunción de espacio e intenciones es sumamente efectiva.

... Le pareció un grupo en el que no operaba una fuerza selectiva. Dado que las caras, jóvenes, viejas, demacradas y serenas, no le decían nada, observó la vestimenta y encontró aun menos indicios. Vio prendas de ricos, de pobres y unas pocas imitaciones de ricos. ¿Quiénes eran; quiénes podrían ser? Ahí estaban las caras simples, optimistas, la mezcla de nacionalidades que caracteriza al país…

… Tenía el pelo arremolinado, era rubicundo y llevaba una remera en la que se leía: "Universidad del Odio". A su lado había un joven rubio, de traje, y junto a éste su amada Renée, con uno de esos vestidos sencillos que cuestan apenaos un poco menos que un buen auto usado…

Imprescindible poder configurar las características de los personajes. Una gran lección.

… Las luces se apagaron y al cabo de uno o dos minutos de suspenso se abrió una puerta y entró un hombre que llevaba una de esas tortas baratas, chatas, con velitas, que se encargan para celebrar la jubilación del ayudante de mantenimiento del edificio o de la integrante de mayor edad del cuerpo de dactilógrafas. Las luces se encendieron, los concurrentes se pusieron de pie y cantaron con las voces de siempre, genuinamente sinceras y sin musicalidad, "Feliz aniversario, Feliz aniversario, querida celebrante...".

… Un empleado barría el vestíbulo.
—¿Qué pasa ahí dentro? —preguntó Sears.
—No sé —contestó el obrero—. Están tratando de dejar de fumar o beber o comer pero no recuerdo cuál es el que está ahí esta noche. Los no fumadores son los que más me revientan. Fumo un atado, quizá un atado y medio, por día, barro puchos, es mi trabajo, para eso me pagan y a nadie le interesa más que a mí. Por ejemplo la semana pasada fui a pagar el impuesto estatal. Se paga en la casa de gobierno, en un edificio al que contribuyo a sostener, y justo en la pared está el cartel que dice GRACIAS POR NO FUMAR. ¿Cómo demonios saben que no voy a fumar? ¿Cómo saben que no voy a orinar o pedorrear o tener una erección? Gracias por no fumar. ¿Qué demonios les importa? Gracias por no respirar...

… La desaparición de la parrilla significaba que la familia se había ido y que la casa estaba en venta. La arquitectura era estilo "final feliz", o "tarjeta de saludo", es decir, parecía haber sido concebida por exiliados o refugiados que pensaban obsesivamente en el retorno. La variedad de las casas era internacional. Las había inglesas, españolas, nostálgicas de un pasado reciente o con la sencillez eficiente del futuro, pero todas expresaban poderosamente una sensación de finales y retornos. Cualquier cosa que pareciera artificial o vulgar estaba justificada porque ellas querían ser un lugar de sereno retiro…
… Cuando entró, fue recibido por Buster, el viejo perro.
—¿Dónde está mi comida? —preguntó Sammy. Tuvo que gritar para hacerse oír por encima de la televisión.
—No hay comida —dijo la mujer—, no hay nada para comer salvo comida para perros.
—Cada semana te doy dinero para comprar comida —gritó Sammy—. ¿Qué haces con él? ¿Lo tiras a la calle?
—Con el dinero que me das no puedo comprar sino comida para perros —gritó la mujer.
—Bien, si nosotros no comemos, Buster tampoco —gritó Sammy—. Si tengo que pegarle un tiro a Buster para meter eso en tu estúpida cabeza, lo haré. —Su mujer y sus hijas o no le creyeron o estaban demasiado absortas en la televisión para prestar atención a su amenaza.
Buscó el rifle y lo cargó. Luego fue al living y apagó el televisor.
—Todas ustedes van a verlo —dijo—. Ya es tiempo de que alguien comprenda acá que la vida es una cosa muy seria. No podemos depender de la ayuda social porque tengo un negocio. Así que debemos hacer sacrificios y Buster será el primer sacrificio que haremos.
Las dos niñas se echaron a llorar:
—Oh, no, no, papito, no, no. —En los años por venir las dos hijas, desnudas en brazos de extraños, dirían con tanta intimidad como si fuera una declaración de amor: "¿Te conté alguna vez la noche en que papito mató al perro?"
… mientras sacaba de la heladera unas verduras congeladas, vio que María Salazzo bajaba por la escalera trasera con la bolsa de residuos. Betsy salió de su casa corriendo y cruzó el patio.
—¿No ha sido un día hermoso? —preguntó.
—Depende de lo que estuviera haciendo —respondió ella. Golpeó la bolsa contra el balde. Betsy había oído que a veces María bebía bastante. Deseó que no estuviera borracha.
—Veo que tiene unas campanillas nuevas —dijo Betsy.
—Las conseguí en una liquidación en Buy Brite —dijo María—, pero creo que no les quedan más. Tengo una amiga que se ocupa de objetos orientales que quizá pueda conseguirle una.
—Oh, no. No es eso —dijo Betsy—. Sólo me preguntaba si ustedes las oyen tan fuerte como nosotros.
—Por supuesto que las oigo —dijo María—. ¿Para qué cree que las compré?
—Bueno, lo que ocurre es que las oímos demasiado —titubeó Betsy. Estaba luchando. Decir que las campanillas la mantenían despierta sonaría como confesar que tenía dificultad para dormir—; Quiero decir, me pregunto si no podría detenerlas por la noche...
—Debe de estar volviéndose loca —dijo María—. ¿Cómo voy a detener el viento?

Oh, What a Paradise It Seems, 1982

BRAINSTORMING DE GUION CINEMATOGRAFICO

2010-07-20T13:30:00.004-03:00

BRAINSTORMING DE GUIÓN CINEMATOGRAFICO.

RESEÑA:

Este taller involucra la creación conjunta de un guión de largometraje con una estructura definida de tal manera que cada integrante participe en la escritura en una especie de Script Associated (Sociedad de guionistas para una obra común) Esta tarea se desarrolla con la coordinación del taller como un proyecto en si mismo dentro de un cuatrimestre.

Lo que resulta del taller es un guión profesional para ser presentado por los participantes en cualquier concurso o en presentaciones en INCAA para su posterior financiamiento.

Cuando decimos presentación profesional estamos incluyendo todos y cada uno de los procesos, presentaciones y formatos también aceptados en otros países.

El resultado es el conocimiento estructural de un film de 90 minutos y la escritura de 100 páginas que lo representa. La estructura es coral concéntrica (Tipo, Amores Perros) dónde varias historias se relacionan entres sí y pueden ser trabajadas por varios alumnos a la vez.

METODOLOGIA

Levantamiento de ideas/Proceso de instrumentación.
Short Cuts y desglose temático/ Establecimiento estructural.
Outlines temáticos y de personajes.
Representación histórica y diversificación de líneas narrativas.
Construcción de los Outlines/Elección de los equipos creativos.
Primer tratamiento de la historia. Grupal
Diversificación dramática y construcción del espacio tiempo ficción.
Esbozo de los Grupos creativos.
Presentación de los perfiles psicológicos de los personajes por parte de los equipos creativos.
Pitch Session de los equipos narrativos.
Primer y segundo acto de la historia.
Tercer acto de la historia.
Primer draft de guión.
Reescritura/ análisis secuencial macroestructural.
Sobrescritura/análisis microestructural
Testeo de cuadro dinámico dramático.
Armado de presentación del proyecto para concursos.

LUGAR: COLEGIO DE ABOGADOS DE QUILMES (ALVEAR 414, QUILMES)
CONTACTO y PREINSCRIPCIONES: jadefilms03@hotmail.com

Stones in Exile. Exile on Main St. Largarse a un sótano húmedo y hacer historia

2010-06-25T13:53:00.017-03:00

Por Fabián Iriarte

“Permítanme que me presente, soy un hombre poderoso y distinguido y he robado a mas de uno el alma y la fe” bajaban las estrofas como azotes corrosivos desde un álbum de cubierta prohibida. Era un tema de un tal Jagger y un tal Richards pergeñado entre el 68 y el 69 y que relacionó inevitablemente a la banda con cierto aquelarre demoníaco.
Esperé mucho tiempo para escribir algo sobre los Stones, pero mi respeto, hacía que nunca empezara por decidirme.
Stones in Exile me inspira un prefacio inevitable, precisamente fundamentando mis días de revelación Stone. No podría ejercer esta escritura de manera sosegada si no me instalo como testigo histórico de la escena. Corría 1972 y Argentina estaba nuevamente divorciada del mundo (Cuándo no) y en ese contexto ¿Qué podía hacer un adolescente más que inquietarse por lo prohibido? Mientras yo contaba las monedas para adquirir mi primer álbum inglés (monedas destinadas para un juego de lapiceras para el colegio) Los Stones ya estaban en Francia, en un sótano súcio y húmedo otrora sede de operciones de la Gestapo, entre fastidio, excesos y desconcierto arribando la idea de temporalizar el destino de la banda.

Keith Richards fundó el bunker en su mansión de Nellcôte, Villefranche, Francia. Charlie Watts maldijo por enésima vez haber abandonado su cómoda estancia Londoniense, Bill Wyman añoraba el té ingles mientras focalizaba su instinto más primitivo en las jovenzuelas francesas. Mick Taylor era el nuevo, el otro Mick, el virtuoso guitarrista formado esencialmente con John Mayall, que ya había pasado la prueba en Sticky Fingers pero que nunca logró seguir la vorágine Stone y tres años después abandonaría la “experiencia”. Mientras, el gran Mick Jagger hacia lo que siempre supo hacer, transformar el caos noctámbulo de Keith en una obra de arte como el álbum doble Exile on Main St. En esa instancia, Milestones se detiene mágicamente entre mis manos. El álbum no era más que una recopilación oportuna de la Decca, aquel sello que los Stones dejaron después de una década de abusos y maltratos económicos. Una especie de manual del Stone incipiente. Suficiente para empezar. Satisfaction (No hay tema mas explicito que compendie el sentimiento insurgente de los sesenta) Las agridulces Under my thumb y She´s a rainbow , la sincopada Not Fade Away, la misógina Time is on My side y Out of time. Suficiente, tenía mi compendio Stones de bolsillo. Allí empezaba mi historia con los Stones, corría 1972, y el peronismo entronizaba su etapa más… ¿siniestra? En fin. Volvamos al sótano. El documental de Stephen Kijak recoge el proceso creativo de los Stones intentando hacer catarsis en condiciones desfavorables ¿o no? o… simplemente el sótano resume el regreso mas prístino de la banda, retornado de alguna manera al Marquee, esa especie de mazmorra dónde hacían sus primeros covers bajo la endeble tutela moral de Brian Jones y las enseñanzas de los Blues Incorporated.

En aquellos años de Marquee Club, Mick era un joven timorato y Keith buscaba su propio estilo, Charlie un jazzero remolcado a la fuerza y Bill… Bill era simplemente el dueño del bajo que necesitaban.

“El concepto de exilio es el correcto, porque eso sirvió para que rompieran con el pasado y para que, como grupo, explotaran", afirma Martin Scorsese en un momento del documental. Pero el pasado siempre te remite a los orígenes y la memoria los lleva a su primer manager Andrew Loog Oldham cuando instauró el concepto de “Los Stones no son una banda más, son una forma de vida”. El bunker de Keith en Nellcôte, Villefranche lo revalida. "Era el sitio perfecto cuando tienes 20 años. Cerca de Marsella para abastecerse de drogas y a un paso de la Italia de la mafia", sostiene la voz en Off.

Y el bunker fue testigo de la vuelta al capitulo de la amoralidad, el caos y la búsqueda incesante de la voz propia, el cuerpo como alquería experimental (Son famosas las orgías y los excesos retratados en otro documental maldito Cocksucker Blues, del cual se han extraído los fragmentos menos fragosos) y un álbum en el renacer del Exilio. "Se grababa a cualquier hora del día, sin previo aviso. Si se empezaba a las once de la noche, nos podíamos tirar 12 horas. Por eso había que vivir allí", explica Charlie Watts, justificando la estadía.

Antes, Sticky Fingers giraba en torno a la nostalgia lisérgica (Sister Morphine, Dead Flowers) mas atrás Beggars Banquet celebraba un pacto con el diablo y combinaba cuerdas con Country. Exile on Main St. se convierte en un crisol de ritmos milagrosamente homogeneizados en un álbum doble y el documental revitaliza la genialidad (Una palabra que en este caso no queda grande) de la banda de rock mas grande del planeta atravesando experiencias con un áspero Jazz, el Rhythm and Blues, la Balada, el Rock sucio y el Gospel.
El documental se abastece de Robert Frank fotógrafo consagrado por retratar en su libro The Americans la visión escéptica e insolente de la sociedad estadounidense, amigo del beatnik Allen Ginsberg y transformado por entonces en un Alexis de Tocqueville moderno, Frank era en uno de los principales artistas donde descansaba la jerarquía de la subcultura Beat. Por entonces, Frank deduce la falta de un ícono más en su galería, preguntó a los Stones si podía visitarlos para hacer una sesión de fotos, allí tenía todo lo que abreviaba su obra, era de esperar entonces que su estadía en el bunker haya durado seis meses de extasiada convivencia.

Stones in Exile se sostiene con su fotografías y el montaje sistemático de otros lugares menos frecuentes de los Stones (Algunas imágenes vedadas por años) la voz en off conducente de un Jagger actual, rezumado en la potencia visual que emana el desparpajo Stone. No era la primera vez que el underground americano se asociaba con los Stones, Andy Warhol un año antes había diseñado la cubierta de Sticky Fingers devenida en el primer plano de un jean alabado y bendecido, acaso glorificado, por una protuberancia lasciva dificil de evitar.

Stones in Exile es de visión obligatoria para propios y extraños del circuito Stone, es el reencuentro con la historia, es un documento que valida la supremacía Stone en el mundo del rock, y posiblemente uno de los vestigios mas sinceros de resistencia y cultivo de la voz de los sesenta. Para los Rolling Stones sin duda fue la trinchera apropiada de prosecución de su apostolado musical con sentido social, para seguir representando al desposeído, para comprobar que la desdicha es parte de la vida pero que en lo simple puede anidar un páramo redentor. Las generaciones de seguidores se suceden inexorablemente, el encanto permanece, la rebeldía aun es un vehículo depurador de insatisfacciones. Sesenta minutos de historia para ser testigos del mejor álbum doble de rok’n’roll, y sí… “Es solo rock’n’roll… pero me gusta”.

Trailer

Les Plages d'Agnès: Un sistema adquirido para la memoria

2010-06-04T14:24:00.010-03:00

Por Fabián Iriarte

Habrá que sondear a los especialistas para inquirir si existe un sistema consciente en el camino recurrente de la memoria, para que, ordenadamente y de modo certero, enumere los recuerdos con la precisión consecuente al momento vivido en el terreno del pasado.

Mas allá de la interrogación, Agnés Vardá, una polifacética artista inclinada por la fotografía pero devenida en la época de Nouvelle Vague en directora cinematográfica, halagada en su momento por Godard, Malle y su marido Jacques Demy, nutrida por sus viajes a América y su relación platónica con Jim Morrison y la factoría Warhol, supo encontrar los mecanismos visuales para retratar sus recuerdos y hacerlos universales en su film Les Plages d'Agnés.

Aquella playa invadida con su puesta en escena que cercena con precisión buñuelística el ámbito de un escenario de la infancia y que multiplica con innumerables espejos la sensación de como la memoria juega en diferentes frentes históricos.

Como olvidar la cadencia de su pasos suspicaces hacia atrás alegando que la vida ratifica inexorablemente el pasado para calificar nuestro presente con la autonomía de la realidad.

Hablando de un posible sistema para la memoria, Varda recurre a sus películas y aquellos lugares caros a sentimientos (La relación y pérdida de su marido Jacques Demy) los rincones ricos en texturas y los movimientos culturales y efervescentes de los sesenta.

Solo su cuerpo ha renunciado dignamente a su juventud, pero su espíritu asociado a lo creativo y a la dinámica (Si a alguna conclusión llegamos es la devota articulación de una vida consagrada al movimiento tanto físico como espiritual) frontal de sus propios acontecimientos vividos.

Como eternizando lo atesorado Vardá construye un relato biográfico - artístico-cultural-humano sin solemnidades, casi esfumándose en los recuerdos con sus pasitos atrás para dejar paso a la trascendencia del presente. Exquisita y sentida, una especie de road movie de la memoria.

THE VICIOUS KIND: DE CÓMO VOLVERSE MISÓGINO Y PROFETIZAR CATÁSTROFES DEL CORAZÓN

2010-05-29T11:37:00.009-03:00

Hay quizás unos cuantos tips dentro del cine indie americano que lo despoja del pasatista y efectodependiente cine comercial. A saber: toma un par de personajes desalmados a puro rigor del american way of life, sácalos de las grandes ciudades como para armar un workshop de experimentos caracterológicos, recurriendo, si lo prefieres a lugares desolados y extremos como síntesis de la América profunda (O Norteamérica para darle precisión a la cosa), súmale un tercero con un gran secreto que los involucra.

Hay mucho más, y el ejercicio resulta muchas veces delicioso. The Vicious King predispone el escrutinio de aquellos seres de duelo prolongado y auto flagelación mental, devenidos de una patológica galopante post relación pasional frustrada.

El debutante Toland Krieger los compone desde la reincidencia de estímulos sexuales secretos (O no tanto) y la inocencia como purificador y equilibrio.
Interesante pero no menos vista. The Vicious King propone la variante de la familia como usina de secretos y engaños de marca generacional como referente emblemático del cine de David Gordon Green, Tod Solonz y Cia.
Caleb Sinclaire ha sido abandonado por su esposa y se ha convertido sin remedio en un misógino profeta de catástrofes emocionales. Peter es su joven hermano, puro y casto con su primera relación verdadera con Emma (Una hermosa muchacha al parecer no tan pura y casta) y es incómodamente el hamster experimental de Caleb. Y es que Emma trae a Caleb los recuerdos de su pareja y acciona el nervio perturbador que faltaba.

Pero la que verdaderamente es víctima y a la vez victimario de tamaño experimento es Emma, recibiendo los embates violentos (Verbales y físicos) de un Caleb cada vez más exacerbado y profético en su irreversible destino emocional.
Pero lo que Emma va experimentando es una conversión de atracción hacia los rincones prohibidos y oscuros de una relación sin horizonte y malsana.
El triángulo es arbitrado por Donald Sinclaire, padre de los muchachos que… bueno, esconde un secreto siempre propenso a emerger a la superficie.

The Vicious Kind, propone el juego de la vida misma, de las relaciones imposibles, mide sus consecuencias y establece la síntesis especulativa que el destino, a veces, no es tan flexible como creemos.

Año: 2009
Director:
Lee Toland Krieger

Guión:
Lee Toland Krieger

Cast :
Adam Scott ... Caleb Sinclaire
Brittany Snow ... Emma Gainsborough
Alex Frost ... Peter Sinclaire
J.K. Simmons ... Donald Sinclaire

Sitio Oficial

COMO DIRIGIR TU PRIMER CORTOMETRAJE: CURSO CUATRIMESTRAL

2010-05-29T11:10:00.008-03:00

El curso está dirigido a todos aquellos participantes que han tenido alguna experiencia previa en temas audiovisuales y/o fundamentalmente talleres de guión.

La estructura del curso es la producción de un cortometraje elegido por sus bondades realizativas y que los participantes se conviertan en parte del equipo técnico proponiendo así la experiencia práctica filmando una historia.

El guión del cortometraje se definirá en el Taller de Guión del primer cuatrimestre 2010, por lo que al inicio de este curso se trabajará sobre la producción, rodaje y post producción de dicho guión.

Los procesos de producción comprenden:
a. verificación de micro y macro estructura del relato
b. Desglose técnico
c. Desglose de presupuesto.
d. Story board
e. Planillas de producción
f. Definición de equipo técnico
g. Scouting
h. Casting

Proceso de rodaje
a. Plan de rodaje y Plan de producción. Desglose de presupuesto.
b. Rodaje en interiores/ exteriores
c. Visionado diario de los roches
d. Supervisión de pre-edición

Proceso de Post Producción
a. Off line /On Line
b. El proceso de integración sonora
c. Musicalización y efectos
d. Establecimiento de día de estreno.

Todo el proceso será establecido teóricamente en el curso y será supervisado hasta la copia final. El budget de producción del corto correrá por cuenta del/los participante/s que se constituye en productor único junto al docente a cargo del proceso. En los créditos finales deberá aparecer el nombre del curso como de todos los integrantes del mismo.

FECHA DE INICIO: 11 DE AGOSTO 2010
LUGAR: COLEGIO DE ABOGADOS DE QUILMES, ALVEAR 414 QUILMES
DURACIÓN: UN CUATRIMESTRE
COSTO DEL CURSO: $100 X MES
PROFESOR: FABIAN IRIARTE

CURSO DE DIRECCIÓN Y GUIÓN DE CINE

2010-02-07T16:18:00.008-03:00

Vamos a comenzar por una pregunta aparentemente superficial ¿Qué es dirigir cine? Alguna vez Hitchcock dijo: El director es la persona que tiene todas las respuestas.

Por otra parte debemos desmitificar la idea de que solo con la técnica se puede dirigir. La técnica es importante y no hay dudas que hay que conocerla, pero más importante aún es la mirada artística. El director es una persona, ante todo, que está entrenado para pensar cinéticamente, enmarca la realidad, la convierte en ficción y la pone en movimiento. Ese es el principio. Los tres grandes movimientos.

Luego el gran entrenamiento es el ejercicio de Traslación de la palabra escrita a la pantalla. Allí es donde aparece la exégesis visual del Guión con todas sus aristas creativas. No olvides que en el rodaje el buen director comienza cuando sabe pedir lo que quiere y se complementa cuando los demás entienden lo que quiere. Es esa la sustancia del Curso de Dirección y Guión de Cine, cultivar a un posible director integralmente desde la percepción artística de un guión hasta la puesta en escena.

ALGUNOS CONTENIDOS DE DIRECCION:
Conceptos de la mirada cinética.
Determinación del high concept cognitivo del relato.
Las posibilidades de la puesta en escena.
Iconos visuales y motivos recurrentes.
Como construir el back story del personaje central.
Intenciones, subintenciones y contraintenciones.
Movimiento interno y externo de la escena.
Clasificación funcional de la escena.
ALGUNOS CONTENIDOS DE GUIÓN.
Nuestro proceso va de la idea al guión, posiblemente muchos te ofrezcan lo mismo, la diferencia es el camino que te propongan para llegar, y allí, está nuestra diferencia. Algunos pasos fundamentales para que lo entiendas:

1. El terreno cinético es menos flexible que el literario. Trabajamos sobre ello.
2. Crear un espacio - tiempo para cine responde a funciones creativas-estéticas pero también económicas y rentables. Es un deber que lo sepas.
3. El formato de escritura que pocos hacen hincapié es fundamental para que un productor considere que sos profesional, el formato tiene sus regles. Te lo enseñamos.
4. Enseñamos el oficio y las estrategias estructurales que sirven para cada historia. Porque consideramos que cada historia tiene un tratamiento particular.
5. Lo visual responde a comportamientos humanos reconocibles por lo tanto tenemos en cuenta el aspecto psicológico de los personajes. Hacemos ejercicios al respecto.
6. Generamos tests permanentes de seguimiento de las obras de cada alumno como si fuera la presentación profesional del proyecto. Siempre te damos pautas del terreno profesional.
7. Consideramos el espacio escénico como el todo creativo haciendo ejercicios para el dominio ficcional de la escena.
8. Consideramos una macro y micro estructura del relato como elementos a revisionar permanentemente antes, durante y posteriormente.
9. Apoyamos siempre la teoría con ejemplos concretos ya sea de guiones producidos o filmes referenciales.
10. A veces se producen los guiones delos alumnos, supervisamos todo el proceso de rodaje desde el guión. Son diez razones pero hay mucho más.

Ya han pasado más de 350 personas que lo avalan. Mas que la cantidad nos interesa la calidad de los participantes y del taller. Generalmente el cupo es de 15 personas para poder trabajar en el análisis personalizado.

Los referentes directos del curso tienen origen en las teorías y experiencias recogidas de guionistas como Jean Claude Carriere, Syd Field, Paul Schrader. Paul Auster, Quentin Tarantino, Robert Towne, William Goldman y mi personal visión del oficio.

Profesor: Fabián Iriarte
Inicio: Miércoles 4 de abril 2012 de 19:30 a 21:30hs
Lugar: Colegio de Abogados de Quilmes, Alvear 414, Quilmes
Total Clases: 16 (un cuatrimestre)
Cupos: 15 participantes.
Forma de Pago: $185 x mes,

Un pago de $45 por derecho de apuntes mensuales y tarea asistida on line
Colegios con cupón 10% de descuento
Matriculados Colegio de Abogados de Quilmes 10% de descuento
Pre Inscripción: fairmontm19@hotmail.com o 1568527440
Primer cuota. y pago de apuntes Primer día de clase.

OSCAR 2010: Nominaciones, Impresiones, expresiones y pálpitos.

2010-02-02T17:41:00.021-03:00

Habrá algunas conjeturas que hacer con respecto al regreso de algo que fue muy habitual a principios de la década de los 40, cuando eran diez las nominadas a mejor película. En 1935 se llegó al número de doce en las nominaciones en la misma categoría. La principal conjetura; impulsar económicamente ciertas películas de magros resultados en taquilla. Con la salvedad de Avatar, este fue un año critico para muchos films. Aquí estan las nominadas a Mejor película.

AVATAR
Llega avalada por un rutilante éxito de taquilla y sustentada por el Golden Globe, castigada por los SAG Awards (Razones obvias de los actores), salvado por algún que otro festival de tendencia tecnicista e ignorado por lugares tan proclives a lo artístico como Berlin, Cannes, BAFTA, Directors Guild of America, y Writers Guild of America.

Avatar es la proclama de la revolución tecnológica hecha carne en una nueva generación de espectadores amparados entre pop corn alucinógeno y el 3D.

Sitio Oficial.

THE BILND SIDE:
Oh sorpresa. Una tenue historia de beneficencia, caridad humana y superación, sin muchos matices, salvo lo que Sandra Bullock supo aportar en calve de actriz dramática, como una inflexión imitable de Julia Roberts en Erin Brockovich. La salvedad radica en el tono narrativo donde la abulia edulcorante se apodera de un inicio auspicioso que promete contar en unos largos 128 minutos la historia del homeless afroamericano Michael Oher y su ascensión a las grandes ligas del Football Americano impulsado y protegido por la altruista familia Tuohy. Salvo la composición de Bullock (Que le valio el Golden Globe y el SAG) el film tiene muy poco que ofrecer, solo el relanzamiento actoral de la actriz en franca comunión con el drama.

Sitio Oficial

DISTRICT 9
¿Estaría nominada District 9 si no fuera Peter Jackson su productor? Con mucho más que The Blind Side, se las arregló silenciosamente para acercarse a 4 nominaciones. De todas maneras la película de Neill Blomkamp (Relacionado mas a los FX en series como Smalville y Dark Angel que a la dirección) fluctúa entre lo bizzarro y la profecía de un mundo coexistente entre humanos y alienígenas (menos dotados que los humanos) agrupados en ghetos que manejan negros traficantes de lo que sea. District 9 es otro entretenimiento con mucha estética doc. a lo Cloverfield pero con mas propuesta visual y menos moral.

Sitio Oficial

AN EDUCATION
Grandiosa película independiente británica sobre el aprendizaje de una adolescente del sur de Londres entre la esquemática educación inglesa forjadora de caracteres y la ebullición ambiental de los sesenta, representada por un joven arribista snob que proporciona lo prohibido inmerso en la corriente de permanente límite moral. An Education es una distinguida película que va a tono con los premios, equilibrada y provocativa a la vez.

Va por tres nominaciones: Mejor película, Mejor actriz principal, y mejor guión adaptado. A pesar de sus dotes, solo en el último rubro tendrá alguna oportunidad.

Sitio Oficial

THE HURT LOCKER.
La película de mejor recorrido y la que puede convertirse en sorpresa. La película de Kathryn Bigelow con solamente 11 millones de dólares compite palmo a palmo con Avatar con la misma cantidad de nominaciones. Mas allá de números, The Hurt locker es una película de tensión extrema y un estudio pormenorizado de las patologías de la guerra y las consecuencias de la reincorporación social.

Ver reseña aquí.

Sitio Oficial.

INGLORIOUS BASTERDS
Simplemente QT y toda su estructura narrativa de escenas/historia.

Asegurado el premio a Christoph Waltz como mejor actor de reparto.

Sitio Oficial

Pasaje de Guión.

PRECIOUS: Based on the Novel 'Push' by Sapphire

Ver en blog análisis.

Sitio Oficial

A SERIOUS MAN
Lo último de los Coen, una extraña comedia surrealista caracterizada por la duda existencial de un ser casi insignificante entre el judaísmo y lo inabarcable. Hermética para algunos, caústica y desopilante para otros, los Coen están entre nosotros. Sin crear un film masivo dentro de su estilo irrepetible nos llevan al extremo kafkiano hacia rincones sórdidos.

A Serious Man es pequeña a comparación de su filmografía, pero al parecer es como una asignatura pendiente que los hermanos tenían, y se dieron el gusto a pesar de reducir considerablemente su platea.

Sitio Oficial

UP IN THE AIR
Exquisita comedia dramática sobre un Corporate Downsizing (Un motivador a la inversa que anuncia el despido a empleados) que vive de estado en estado, sin mas preocupación que acumular millas y tener algún que otro affair entre aeropuerto y espera, mientras sin el mas remoto remordimiento es el portavoz de los tiempos de despidos masivos y depresión económica. El film es el exponente de cómo la sociedad americana regurgita sus males o pesares y como la culpa llega y se queda, cuando el instrumento en que se ha convertido el personaje, se humaniza en su viaje azaroso hacia el regreso a sus fuentes. Estupenda, si hiciera un Oscar personal, seguramente sería la gran ganadora, pero… tiene bastante por ahora, 6 nominaciones.

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UP
Seguramente se lleva el Oscar a la mejor Animación pero también está con el lote más importante. UP es una obra mayúscula atesorada por los más pequeños pero con un gran guiño adulto.

Un anciano persiguiendo un sueño obtuso y un niño intentando recomponer su autoestima. Cargada de vida, es una joya de la animación. Imprescindible.

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NOMINADA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA.

No puedo dejar de nombrar nuestra gran nominada. felicidades Juan Jose. Señores, El Secreto de sus Ojos, nominada al Oscar 2010, Mejor película Extranjera. Un Orgullo.

Analisis del Blog

Sitio Oficial

El Actor Frente al Guión Cinematográfico: un taller revelador para el actor que quiere incursionar en el cine.

2010-01-27T17:38:00.006-03:00

Es obvio que un actor puede reconocer un buen personaje, pero ¿puede reconocer una buena historia cinematografica? Es posible también, intuitivamente la naturaleza del artista lo prepara para el desafío. Pero, con herramientas estructurales va mas allá de la intuición, y puede, en todo caso, fundamentar la elección del personaje y del proyecto. Todos sabemos que un buen personaje se dilapida en una historia mal construida. Muchas veces el actor sabe que no funcionará a pocos días del rodaje.

Otras veces el actor se obnubila por algunas situaciones del relato y solo por eso está dispuesto a representarlo. Pero existe un todo, un tiempo y espacio ficcional mas amplio que va a cobijar al personaje. Entonces debe saber como se estructura el relato cinematográfico y dejar de lado las apetencias personales, eso favorecerá el momento del rodaje, cuando ya inmerso en la vorágine de la realización discontinua del cine no perderá el timing del desarrollo interno de su criatura.

En definitiva, un actor que pretende incursionar en el cine debe saber como un guionista construye el guión cinematográfico, una herramienta de trabajo muy diferente, en su dinámica de exposición espacio-temporal al texto teatral.

Para concretar, con el taller conocerás:

Como testear el arco dramático de un personaje.
Cuales son las técnicas más eficaces para comprobar la tridimensionalidad del relato.
Como se revelan los impulsos del personaje en los Actos Cinematográficos.
Como diseñar Back Storys.
Funcionalidad e intención del diálogo.
Como hacer un Coverage de un guión cinematográfico para determinar su potencial.
Timing e intención de escena.
Composición del personaje integral – cuadro de normativas del trip existencial y emocional –
Caracteres y normativas.
Diferenciar el High concept de la historia.
Y mucho más respecto a la relación entre personaje e historia.

Data:
Marzo. 2010 (Fecha a confirmar)
Colegio de Abogados de Quilmes – Alvear 414 – Quilmes
Duración: 1 cuatrimeste
Instructor: Fabián Iriarte
Costo: $ 100 por mes.
Preinscripción y consultas: jadefilms03@hotmail.com
Info adicional:

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

2009-12-31T11:38:00.011-03:00

Por Fabián Iriarte

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire, es uno de los acontecimientos independientes del año y posiblemente tendrá una carrera de éxitos merecidos. La historia de una adolescente del Harlem analfabeta y maltratada por su madre es un drama producido por Oprah Winfrey muy proclive a enmarcar desde su programa este tipo de parásito social anquilosado en los desposeídos y traducido en violencia doméstica feroz.

Mas allá de los designios de Winfrey la película de Lee Daniels tiene vida propia, tiene personalidad y genera una discusión eterna: Contención versus Prevención.

Precious tiene para destacar herramientas narrativas genuinas. Gabourey Sidibe es una obesa adolescente de raza negra con una hija con el sídrome Down y un embarazo que complica su vida corriente como estudiante, lo que provoca su reasignación escolar en otro establecimiento.

Su madre ( La sorprendente Mo’Nique seguramente ternada para los Oscar) descarga sus frustraciones infundadas sobre la enorme Precious (Auto apodo que proviene de la proyección imaginativa de su alter ego ficcional) quién ha perfeccionado un mecanismo de evasión mental donde es una estrella rutilante que brilla ante las miradas embelesadas de sus incontables admiradores.
Con esta constante el film se mueve entre el realismo mas descarnado y un paisaje mental exuberante y redentor, mecanismo que hace de Precious un ir y venir secular de intensa interacción y empatía que lleva a descubrir a un ser preso de su físico desfavorable, que como efecto primario, solo obtiene discriminación y abuso permanente (Algo así como el padecimiento físico-emocional de The Elephant Man) que carga sobre sus hombros un dolor humano inimaginable hasta el extremo. Más allá de la compasión que genera de forma inevitable, lo realmente importante es su proceso hacia la liberación espiritual, germen que ha cultivado aun bajo las presiones más contundentes, para que algún día, alguna circunstancia que desconoce pueda concederle una cierta purificación.

Es un camino del héroe invertido, cuando mas se acerca a su ideal en la realidad más desaparece su proyección metal de aquellos sueños imposibles pero redentores que su propia mente se encargaba de producir. Un proceso externo e interno construido por Daniels con maestría y sensibilidad. Como dato intervienen con justeza dos cantautores como Lenny Kravitz y Mariah Carey. Precious es una historia para querer y no olvidar, un momento para la reflexión y para la discusión, es todo lo que puede y debe dar una buena historia.

THE WHITE RIBBON. La obra maestra de Michael Haneke

2009-12-14T16:54:00.012-03:00

THE WHITE RIBBON
Por Fabián Iriarte

Estuve madurando la idea que tal vez The White Ribbon (Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte) sea para Michael Haneke lo que Fanny & Alexander significó para Bergman, en este caso un temprano testamento fílmico.

Ambas consolidan las constantes obsesiones temáticas de cada realizador y apuestan a la estructura coral para exponer los diferentes caracteres y patologías del dolor y del sufrimiento. De esta manera forjan una definitiva síntesis de toda una obra. Bergman, el maestro sueco, extirpa los remanentes del alma para autenticar que el humano es un ser menos atento a la razón que a los impulsos y más consagrado a instaurar en su epicentro las contradicciones que redefine la especie. Haneke asegura que el ser humano tiene en su naturaleza, una urgente tendencia maliciosa y que él mismo está predispuesto a fundarse como ejemplo construyendo su obra en base a ese principio. Haneke atesora los extremos tanto como su coterráneo y vecino de Munich, Werner Herzog. Ambos están siempre dispuestos a inmolarse en pos de sus discursos narrativos.

En The White Ribbon lo coral potencia la recurrencia temática. Un poco mas lejos de la desgarrada brutal y explícita narrativa de Benny's Video donde un niño bautiza su instinto asesino al ver matar a un cerdo y decide retratar la muerte en directo en un video, pero esta vez… con un humano. O el sádico juego de muerte que somete a una familia hasta extremos insostenibles en el Funny Games alemán. Sin dejar pasar la autodestrucción masoquista de una pianista sodomizada por sus miedos y miserias en La Pianiste, hasta llegar en Caché al miserable pasado que inunda el presente de una familia de profesionales de aparente vida controlada, cuando un video (Otra vez el registro directo contemporáneo mas efectivo) irrumpe en su hogar guardando incógnitas y sospechas oscuras y censurables.

En The Withe Ribbon la acción tiene lugar en un pueblo alemán en los quince meses que precede la Primera Guerra Mundial. Entre las personas que viven allí hay un barón que es un hacendado dominante y una aparente autoridad moral irreprochable, un pastor con gran cantidad de niños, algunos bastardos por cierto, un doctor viudo con una sospechosa relación con su hija y un maestro que asume un romance casto y virginal con una campesina y que narra la historia en primera persona, con la distancia del presente pero con el detalle del ayer.

En esa aldea la maldad aflora cuando cierta cantidad de sucesos se desencadenan bifurcando lo doméstico y su eterna anestesia pueblerina. Si bien algunos parecen de factura inocente, los sucesos siguen su curso y el grado de execración aumenta sistemáticamente: una mano desconocida abre una ventana para exponer a un bebé recién nacido al intenso frío del invierno. Un campo entero de coles, en la tierra del barón, es destruido por una guadaña, hasta un niño disfuncional es encontrado en el bosque con una nota muy cercana a una venganza de carácter divino que arrasará el lugar como un apocalipsis purificador.

La comunidad se acusa entre si y la tempestad está lista para desatarse. Haneke sintetiza los tiempos que vendrán en algunas escenas impactantes construyendo la humillación mas atroz que un ser humano pueda propinarle a otro cuando El Doctor extermina con palabras lacerantes a su segunda esposa o cuando el Pastor encierra y ata a su hijo después de confesar su recurrente rito masturbatorio. El mismo pastor decide atar una cinta blanca a sus otros hijos como perpetuando una promesa de pureza que la historia terminará por desmitificar. Según Haneke “El absolutismo se convierte en terrorismo. Aunque esta película no es sólo sobre el fascismo, por mucho que haya sido ambientada en Alemania. La gente puede decir que habla sobre los nazis, pero es un problema que afecta a todos”.

Su historia inicia la raíz del odio en un ámbito aislado (También había tratado el aislamiento en Le temps du loup) que se propaga mas allá de los límites aldeanos en las formas del absolutismo que todos . No es casual que la propuesta de Haneke señale que el individuo en aislamiento es mas propenso a construir vallas morales y totalitarias propiciando un cultivo epistolar e inmediato que el que pueda apreciarse en las ciudades, donde, de todas maneras, la tipología llegará con las consecuencias históricas de público conocimiento.

Haneke además agrega “A los niños se les imponían valores absolutos. Los principios absolutistas son, por definición, inhumanos. Y los niños siguen estos principios al pie de la letra, castigando a los que no viven en función de su ideal. Quería hacer una película sobre cómo todo ideal se pervierte. Siempre me ha gustado crear en el cine la libertad que se tiene cuando se lee un libro, donde se dan infinitas posibilidades imaginativas. Las imágenes van surgiendo en tu mente. Y he rodado en blanco y negro, no sólo por mantenerme fiel a las imágenes de la época, sino porque quería usar una voz narrativa distante. Buscaba romper con las convenciones del mundo real”.

Finalmente el film va tejiendo dentro de las improbables aristas que provoca la conducta, la representación de la raíz del mal, del odio y la discriminación, una idea más cercana a la infancia que a la adultez, dedicada a nutrir los principios afines al rigor y la intolerancia para acallar sistemáticamente las voces mas libres. Haneke enmarca el concepto de lo humano como la especie mas destructiva por naturaleza cuando una niña decapita con una tijera un pájaro y sustituye su cabeza con la misma tijera formando una cruz cristiana.

Una obra total, compleja, referencial, caustica, simbólica y tal vez premonitoria. Para preguntarnos que tan lejos o cerca estamos o, en todo caso, como podemos empezar a salir de esto, siempre y cuando el ser humano esté dispuesto. ¿Lo está?

“De virtud hay una especie, de maldad, muchas”. Platón.

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SPIRIT AWARDS 2010: Lo Mejor del Cine Indie Norteamericano

2009-12-13T20:29:00.012-03:00

SIN NOMBRE

Sin nombre es un un thriller épico - dramático escrito y dirigido por el director Cary Joji Fukunaga, triunfador en Sundance. Adriano Goldman, nos retrata la realidad que viven cientos de inmigrantes centroamericanos que dejan su país en la búsqueda incierta y muchas veces riesgosa de un futuro más promisorio.

Sin nombre cuenta la historia de Sayra (Paulina Gaytán), una adolescente hondureña, hambrienta de un futuro mejor, que decide emigrar a Estados Unidos junto con su tío y su padre, quien ahora tiene una nueva familia, pero en el camino se involucrará con un miembro de la MARA Mexicana.

THE LAST STATION

Tolstoi (Plummer) se encuentra refugiado en su finca de Yásnia Poliana. Su vida se apaga lentamente mientras su esposa Sofía Andréievna (Mirren) y su principal discípulo, Vladimir Cherkov (Giamatti), se disputan el legado del autor.

Enfrentado con sus allegados, Tolstoi trata de escapar de su hogar, pero su avanzada edad y su frágil salud únicamente le permiten llegar hasta la estación ferroviaria de Astapovo, donde su vida se extingue lentamente

CRAZY HEART

Un cantante de música country intenta recomenzar su carrera, ayudado por una periodista joven e idealista que lo impulsa para que salga del pozo al que llegó.

La historia está tomada de la novela escrita por Thomas Cobb. La película, que protagonizan Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal y Robert Duvall, es la primera obra que dirige Scott Cooper.

El film se perfila como un gran drama y una moraleja sobre la fuerza de espíritu, puede ser la oportunidad de Bridges de alcanzar el Oscar que tanto espera.

A SERIOUS MAN

Larry Gopnik, un profesor de matemáticas judío que sufre las calamidades existenciales de una familia judía en Minneapolis a finales de los sesenta.

Su vida se desvanece tras una serie de eventos que se bifurcan en una crisis existencial y espiritual.
Su esposa Judith quiere el divorcio judío para poder casarse con su amigo Sy Ableman.

Su hermano Arthur, genio matemático vive con ellos durmiendo en el sofá por falta de recursos y habilidad para cuidarse a si mismo, su hijo adolescente Danny hurta de su billetera para comprar marihuana y Sarah, su hija, le hurta para pagarse la cirujia nasal que planea realizar.

AMREEKA.

Amreeka, América en árabe, es la experiencia contemporánea de una inmigrante palestina a Estados Unidos, marcado con tragos amargos, y un buen sentido del humor. Muna lleva años solicitando una green card, vía una lotería -asumimos-- y al tiempo que el ejército de este país logra entrar a Bagdad aceptan su petición. Con familiares en un pueblo pequeño de Illinois y dos títulos profesionales, deja todo atrás y con toda razón: su patria está ocupado, su marido la dejó por una mujer joven y delgada, y el futuro de su único hijo es incierto.

Sin embargo, su ingenuidad y el poco conocimiento de la realidad estadounidense, le ocasionaran varios problemas, que comenzarán desde su llegada al aeropuerto. En pocos días Muna, se dará cuenta que el sueño americano, está más allá de su propia fuerza y enorme sonrisa.

PRECIOUS. Based on the Novel Push by Sapphire

Clareece “Precious” Jones (Gabourey Sidibe), una adolescente iletrada y con sobrepeso, vive en el seno de una familia disfuncional de Harlem. Abusada por su padre, quien la deja embarazada dos veces, y con una terrible relación con su madre (Mo’Nique), es invitada a asistir a una escuela alternativa, donde buscará refugio de su terrible realidad e intentará cambiar su vida de dirección.

La película incluye la participación de músicos como Mariah Carey, Lenny Kravitz y Paula Patton, en personajes secundarios.

EL SECRETO DE SUS OJOS, O Como Conectar Con El Público Con Una Historia Bien Contada

2009-11-18T23:06:00.008-03:00

Por Fabían Iriarte

Permítanme ante todo construir significados con mis sensaciones. Para valorar lo que vi y no decir más de lo mismo quiero hacer un poco de historia adecuando el contexto cuando aquellos días la muletilla más incómoda de nuestro cine inauguraba el llamado nuevo cine argentino.

Hace mucho tiempo que quiero escribir sobre ese mote, tanto como desde que regresé al país.

El Secreto de sus Ojos funcionó como una catársis después de tanto divorcio. Esta es la necesidad de decir pero también de separ esta obra de todo aquello anterior. Así de trascendente es. Retrocedamos un poco para entender.

Desde el día que una productora joven me dijo que ellos (los jóvenes entre 20 y 25 años acreditados automáticamente para formar parte del movimiento) eran el nuevo cine argentino y que estaban dispuestos a reformular todo lo que se había hecho antes yo no dejé de pensar en el peligroso significado. Sea lo que sea que fuese se encargaron sistemáticamente de alejar al espectador vernáculo de cualquier obra argentina. Tanto que hoy, en una encuesta que hace el INCAA, pregunta si considera el cine argentino aburrido. El modelo perimido ha carcomido las entrañas con una estrepitosa neurósis cinética.

Más atrás en el tiempo leí como Lisandro Alonso y uno de los Ortega (Me confundo quién es quién, ¡Qué mas da!) blasfemaban sobre los espectadores que no entendían sus películas. En la misma revista algunos directores especificaban pormenores de cómo hacer una opera prima junto a productores que lo habían logrado, pero lo que no decían era, que sus películas apenas habían llegado a la suma de 5.000 espectadores y anidaban en los espacios INCAA o en una sala alternativa los viernes a las 23 hs.

Al mismo tiempo, lo críticos alentaban las producciones que sustituían las historias por el sopor contemplativo de horizontes y pianos que bosquejaban notas como cantos rodados, cuando no alternaban con un solemne violín que lo hacia todo mas insoportable.

Se ha vilipendiado más de una vez el concepto de arte cuando se enaltecía algunas de esas propuestas hasta esos niveles. Hoy esos mismos críticos hacen la salvedad del “no es para todos” para justificar lo injustificable.

No te impacientes, ya voy con El Secreto... pero creo que es importante destacar que probablemente tengamos un antes y después, y es importante reconocer el antes.

Soy un fiel defensor de las historias,
del storyteller, pero estaba viviendo la era de la no historia. En el mejor de lo casos, se grababa el primer borrador de un guión o ni siquiera se tenía uno. Se improvisaba y se pretendía el salvoconducto de una edición liberadora, se maquillaba el discurso y todos debíamos hacer el esfuerzo de acarrear ese gesto al nivel de una película. Ah, le decían búsqueda. Pero no. Vi como un hachero cortaba un árbol durante 10 minutos, como un parrillero tardaba siete minutos en hacer un sanguche de chorizo, o como tardan los personajes en responder un simple ¡Hola! o no se que de un niño pez en alguna parte.

El Secreto de sus Ojos, nos trae el viejo buen cine argentino y además amigos míos quiero confesarles que El Secreto de sus Ojos ha redimido el cine argentino con la simpleza de una historia notablemente contada, con las líneas de sus diálogos precisos y calculados y el trabajo tan espinoso de la emoción. Hay carnadura y los personajes se debaten en el universo del drama contemporáneo en un escenario tan particular como nuestro bendito país.
A nuestra sociedad le encanta calificar, ponerle nombre o apodos a las cosas, o entronizar mártires, mitos y venerar al piola. El Secreto... se recordará como la película que demanda al cine nacional la tarea de restituirnos las historias mas entrañables, y es en ese sentido inclasificable por su efecto masivo. De todas maneras alguien ya estará pensando en algo.

La película tiene identidad, aquella identidad que perdimos cuando quisimos parecernos más al cine de Antonioni de los sesenta o a las modas Iranís u Orientales, que ciertos cineastas experimentaron entre historias de cárceles y miseria festivalera exportable. Algunos hasta se jactan de saber cine solo por pronunciar tres o cuatro directores orientales sin que la lengua se les trabe o citar un puñado de películas descubiertas junto a un profesor mas dedicado a la reiteración de viejos conceptos que a verificar la mirada de la refrescante narrativa contemporánea.
El Secreto de sus Ojos es una película de corte clásico pero con la frescura estructural de la fractura temporal. J.J. Campanella diseña personajes que ya no existen o en franca extinción como Benjamín y se debaten en la ironía de una sociedad complotada a llevar todo hacia orillas escabrosas y corruptas. Los personajes centrales de Campanella son moralmente intachables, es por eso que no existen, pero trabajan el deseo correspondido del público, es decir: cuanto daría por ellos. Mas allá de su vía crucis insostenible, de la epopeya insigne de torcer el desquicio que azota una sociedad, por lo menos terminan en paz con ellos mismos, aunque tal vez el precio de abandonar un amor tan fuerte por veinte años resulte acaso de un excesivo idealismo anacrónico.
El secreto… es una película querible, con personajes queribles y otros guiños que todos pueden conectar con la realidad nuestra de cada día. El elemento identificatorio que Campanella construye funciona en todos los niveles y queridos amigos, es nacional. Por fin.

LO QUE DEJO MCKEE: EL CLAUSTRO MÁS PRODUCTIVO DEL AÑO.

2009-10-05T15:45:00.005-03:00

Por Fabián Iriarte.

El primer registro emocional del taller nos lleva a calar primero en la experiencia más cercana a la disección certera de la conducta humana como instrumento primordial de la construcción de historias. Conocer, conocerte, conocimiento temático, conocimiento emocional todo hacia el inevitable Core Cognitivo. Todo está allí pero por alguna razón a veces la razón misma no lo reconoce.

Alguna vez Jean Claude Carriere en los pasillos de Screenplay Systems en Burbank, California, y en los primeros pasos serios de mi aprendizaje narrativo me dijo que todo se trata de CHR, las siglas que sintetizan el Conocimiento Humano Reconocible.

McKee califica y clasifica las herramientas emocionales a partir de la observación del mundo, de la universalidad del relato y pone al servicio del participante un Tour the force de cuatro días sustentado en la exposición de Showman a veces y devenido en Frontman (Momento mágico cuando interpreta El tiempo pasará como corolario de una pasión) otras, y que supo articular en sus seminarios a través del mundo entero.

McKee va directo al punto, es rudo, claro y un extraordinario storyteller oral, pero es cierto que el seminario necesita de una plataforma personal construida, no es lo mismo para los principiantes que para aquellos que han transitado ya por la escritura profesional. Son dos estados distintos pero no excluyentes. Para aquellos que ya hemos sido testigos de la transición Idea-Desarrollo-Guión-Film el seminario agrega la sustancia necesaria para rever proyectos, considerar herramientas con verificaciones más terrenales en cuanto a la lógica y justificación de la conducta y del alma humana.

McKee está mas allá de las fronteras formales de Syd Field, y del coloquial sistema Seger y mas cerca de la profundización narrativa de la construcción de un core congnitivo de Carriere. En tanto, la explicación de su consistencia estructural que él llama Spine Of Action certifica el estilo y la dinámica de la información del relato. Para aquellos que aun no han escrito largometrajes McKee es una especie de sistema dramático a experimentar. Pude escuchar por los pasillos ¿Pero… como lo aplico? ¿De que formato habla? O ¿Cómo empiezo a escribir? En realidad eso se responde de una sola forma: escribiendo. Por eso creo que la conexión McKee es mucho más rentable teniendo uno la maquinaria en casa y yendo a buscar las piezas que le faltan a la misma al seminario.

Pero eso es una apreciación totalmente personal, tanto como para pensar durante la exposición, que McKee llega de una manera excepcional, es visceral, es claro, es cine en estado solido pero incita las preguntas mas temibles y existenciales y genera una respuesta aunque de apariencia evidente, muchas veces subestimada; el arte de escribir para la pantalla es un arte sumamente complejo ¿Seremos capaz de convivir con él?

Fragmento del guión Inglourious Basterds: de como presentar personajes, géneros y estilos en un monólogo

2009-09-06T22:36:00.011-03:00

CAPÍTULO DOS
BASTARDOS SIN GLORIA

FADE IN

EXTERIOR. EN ALGÚN LUGAR DE INGLATERRA. DE DÍA.

Un grupo de SOLDADOS, formando fila y en posición de firmes.

El TENIENTE ALDO RAINE, un palurdo de las montañas de Tennessee,
pasa revista. Va alistando a los hombres que los alemanes
llamarán después “los Bastardos”. Hay una característica física•
que distingue al TENIENTE Aldo, una MARCA DE UNA SOGA en el
cuello. Como si en algún momento de su vida hubiera sobrevivido
a un AHORCAMIENTO.

La cicatriz no será mencionada en ningún momento.

TENIENTE ALDO
Soy el teniente Aldo Raine y estoy organizando un
equipo especial. y necesito conmigo a seis soldados.
Ocho soldados judíos y americanos.
Puede que hayáis oído rumores sobre la armada que
prepara para dentro de poco. Bien, nosotros saldremos
un poco antes. Saltaremos sobre Francia, vestidos
corno civiles. y una vez en territorio enemigo, como
grupo guerrillero camuflado, nos dedicaremos a una
cosa, a una sola cosa: matar nazis.
Los miembros del Partido Nacionalsocialista han
conquistado Europa asesinando, torturando,
intimidando y aterrorizando. Y esto es exactamente
que vamos a hacer con ellos. No sé vosotros, pero
aseguro que yo no he venido desde los malditos
Apalaches, tras cruzar ocho mil kilómetros de mar,
atravesar media Sicilia y saltar de un puto
aeroplano, para darles lecciones de humanidad a los
nazis. Los nazis no saben de humanidad. Son la
infantería de un maníaco asesino que odia a los
judíos, y hay que destruirlos.
Por esto, cada hijoputa que encontremos con un
uniforme nazi, va a morir.
Seremos crueles con los alemanes, y nos conocerán
nuestra crueldad. y dejaremos pruebas de nuestra
desmesurada crueldad en los cuerpos de sus hermanos
destripados, mutilados y desfigurados, que dejare
nuestro paso. No serán capaces de borrar jamás las
imágenes de crueldad a las que los sometimos con
nuestras manos, nuestras botas y nuestros cuchillos
y los alemanes sentirán aversión por nosotros.
y los alemanes hablarán de nosotros.
y los alemanes nos temerán.
y cuando los alemanes cierren de noche los ojos y el
subconsciente los torture por todo el mal que han
hecho, será el pensar en nosotros lo que los torture más.

El teniente se detiene y se los queda mirando a todos.

TENIENTE ALDO
¿Os suena bien?

Contestan todos a la vez:

TODOS
¡Sí, señor!

TENIENTE ALDO
Eso quería oír. Pero tengo una advertencia que hacer
a todos los aspirantes a guerrero. Cuando se pongan
a mis órdenes estarán en deuda. Una deuda personal
conmigo. Cada hombre a mis órdenes me deberá cien
cabelleras nazis. y quiero mis cabelleras.
y cada uno de vosotros me va a traer cien cabelleras
nazis, arrancadas de las cabezas de cien nazis
muertos ... o morirá intentándolo.

CORTE A

EXTERIOR. CHALET EN LO ALTO DE UNA MONTAÑA. DE DÍA.

Un enorme chalet en lo alto de una montaña, en Baviera.

APARECE SUBTÍTULO:

“BERCHTESGADEN, BAVIERA”
(REFUGIO PRIVADO DE HITLER)

INTERIOR. BERCHTESGADEN. DE DÍA.

En una gran habitación, ADOLF HITLER descarga un puñetazo en una mesa enorme
, a la vez que despotrica contra DOS GENERALES alemanes

SUBTITULADO en CASTELLANO:

HITLER
¿Cuánto más tengo que aguantar de esos cerdos judíos?
¡Están masacrando a mis hombres como si fueran
carnada para pescar! Esa pandilla de inmundos
degenerados están haciendo lo que el ejército ruso no
hizo nunca, lo que el ejército de Patton no pudo
hacer. ¡Están convirtiendo a los soldados del Tercer
Reich en viejecitas supersticiosas!

Recomendado: El cine indie de subsistencia, valor y tragedia

2009-08-31T11:05:00.009-03:00

Por Fabian Iriarte

DEAD MANS SHOES
Cruda en el reflejo conceptual, donde propone la tesis del cruce de dos guerras, la que deja un soldado para vengar a su hermano disfuncional maltratado por los malvivientes de un pueblo y la de la sociedad caminando por la zozobra del desempleo, el alcohol y la brutalidad incipiente.

Parece una de venganza común y corriente pero no lo es. La película de Shane Meadows, el mismo de la irritante y caustica This is England, toca fibras íntimas del presente y el pasado que abre heridas sin solución de continuidad.

Sitio oficial: www.imdb.com/title/tt0419677/

HALF NELSON
El descenso a los infiernos de las drogas de un profesor de historia en una escuela primaria. Es inevitable comparar a Half Nelson con Entre les murs la película francesa, no por su parecido sino por sus diferencias.

Half Nelson cuestiona la realización personal de un buen profesor de historia Dan Dunne como un ser disociado de toda propuesta personal.

Una alumna, Drey, asume la responsabilidad humana de sacar a Dunne del pozo estableciendo una madura relación de compasión y homenaje. Extraordinario trabajo de Ryan Gosling que le valió una nominación al Oscar, la película de Ryan Fleck arrasó con cuanto festival de cine independiente se ha presentado.

Sitio oficial: www.halfnelsonthefilm.com

LOS BASTARDOS.
La película de Amat Escalante cautiva por sus atmósferas recurrentes que provocan luego de ver el film una especie de aflujo visual (En el mejor sentido del drama) que perdura durante un tiempo más que prudencial.

El registro de la vida de Jesús y Fausto en apenas unas horas va desde el tedio y la desazón de dos indocumentados mexicanos en el este de Los Angeles al delito mas brutal.

La sensación de lo imperturbable del destino de una basta comunidad que sirve pero no se sirve del plato de la igualdad. Dura, inexorable, cautivante.

Sitio oficial: www.bastardos.com.mx

SUNSHINE CLEANING
Entre la comedia negra y el drama rural, Christine Jeffs construye sobre la base caracterológica que supo conseguir Thelma y Louis con mujeres atrapadas dentro del síndrome de las desangeladas, incomprendidas y postergadas.

Las hermanas Rose a Norah se arriesgan a un trabajo poco ortodoxo: La limpieza de las escenas de crímenes. Entre la cultura popular y el desenfado Sunshine Cleaning propone una vez más una extraordinaria actuación de Amy Adams (Doubt) secundada por la ascendente Emily Blunt, entre el concepto de vivir a costa de los restos de una sociedad peligrosamente violenta.

Sitio oficial: www.sunshinecleaning-themovie.com

Lo que vendrá: AVATAR: la revolución tecnológica que promete cambiar al cine (¿O al espectador?)

2009-08-31T10:51:00.006-03:00

Por Fabián Iriarte
Las nuevas tecnologías siempre devienen en la traslación entre lo experimental, lo oneroso y el camino que deben recorre hacia lo masivo. Ante tanta jactancias de los efectos que Avatar dice provocar sobre el espectador yo me reservo el lugar de la duda.

Que el cine va a cambiar para siempre es lo que opina un gran sector del los que analizan Avatar, la nueva película de James Cameron, pues dicen que tiene poder para alterar la mente del espectador que la vea, hacerle experimentar como en un sueño.

Bien, hoy el espectador promedio le dedica menos tiempo de razonamiento a los resortes lógicos y justificantes de una historia que al propio acontecimiento. Pasando en limpio, hoy importa más la bomba que los motivos por que fue activada. La lectura visual se transforma, y me temo que Avatar llegará para instaurar definitivamente las sensaciones ante que las emociones genuinas de lo procedente en cualquier manifestación reconocible de lo humano. ¿Será James Cameron aquel que instaure en la realidad lo que ha pregonado en sus historias? ¿Iremos inexorablemente hacia al progresivo abandono de las historias de contenido para ocupar un asiento en una montaña rusa virtual?

Algunos neurólogos ya se han aventurado a afirmar que esta forma de ver cine estimula partes del cerebro que no son ni tangencialmente activadas con el 2D. Testigos menos académicos aseveraban que les había dejado con sensaciones de "anhelar más", poco menos como si se tratara de una droga de elevado poder adictivo. ¿Simples exageraciones? En todo caso, haciendo gala de estos elementos no hago más que preocuparme.

Lo que está claro es que nada tiene que ver con el 3D convencional sino que se trata de una nueva tecnología basada en una cámara con dos ojos (lentes) en lugar de uno, o de las dos cámaras del 3D tradicional. Un especie de réplica de nuestro sistema ocular y de cómo éste genera la captación del 3D en la vida real. Para ello, las gafas de dos colores, serán sustituidas por una especie de gafas polarizadas de aspecto más "cool" (¡un aderezo de estética casi siempre intensifica el placer!).

Deslumbrados por la experimentación del espectador, que más que someterse a recursos de efectos sorprendentes como los del 3D convencional dicen que se sentirá tridimensionalmente rodeado e inmerso en el ambiente de la película, los visionarios no se cortan al afirmar que Avatar representará para el Cine un avance equivalente a la llegada del sonoro o del color.

¿Sera?

Trailer: www2.avatarmovie.com

Lo que vendra: Lo nuevo de Martin Scorsese y Los Hermanos Coen

2009-08-02T20:23:00.009-03:00

SHUTTER ISLAND

Sobre una novela de Dennis Lehane (autor también de ‘Mystic River’ y guionista ocasional de la fenomenal serie ‘The Wire’), trata sobre dos policías que investigarán un asesinato en un hospital psiquiátrico.
‘Shutter Island’ es lo nuevo del gran Martin Scorsese, y su historia está ambientada en los años 50, un U.S. Marshall seguirá la pista de un asesino que se ha escapado del psiquiátrico en el que se encontraba recluido, ocultándose en la isla del título.
Se filmaron muchas partes en el estado de Massachusetts viejo el hospital mental en Medfield, MA

Cast:
Leonardo DiCaprio/Teddy Daniels
Mark Ruffalo/Chuck Aule
Ben Kingsley/Dr. John Cawley
Emily Mortimer/Rachel Solando
Michelle Williams/Dolores Chanal
Max von Sydow/Dr. Jeremiah Naehring
Jackie Earle Haley/George Noyce
Elias Koteas/Andrew Laeddis
Patricia Clarkson

Si los vientos nos favorecen y no nos ataca ninguna pandemia llegaría a la Argentina una semana después del estreno en USA. La esperamos para el 8 de octubre 2009.

A SERIOUS MAN

Llegan los Coen nuevamente resaltando el marco de la comedia negra .La película está ambientada en St. Louis Park, Minnesota, en el año 1967, con un presupuesto de 7.000.000 USD intenta de alguna manera reflejar la infancia de los hermanos Coen de la forma en que ellos la recuerdan, agreguen una dosis de ironía y desenfado.
Larry Gopnik, es un profesor academico judío que vive en un barrio judío de clase media en las afueras de Minneapolis, los Coen centran La historia en la lucha espiritual y existencial de Gopnik cuando su esposa Judith contempla la posibilidad de dejarlo por su colega Sy Ableman. Para mayor sufrimiento, su inútil hermano Arthur vive en su propia casa, es un paria poco afortunado. Larry comienza a cuestionar el valor de su vida, a la vez que soporta estos asuntos y otros que se suman como su hijo, Danny, que roba dinero de su billetera para comprar marihuana y su hija, Sarah, que le roba para financiar su cirugia de nariz, un estudiante que intenta sobornarlo para pasar de grado y lo amenaza con demandarlo; y una vecina que llama su atención. Larry pide consejos a tres rabinos distintos en el intento de resolver sus problemas y convertirse en un hombre devoto para soportar su inevitable carga.

Cast.

* Michael Stuhlbarg: Larry Gopnik
* Sari Wagner Lennick: Judith Gopnik (esposa de Larry)
* Richard Kind: Arthur Gopnik (hermano de Larry)
* Fred Melamed: Sy Ableman
* Aaron Wolff: Danny Gopnik
* Jessica McManus: Sarah Gopnik
* Adam Arkin: Don Milgram
* George Wyner: Rabbi Nachter

Estreno: 2 de octubre USA/ 2010 Argentina

Recomendado: The Hangover. Lo consciente resolviendo los despropósitos del subconciente

2009-08-01T15:09:00.008-03:00

Hacia mucho que no le dedicaba tanto tiempo a una comedia, posiblemente desde Animal House (visionada unas 34 veces) y desde The Blues Brothers (Unas 43) nada había llamado mi atención como para una exploración. Ahora bien, debemos decir en principio que The Hangover reune lo mejor de la comedia americana y que se sustenta en la tipología del Buddy Guys Movie (Films de amigos generalmente en desgracia y perseguidos) y que desde la unión de varios referentes y tópicos se las arregla para disimularlo todo con sello propio.

The Hangover usufructúa el desenfreno sarcástico de Raising Arizona, el viaje sincrético de Sideways , la paranoia alucinatoria de Cheech and Chong's - Up In Smoke, y un emblemático episodio de The Simpson donde Flanders y Homero en una juerga trasnochada de alcohol juran amor eterno en una iglesia a dos desconocidas de dudosa procedencia.

Pero vale aclarar que The Hangover tiene vuelo propio, y del mejor. Estructurada con signos mas convenientes del Thriller pero asumiendo los roles de la comedia alocada cuenta la historia de la despedida de soltero de Doug en Las Vegas, secundada por Phil, un carilindo profesor de fast life mode, Stu un aburguesado marido sometido y Alan, el hermano de la novia, indultado tempranamente por la fortuna de los padres pero con un descaro anarquista mas de los sesenta entre el Dude de Jeff Bridges en The Big Lebowski y las violentas indecencias de John Belushi en Animal House.

Todo se complica cuando una noche Doug desaparece y los demás aparecen en la habitación de un hotel de lujo encerrados con un tigre, un bebe de meses, un diente menos y una resaca monumental. Nadie se acuerda de nada, pero todos se acuerdan de ellos.
Entre las capas de comedia del absurdo y el trazo grueso, la intención narrativa se apodera de la premisa de la búsqueda del consciente hacia las respuesta inalcanzables del subconsciente, y como es de esperar todo se reconstruye con múltiples obstáculos a manera de brainstorming asociado con el espectador, mientras paulatinamente todo converge hacia los minutos finales, donde todo es asociado definitivamente con un extraordinario montaje fotográfico que explora la catarsis mas primitiva de los personajes.

Varias escenas para recordar durante algún tiempo: La aparición de Mike Tyson y su ostentosa relación con un tigre es una película aparte, la participación de Ken Jeong como Mr. Chow, especie de Yakuza homosexual de gran irritabilidad y lenguaje físico enervante, no tiene desperdicio. The Hangover se desplaza suelta de cuerpo con algo más que las últimas comedias americanas, explora en un subtexto tan importante como su razón principal sobre lo que llevamos dentro, sobre las pocas posibilidades de expresar y sobre la instintiva naturaleza humana, condición implacable y reveladora de nuestros asuntos pendientes.

Recomendado: el cine de David Gordon Green, hacia las entrañas inapropiadas de América

2009-07-17T16:45:00.020-03:00

La pandemia hizo que un taller de cine independiente americano que debia dictar se suspendiera, lo que quedó sin embargo es la investigación que me llevó a una urgente necesidad de sintetizar el movimiento. Dentro del espectro independiente experimental que va desde Andy Warhol, Kenneth Anger, Robert Nelson, Jonas Mekas, Tony Conrad, enunciados desde una curtiembre mas lisérgica hasta el primer Cassavetes de registros sociales _ o multirraciales - o el primo americano wenderiano de Jim Jarmush o la desesperanza amarga y disfuncional de Tood Solonz, Noah Baumbach, Spike Jonze, Todd Haynes cosquilleando de costado a un Steven Soderbergh temático pero con presupuestos insignes. Que se entienda bien, es síntesis y en esa síntesis entronizando lo más destacable me detengo en David Gordon Green.

Nuestro hombre nace un 9 de abril de 1975 en Little Rock, Arkansas, USA y se gradúa en el Richardson High School de North Carolina School of the Arts, donde finalmente se recibe de director cinematografico. Hoy vive en New Orleans.

Muchos comparan este director con el trabajo de Terrence Malik y no le queda nada mal el mote pero yo me atrevo a decir que es el Tarantino del drama. Su construcción epidérmica de caracteres con microhistorias inexorables y diálogos que concentran el ser lindante – despojado generalmente del contacto mundano de las grandes urbes – lo caracteriza y me convida la comparación. Mas allá de este espejo antojadizo y personal ¿Que es lo que llama la atención de este cineasta? Bien, por partes, Gordon Green tiene un profundo conocimiento de la gran periferia americana, del universo beligerante de los olvidados y desde allí construye o cimienta una profundidad caracterológica compleja, diseccionada desde sus contradicciones elementales mientras sub e la cuesta sin pausa hacia la cumbre de la catarsis inevitable.

Siempre atento a la mixtura visual del olvido o residuo rural como contraparte de una naturaleza que sucumbe al trajinar esperpéntico del hombre y su necesidad de autodestrucción a corto plazo. Su primer film George Washington, estructurado entre la experimentación académica y los principios rigurosos de Green en North Carolina donde un muchacho negro llamado George y sus amigos presencian la dolorosa muerte de su amigo Buddy y se convierten en cómplices de una sombría mentira. Días después decide convertirse en un esbozo ensoñado de superhéroe renegado de su entorno vacuo y decadente.
George decide inmolar su condición de niño por un escape glorioso entre tanta desidia, inacción e impericia pueblerina. El tránsito caótico entre inocencia y el mundo adulto sin estaciones intermedias.

En el 2003, Gordon Green realiza All The Real Girl dilatando el tono pueblerino de George Washington, pero escenificando con gran pericia las contradicciones humanas en las relaciones amorosas, cuando Paul un consumado gigoló de pacotilla arriba a Noel, la hermana de su mejor amigo. Noel es la muchacha pura y casta, Paul un lobo contenido, Green logra establecer la tensión sexual desde los primeros minutos y con una premisa simple construye una maraña de acontecimientos con otra de sus armas letales, la imprevisibilidad. Todos los universos personales se trastocan para que el espectador tenga que transponerse e instaurar nuevos puentes de cruces emocionales.

Otra de las vertientes de Green, lo imprevisible y el reordenamiento moral constante. De Marshall, North Carolina, donde transcurre All The real Girl vamos a Savannah, Georgia, donde transcurre Undertow (2004) un drama familiar en tono de psychotics road a lo The Night of the Hunter (1955) donde un padre y sus dos hijos son victimas de la codicia desenfrenada de un tío ex convicto que enluta un paisaje recóndito y espectral y genera una feroz cacería de efectos indeclinables. Otra vez la pérdida de la inocencia y el paso vertiginoso de la niñez hacia la adultez incómoda y dolorosa. Undertow es un viaje doloroso de desposeídos, una coalición sombría de desintegración familiar que hace eclosión con su próxima película Snow Angels (2007), donde tiende mas puentes de desintegración marital y establece, quizás, uno de los límites de su constante moral pueblerina, naturaleza integrada – o desintegrada gradualmente por el hombre – familia de fractura físico/emocional y su particular visión de los sin destino.

Estructurada con multiplots alternantes que parten de la relación acabada de Annie y Glen Marchand, ella una mujer incapaz de reconstruir su vida después de un largo matrimonio en punto muerto y él un ex suicida que lucha entre el alcohol y la culpa católica mientras sueña con recuperar el amor de su ex mujer. Por otro lado amanece en un adolescente los primeros pasos hacia una relación amorosa de caracter iniciática, y en tercer plano el adulterio despechado y border. Desde allí se desprenden un calidoscopio de consecuencias que decantan la tragedia familiar.
Una de las mas descarnadas manifestaciones del anti sueño americano - sintetizado en la escena mas simbólica cuando una banda de pueblo no puede articular las notas de Sledgehammer y en medio dela confusión general se escuchan dos disparos- y de brechas morales que conviven en la carga diaria.

Lejos de algún paisaje lirico y poético que supo conseguir con George Washington o All the real Girls, Snow Angel es la mas trágica, urticante y pesimista de toda su obra sostenida por la construcción tridimensional de Kate Beckinsale y Sam Rockwell.

Gordon Green deposita su pericia en Pineapple Express (2008) una Stoner action movie que mixtura el comics de trazo grueso con los mas representados exponentes del momento Evan Goldberg, Judd Apatow y Seth Rogen como interprete y coguionista secundado por James Franco – a quien hemos visto lucir en Milk - Si bien es la película menos personal de Green nadie puede negar que, aun con desvíos argumentales poco felices, la película fluctúa conceptualmente dentro del “Touch manifiesto” del director, dos tipos comunes envueltos en un problema insuperable, distancia e incomunicación y corrupción e intolerancia y una línea invisible entre la bondad y la malicia.

En estos momentos Gordon Green está trabajando con Dario Argento en la remake de Suspiria, es evidente que los nuevos retos hoy por hoy son prioridad.

Recomendado: El Incisivo cine europeo. Du Levande e Irina Palm

2009-07-06T16:17:00.014-03:00

Du Levande
Du levande es posiblemente una de las revisiones mas cáusticas de la vida diaria contemporánea. Basada en pequeñas viñetas que relacionan personajes con los momentos más absurdos que la vida pueda dar en formato de tragicomedia existencial. El humor nórdico no es fácil de internalizar para latinos más propensos a la exageración, los improperios y gesticulaciones severas. Aquí el humor y la ironía pasan por la inacción física y la utilización del espacio conceptual –tanto interiores y exteriores están tratados con texturas mono crónicas – Du Levande, cuyo bautizo explicito en las fronteras nacionales es La comedia de la vida, no es un relato a boca jarro y busca la complicidad del espectador desde su contempla ción mas crítica y no desde la liviandad de la comedia natural. Un ejercicio fronterizo, cínico y profundo de un universo signado por la responsabilidad de preservar la cordura.

País: Suecia
Director: Roy Andersson
Guión: Roy Andersson
Comedy | Drama | Music
Titulo internacional: USA: You, the living. AMERICA LATINA: La comedia de la vida
Cast
Jessika Lundberg ... Anna
Elisabeth Helander ... Mia
Björn Englund ... Tubaplayer
Leif Larsson ... Carpenter
Olle Olson ... Consultant (as Ollie Olson)
Birgitta Persson ... Tubaspelarens fru
Kemal Sener ... The barber

Irina Palm
Maggie pasa los sesenta y de común acuerdo con ella misma detiene cualquier posibilidad de sorpresa o peripecia de darse un gusto en un pueblo en las afueras de Londres. Maggie es una mujer golpeada por la vida que aun no ha visto lo peor. Su nieto tiene una enfermedad que solo puede tratarse en Australia, tanto su hijo como su nuera exponen la cruel verdad del dolor y la compasión. Maggie utiliza el único recurso en pie después de recorrer todos los bancos en busca de un préstamo para solventar la operación de su nieto o de humillarse ante jóvenes empleadores que le recuerdan que su edad la deja fuera del sistema.
Pero el último recurso es tan contradictorio como su propia personalidad, se convierte en una empleada de un Sex Shop donde deviene en una inevitable metamorfosis: Irina Palm.
Un drama duro al borde de lo meloso pero que se las arregla con recursos narrativos legítimos para encausar su objetivo, caer en lo mas bajo para resurgir.

País: Bélgica, Luxemburgo, Inglaterra, Francia
Director: Sam Garbarski
Guión: Martin Herron y Philippe Blasband

Cast
Marianne Faithfull... Maggie / Irina Palm
Miki Manojlovic ... Miki
Kevin Bishop ... Tom
Siobhan Hewlett ... Sarah
Dorka Gryllus ... Luisa
Jenny Agutter ... Jane

Grandes Directores: Joo-ho Bong, Especies, Imperfección, mutaciones y el hombre como el más imperfecto de todos.

2009-06-15T20:18:00.015-03:00

Debo confesar que las tendencias masivas siempre me dieron desconfianza, aunque siempre observo para fundamentar mi desconfianza. Podría pasar por una tonelada de directores orientales de los cuales muchos estudiantes de cine ostentan al pronunciar sus nombres, pero para sintetizar me detengo en el que mas me ha llamado la atención dentro de esta invasión orientalizada.

Joon-ho Bong es su nombre nace en Seúl en 1969 y hasta el momento ha dirigido cinco películas y una en producción [Transperceneige] de las cuales pude ver tres en cuenta regresiva desde su impactante The Host [2006], volviéndome sobre mis pasos - o los suyos - por Memory of Murder [2003] y recalando ayer en Flandersui gae [2000] o su titulo de distribución mundial Barking Dogs Never Bite. Creo que el primer impulso siempre tiene un valor agregado, entonces con la proposición de lo epidérmico voy a sintetizar algunas cosas a saber sobre el cine de Joo-ho Bong. En principio lo establecemos dentro del universo del cine de insolentes apariencias, y como síntoma próximo podemos destacar su versatilidad y su tendencia a quebrantar las unidades narrativas para establecer paletas de géneros dentro de un mismo film.

Joo-ho Bong no establece fronteras de estilo y un film suyo puede pasar de la comedia al drama urbano y al horror o al film noir con extrema facilidad, tercero, su cínica ironía sobre la conducta humana y por último el perfume simbólico de un caustico pesimismo sobre los arqueos sociales presentes y futuros. Mi primer ho Bong fue The Host, película que lo estableció como un nombre de relieve internacional. ¿Que hace que una película de un monstruo mutante sea atractiva en este siglo sin caer en el entretenimiento solapado de un cine de culto B? Respuesta: 1. Nunca vi una criatura tan real, 2. Suspenso + emoción + critica social + retratos lacónicos de bajezas humanas, 3. Escenas que no te dejarán en paz por mucho tiempo, 4. Extraordinario homenaje al cine catástrofe japonés. The Host catapulta la experiencia entre el humor – un poco hermético – negro, el drama social y ambiental, y una criatura mutante que constituye la proyección de la temeridad humana.

En Memory of Murder Joo-ho Bong es mas íntimo cuando cuenta la historia de una mujer encontrada muerta en la provincia de Gyunggi, en Corea Sur, con mucha influencia del Lynch de Laura Palmer y Twin Peaks. Memory es un crudo circuito sin salida de dos policías limitadísimos que utilizan métodos extremos de tortura sin ningún horizonte. Los policías pronto se convierten en estandartes de su propia brutalidad y generan mas antipatía que el propio caso que investigan y el sistema, claro, queda al descubierto y diseccionado sin piedad por lo precario de su efectividad ciudadana.
Por último Flandersui gae nos ofrece el primer ho Bong. Comedia negra sobre almas fuera de tiempo que caen con su peso específico sobre mascotas caninas y dejan al descubierto su propia incompetencia como individuos postergados. Un hombre que está decidido a eliminar al perro que ladra en sus momentos de ocio y desidia social
y una mujer, empleada en una tienda de libros, que se convierte en protectora de las mascotas que están muriendo en una suerte de asesinatos seriales. Desopilante, atrevida, negrísima. El desenfado y la mixtura de géneros es lo más sorprendente de este debutante que mantiene el equilibrio sobre una gran cornisa que promete siempre una estrepitosa caída. Pero Joo-ho Bong, no solo sale ileso sino que llega a la cima y se adueña de lo que después será. Disecciona con este recurso una vez más las carencias de una Corea entre el hermetismo del pasado y la pretensión del impulso que pretende perfilar su rostro hacia los nuevos vientos sociales.

Acá me encuentran esperando una copia de Mother, su último film, que cuenta la historia de una madre desesperada en busca del asesino de su hijo, tal vez mi narración encuentra lo común de la historia ya contada, pero aparentemente ho Bong se las arregla nuevamente para sorprendernos con su destreza particular: la sorpresa, las apariencias y la crítica social.

Recomendado: Las notables frases de Woody Allen y Groucho Marx

2009-06-15T17:11:00.008-03:00

WOODY

El amor es mas profundo, el sexo solo penetra unos centímetros.

No me importa el mundo real solo me importa el mundo de la ficción.

La ciencia no tiene nada de malo, entre el aire acondicionado y el Papa, me quedo con el aire acondicionado.

La frase más bella no es “te quiero” sino “es benigno”

... pero no fue así, sabes... eras una admiradora y una seguidora y luego una estudiante y luego mi compañera de casa, en poco tiempo me di cuenta que manejabas el control remoto.

Tradición en la ilusión de la permanencia.

No tienes valores... veneras el nihilismo, el cinismo, el sarcasmo y el orgasmo.

Fomentan el concepto del “otro” para que sepas a quien odiar.

MUJER - ¿Fue la única o hubo otras?
WA - No Anny Pollak fue la única, ¡Qué Dios me fulmine si no es cierto!
MUJER – ¡Pero... eres ateo!
W.A. - ¿Estamos solos en el universo, acaso también me culparas por eso?

Toda la gente conoce la misma verdad, nuestras vidas consisten en como elegimos distorsionarlas.

El dinero no da la felicidad, pero procura una sensación tan parecida, que necesita un especialista muy avanzado para verificar la diferencia.

El miedo es mi compañero más fiel, jamás me ha engañado para irse con otro.

El amor es la respuesta, pero mientras usted la espera, el sexo le plantea unas cuantas preguntas.

El sexo sólo es sucio si se hace bien.
La única manera de ser feliz es que te guste sufrir.

La vocación del político de carrera es hacer de cada solución un problema.
En mi casa mando yo, pero mi mujer toma las decisiones.

De pequeño quise tener un perro, pero mis padres eran pobres y sólo pudieron comprarme una hormiga.

Mis padres no solían pegarme; lo hicieron sólo una vez: empezaron en febrero de 1940 y terminaron en mayo del 43.

GROUCHO
Jamás aceptaría pertenecer a un club que me admitiera como socio.

¿A quien va usted a creer?, ¿a mi, o a sus propios ojos?

Estos son mis principios. Si a usted no le gustan, tengo otros.

Él puede parecer un idiota y actuar como un idiota. Pero no se deje engañar. Es realmente un idiota.

Nunca olvido una cara. Pero en su caso, estaré encantado de hacer una excepción.

Claro que lo entiendo. Incluso un niño de cinco años podría entenderlo. ¡Que me traigan un niño de cinco años!

Desde el momento en que cogí su libro me caí al suelo rodando de risa. Algún ida espero leerlo.

¿Por qué debería preocuparme por la posteridad? ¿Que ha hecho la posteridad por mi?

La justicia militar es a la justicia lo que la música militar es a la música.

La inteligencia militar es una contradicción en los términos.

Una mañana me desperté y maté a un elefante en pijama. Me pregunto como pudo ponerse mi pijama.

La televisión ha hecho maravillas por mi cultura. En cuanto alguien enciende la televisión, voy a la biblioteca y me leo un buen libro.

He pasado una noche estupenda. Pero no ha sido esta.

Debo confesar que nací a una edad muy temprana.

O usted se ha muerto o mi reloj se ha parado.

Recordad que estamos luchando por el honor de esa mujer, lo que probablemente es más de lo que ella hizo jamás.

Partiendo de la nada alcance las mas altas cimas de la miseria.

Citadme diciendo que me han citado mal.

El matrimonio es una gran institución. Por supuesto, si te gusta vivir en una institución.

La política es el arte de buscar problemas, encontrarlos, hacer un diagnostico falso y aplicar después los remedios equivocados.

Es mejor estar callado y parecer tonto que hablar y despejar las dudas definitivamente.

Bebo para hacer interesantes a las demás personas.

Solo hay una forma de saber si un hombre es honesto: preguntárselo. Y si responde "sí", sabes que es un corrupto.

¿Que por qué estaba yo con esa mujer? Porque me recuerda a ti. De hecho, me recuerda a ti más que tú.

Mis Joyas en el Ático: Electra Glide In Blue, en el desierto toda alma queda al descubierto.

2009-05-31T20:21:00.007-03:00

El cine como industria o como arte también proporciona incógnitas y misterios difíciles de comprender. Posiblemente después de Charles Laughton con su exótica y perturbada The Night of the Hunter, como hacedor de una joya de todos los tiempos y un a carrera de director inconclusa o acabada en una sola obra [Aunque se lo vincula con The Man on the Eiffel Tower que se adjudica Burguess Meredith], James William Guercio se inscribe en este paradójico club de directores de una sola obra con la notable Electra Glide in Blue [1973].

Corrían los setentas cuando el coletazo enérgico de Easy Rider [1969] de Denis Hopper había institucionalizado los films de motoristas en carretera, también vale decir, que sin proponérselo abrió las puertas a innumerables subproductos que estrangulaban el género poco a poco [Tanto se apagó que tuvo que renacer en Australia con el primer Mad Max]

Electra Glide in Blue es una ingente introspección de Norteamérica profunda sintetizada en la figura de John Wintergreen un diminuto policía de carretera en el estado de Arizona , hombre que arrastra sus miserias de Vietnam y aspira a ser una gran investigador de Homicidios. Wintergreen [Un apellido axiomático que naturaliza su personalidad] está lidiando contra su voluntad de montar su Electra Glide en soledad, siente la corrosión del desierto y aspira a recomponer su autoestima en el departamento de Homicidios, cuando lo logra encontrará no solo un caso diminuto y sin importancia como la muerte inconclusa de un ermitaño sino que forjará inevitablemente su trágico destino. Pocos han expuesto el desierto como elemento integrador del alma humana como Guercio y su pequeño policía [unas de las mejores interpretaciones de Robert Blake después de In Cold Blood - 1967 - y de su afamada serie Baretta] y pocos han construido un trip existencial y revelador dentro de un género destinado a la acción expositiva que, generalmente, olvida cualquier tipo de dispositivo espiritual. No tengo como revelar que ha llevado a Guercio abandonar la dirección cinematográfica, podemos suponer que ha vuelto a sus raíces de músico y productor musical sin embargo el film se consolida con los años como una lúcida metáfora de la desazón de una década que comienza con la dura pérdida de ilusiones lisérgicas de los sesenta.
Comienza donde termina Easy Rider, acaso es una versión mas amarga que la propuesta por Hopper, cuando aquellos que creían en las bondades del Flower Power aquí son los verdugos implacables del nuevo mandato social naciente. Electra Glide in Blue es una de las películas que mas recuerdo de aquellas matinée de doble programa de los barrios y como toda gran obra la memoria siempre se encarga de sacarla a la superficie.

Little Filmmakers: o pequeños realizadores de cine digital. El proceso de aprendizaje de la generación digital

2009-05-31T19:36:00.009-03:00

Era todo un desafío diseñar un taller audiovisual para niños sobre todo después de dirigir talleres para adultos durante muchos años. La primera pregunta para desarrollar Little Filmmakers en el St. George College fue: ¿hasta dónde las estructuras audiovisuales de enseñanza podían hacer atractivo y dinámico el taller sin decantar en una pérdida sistemática de la atención? ¿Hasta donde se extiende dicha atención de estos chicos de 9 años para absorber una técnica progresiva que luego deben aplicar con su propia creatividad? Hoy aun existen algunas incertidumbres pero felizmente muchas respuestas también. La atención depositada en la tecnología requiere menos tiempo que la creativa. El primer momento de exposición referido a la tecnología se suma a la novedad, cuando lo tecnológico deja de ser para ellos “novedoso” es el límite para re -crear espacios tendientes a gestionar la voluntad de la creatividad y la inventiva. Obvio, el entendimiento de la tecnología es fundamental y va delante para su posterior aplicación. Entonces la tecnología se aplica progresivamente pero no simultáneamente. Solo en cuotas controlables y en tiempos reducidos. Cuando se forman los grupos de producción comienza la tarea más ardua. La escritura de la historia personal y el diseño de dicha historia en el proceso del draw story board han generado sin dudas un momento cumbre. La disposición de los chicos para el dibujo controlado por los planos cinematográficos es asombroso, porque no están generando ideas libres sino dentro de un marco espacio temporal creado por ellos mismos pero limitando la realidad a la técnica audiovisual, a marcos controlables, no a la libertad de una hoja en blanco sino a límites del cuadro cinematográfico, a los planos, a otra dimensión que genera un plan de movimientos que deriva en puesta en escena para un futuro rodaje. Hay variables a tener en cuenta para los grupos de producción que a veces pueden distorsionar este aprendizaje. Los grupos tienden entonces a auto exigirse, y es donde hay que reparar y evidenciar las prioridades. La auto exigencia desmedida sin duda tiende a provocar bloqueos creativos. Los grupos también suelen sobredimensionar los objetivos.
Como en todo grupo, también se forman consorcios de egos incontrolables o la tendencia a abandonar un concepto por el tedio provocado por el proceso. Entonces opté en su momento por construir un pequeño oasis que interrumpa por 2 clases el proceso de producción de sus propias realizaciones. Vieron Stand By Me en dos jornadas y analizaron el comportamiento de sus personajes. La vuelta al trabajo productivo ha renovado y generado nuevos impulsos, y sus producciones se encaminaron. Los grupos funcionan aun con sus dudas inevitables, los chicos [Aclaro, en este caso solo quedaron chicas] encuentran en el cine un modo de expresión, el desarrollo digital permite estos acercamientos, hay un futuro en la comunicación digital que no puede ni debe evitarse, el cine es un gran aliado para procesos de aprendizajes que aun no han sido bien explorados. Los universos de conocimientos son múltiples, el niño potencia su capacidad de internalizar culturas, de verificar moral y espiritualmente sucesos, de explorar emociones y de sintetizar oralmente historias, de comunicar y comunicarse con recursos inagotables. La experiencia fue y será única, sus inquietudes rondarán por mi cabeza por mucho tiempo, pero lo mejor que puede pasar es que mis respuestas hayan instituido en ellos una experiencia que puedan valorar algún día en el rincón mas considerado de sus vidas.

Taller de Guión: una película es una estrategia narrativa

2009-05-31T18:44:00.013-03:00

Posiblemente los que atiendan la lectura de esta breve información sobre el Taller de Guión también hayan leído algunos manuales sobre el tema. También cabe la posibilidad que haya acudido a otros talleres. ¿Qué hace distinto este?
Bien, primero, nada asegura que lo entiendas si no estás dispuesto a escribir, si no concilias la técnica cinematográfica a la escritura y si nadie te enseña a volcar tanta técnica tan poco literaria sobre el papel. Eso no te lo brinda un manual. Nunca se entenderá el proceso si no escribes un draft de tu idea que posibilita trabajar sin muchas frustraciones.

Este taller hace base en la progresiva escritura y el entendimiento de las herramientas visuales aplicadas rápidamente con módulos examinadores de causa y efecto. El relato cinematográfico es una sucesión de justificaciones dramáticas, los módulos ajustan y prueban tu historia. El método es que encuentres tú propio método con las herramientas que te pueda brindar aquí, que son menos esquemáticas que los manuales que leíste porque acá pongo mi experiencia al servicio de tu propia causa y puedo asegurarte que la experiencia reduce los manuales a poco.

Puedo enumerarte los errores mas comunes al escribir para la pantalla y tal vez aprendas de ellos pero considero que de los errores tuyos vas a aprender más [Siempre y cuando tengas en cuenta que cuando mas autocrítico seas más aportas a tu propia causa] Nuestro proceso va de la idea al guión, posiblemente muchos te ofrezcan lo mismo, la diferencia es el camino que te propongan para llegar, y allí, está nuestra diferencia. Algunos pasos fundamentales para que lo entiendas:
1. El terreno cinético es menos flexible que el literario. Trabajamos sobre ello.
2. Crear un espacio - tiempo para cine responde a funciones creativas-estéticas pero también económicas y rentables. Es un deber que lo sepas.
3. El formato de escritura que pocos hacen hincapié es fundamental para que un productor considere que sos profesional, el formato tiene sus regles. Te lo enseñamos.
4. Enseñamos el oficio y las estrategias estructurales que sirven para cada historia. Porque consideramos que cada historia tiene un tratamiento particular.
5. Lo visual responde a comportamientos humanos reconocibles por lo tanto tenemos en cuenta el aspecto psicológico de los personajes. Hacemos ejercicios al respecto.
6. Generamos tests permanentes de seguimiento de las obras de cada alumno como si fuera la presentación profesional del proyecto. Siempre te damos pautas del terreno profesional.
7. Consideramos el espacio escénico como el todo creativo haciendo ejercicios para el dominio ficcional de la escena.
8. Consideramos una macro y micro estructura del relato como elementos a revisionar permanentemente antes, durante y posteriormente.
9. Apoyamos siempre la teoría con ejemplos concretos ya sea de guiones producidos o filmes referenciales.
10. A veces se producen los guiones delos alumnos, supervisamos todo el proceso de rodaje desde el guión. Son diez razones pero hay mucho más.

Ya han pasado más de 200 personas que lo avalan. Mas que la cantidad nos interesa la calidad de los participantes y del taller. Generalmente el cupo es de 15 personas para poder trabajar en el análisis personalizado.

Los referentes directos del curso tienen origen en las teorías y experiencias recogidas de guionistas como Jean Claude Carriere, Syd Field, Paul Schrader. Paul Auster, Quentin Tarantino, Robert Towne, William Goldman y mi personal visión del oficio.

Los films escogidos para los cursos ejemplifican los modelos estructurales que han facilitado aportes substanciales en la narración visual llevándola hacia otros rumbos mas atrevidos. Así Pulp Fiction, Frozen River, Lantana, son ejemplos en cine, The Soprano, Boston Legal en series televisivas.

Profesor: Fabián Iriarte
Inicio: Miércoles 06 de Abril 2011. de 19:30 a 21:30hs
Lugar: Colegio de Abogados de Quilmes, Alvear 414, Quilmes
Total Clases: 16 (un cuatrimestre)
Cupos: 15 participantes.
Forma de Pago: $135 x mes,
Colegios con cupón 10% de descuento
Matriculados Colegio de Abogados de Quilmes 10% de descuento
Pre Inscripción: fairmontm19@hotmail.com
Primer cuota. Primer día de clase.

Recomendado: Cine independiente norteamericano

2009-05-11T15:45:00.005-03:00

Ganadora con justeza del Casavettes Awards dentro de los Spirit Award, del Festival de Florida y del Woodstock Film Festival. In Search… cultiva la tradición de Manhattan de Woody Allen (Ambas en blanco y negro sostenidas por frondosas líneas de diálogos y relaciones neuróticas) como dispositivo analítico de seres en proceso de reconstrucción sentimental o de combatientes perennes insatisfechos de aquello que inadecuadamente han instalado alguna vez como estandarte insustituible de vida. Otra asociación para nada caprichosa es Before Sunrise, aquella deliciosa travesía en tiempo real de una pareja espontánea y mágica. Wilson y Vivian son menos mágicos y espontáneos, pero acaso, dos abonados a la soledad y la incomunicación. El film trata el proceso de dignificación personal con síntomas de melanco nocturno conducente hacia una definitiva purificación sentimental. Moderna, divertida, revisionista. Algo tan familiar como posible. Para contemplar en compañía. Dirigida por Alex Holdridge

Una gema independiente para almas en estado de suspensión, aquellos que deben tomar una decisión, aquellos que deben o creen que su vida merece una nueva oportunidad. Wendy and Lucy es una película fresca, íntima, reflexiva. Aquí es donde anida el mejor indie norteamericano, su directora Kelly Reichardt ya nos había regalado Old Joy, un drama existencial de tono naturista donde la valoración de la amistad se fortificaba entre dos seres opuestos, uno esquemático y flemático el otro libertino y desgarrado. En Wendy and Lucy vuelve el concepto de los lazos inquebrantables de la amistad en situaciones límites. Wendy escapa de un episodio familiar y tiene como objetivo Alaska, Lucy es su mansa mascota canina, llegan hasta donde el vetusto auto las abandona para siempre, un pueblo. Con poco metal en sus bolsillos y su perra desaparecida la intromisión de un destino adverso dispara la historia hacia dos búsquedas desesperadas y la esperanza solo tendrá asidero con la aparición de Lucy. Humana, emotiva, Reichardt parece recordarnos que lo simple construye palmo a palmo la existencia humana.

Chop Shop por sobre todas las cosas es un film de relaciones de causa y efecto socio cultural. Es un bosquejo de sobrevivencia curtida en el marco de un barrio marginal del Queens Newyorkino. El punto de vista neurálgico de la historia se apoya en el derrotero de Alejandro, un niño con sueños de empresario que disputa un lugar en el mundo – en todo caso en el único que conoce -en la zona de venta de autopartes de vehículos de dudosa procedencia. El micro mundo latino entre la delincuencia oficializada y la oportunidad de dinero fácil arrastra a Alejandro en la zona de lo necesariamente incorrecto. Película social, encarnadura de un paisaje rústico y desesperado. Dirige Ramin Bahrani ganador de un premio especial en el Spirit Award, hacedor de la internacionalmente reconocida Man Push Cart.

Proyecto Fílmico: Camino a New Orleans

2009-05-06T18:08:00.004-03:00

Cesare un inmigrante de 60 años vive cerca del río. Durante mucho tiempo ha trabajado para un oscuro empresario de la zona sur haciendo cobranzas a la fuerza. Es un visitador, un cobrador de deudas que tiene su cuartel general en un club de barrio. También ha tropezado con sus emociones y relaciones, cuando va a cobrar una deuda de un hombre que encuentra muerto en su propia casa y ayuda al niño huérfano de 8 años llamado Daniel. Sin proponérselo la estadía del niño se prolonga y descubren códigos en común, hasta Cesare descubre su costado paternal. Pero sus ocupaciones –jugar al billar, a las bochas, supervisar trabajos clandestinos, escuchar blues, tomar ginebra y volver a jugar al billar – no le permiten estar a tono con las demandas de Daniel, entonces llama a una agencia y encuentra a la cuidadora especial para el niño, tan especial que se convierte en su gran amor. Daniel tiene 18 años, se inicia con el mismo empresario que Cesare, ahora “trabajan juntos”. Pero un trabajo no resulta y el empresario decide darles de baja, eso significa, matarlos a ambos.

Guión: 100 Páginas

Lo que vendrá: David Lynch y Werner Herzog filmarán juntos

2009-04-26T18:09:00.006-03:00

El director alemán Werner Herzog y su colega estadounidense David Lynch rodarán a partir de abril su primer film en conjunto al que llamarán "My Son My Son, What Have Ye Done", el cual es un thriller de terror. La película está basada en hechos reales y se centrará en la historia de un hombre de la ciudad estadounidense de San Diego, quien mata a su madre con una espada. El autor del crimen sufre de delirios y cree ser un dios griego.
Herzog dirigirá el film, mientras que Lynch será el productor. El film se anuncia para 2010

Confesiones de un Guionista: Tener una idea ¿Qué hacer con la idea? Por Fabián Iriarte

2009-04-26T17:14:00.008-03:00

A menudo buscamos la llave que de manera indeclinable nos conduzca a una idea. A menudo el efecto catártico que concibe ese embrión está relacionado con la conducta, la utilización del tiempo y un mecanismo preciso de coordinación tendiente a ejercer el trámite conciliador entre la memoria y la experiencia personal.

A pesar de los tiempos inviolables que la vida profesional se empecina en recordarnos, el elemento creativo no abandona su tiempo personal y en cuanto la tendencia es llevar todo hacia un autoritario modo de llegar al objetivo, la inspiración se quedará en los umbrales de lo imposible entre la desesperación y el desconcierto. Si la inspiración es forzada a aparecer espontáneamente en tiempo y lugar que nos conviene, estamos cerca del derrumbe creativo. La inspiración es en todo caso un ejercicio simbiótico. La suma de incentivos creativos llega solo cuando un concepto hace digestión, consciente de un tempo mental que le ha dado la oportunidad de existir. En cuanto una idea aflora a la superficie mandamos el intelecto a recogerla. En realidad encontrar los recursos para incitar la idea a salir la superficie es el menor de los problemas. El verdadero depredador es su ciclo evolutivo, cuando una idea debe transitar hacia el reconocimiento de su potencial, la resistencia y la duda de lo que verdaderamente representa, el marco en que debe desarrollarse y el proceso de evaluación a que debe someterse.

Una idea no se pesa, no se mide, ni se distingue sobre otras por el tiempo en que fue pergeñada. Cuando escucho sobre valorar el mérito de “un guión escrito en una semana” me pregunto ¿Acaso se trata de una maratón? ¿Qué significa desarrollarlo en menos tiempo que otro? La idea-creativa es causa y efecto. Es el resultado de como se dice algo y la manera como se recibe. En el incubo está la respuesta, la idea debe forjar su pequeño historial mental mediante su evolución progresiva. Mientras, el talento hace su parte, en tanto y en cuanto lo reconozcamos como el aliado de la voluntad y del compromiso insoslayable con la actitud y no como una condición cósmica de un ente soberano.

En cuanto a la participación grupal en el desarrollo de una idea, son dispositivos indispensables las personalidades que defenderán la misma. Generada por uno, evaluada por el resto, aceptada por algunos y puesta a prueba por otros, el desarrollo comienza cuando la idea debe transitar el arduo camino de cambios y mutaciones, sin que por ello comprometa su premisa original o abandone y desvirtúe progresivamente la razón por cual fue creada. En grupo, solo el entendimiento colectivo de la premisa original será aquello que sostenga el proyecto.
Se convierte entonces en un proyecto que necesita sumar talentos.
La intrusión de un equipo ejecutor que toma para sí la responsabilidad de cristalizar el proyecto, debe estar consciente que la tarea es caminar por una cornisa acechada por un ventarrón.
El recurso es alcanzar un refugio donde uno pueda descansar por un breve tiempo y aprovechar para reflexionar. La idea-proyecto ya no es aquella intima compañera que sostenía una desigual y descarnada pulseada mental mientras se llevaba consigo gran parte del tiempo, ahora debe involucrar ejecutores, va camino a probarse, tiene representantes empíricos que a veces la hacen propia, pide a gritos que la coordinen y en general no soporta los embates de egos en ascensión dislocada. Es por eso, que la verdadera exigencia está en que los ejecutantes se equilibren en el mismo pedestal de compromiso hasta conciliar esa inevitable comunión de talentos, necesarios, para que un buen relato se convierta en una buena película.

Si la idea-proyecto ya es una historia y esa historia confluye en una película y está dotada de personajes que viven circunstancias que lo llevan a resolver los obstáculos basándose en sus principios, sufriendo transformaciones físicas y espirituales y asumiendo con estoicismo o no el futuro, entonces se inaugura aquel tiempo y espacio ilusorio por donde transitará la historia y propiciará, en el mejor de los casos, la comunidad de emociones. El mismo camino, la misma experiencia, la misma reflexión cabe para el equipo destinado a defender, con el arte de la expresión, el resultado del compromiso creativo.
Sobrevivir a una idea es, en definitiva, lo que queda de uno cuando termina de producirla, el romance inicial puede potenciarse o definitivamente socavarse hasta que podamos darnos una nueva oportunidad. Significa entonces, volver a transitar el proceso regenerativo de la voluntad mientras se emprende nuevamente el ciclo conciliatorio entre la memoria y la experiencia.

Lo que vendrá: The Informers, The Hurt Locker. Lymelife

2009-04-18T18:41:00.008-03:00

Aquí apostamos a que estas películas sean lo que esperamos. Todas ellas aun no han sido estrenadas masivamente, pero son inquietantes. Paciencia.

Brett Easton Ellis el mismo escritor de las urticantes "Less Than Zero" y "American Psycho" diseca la sociedad americana brillantemente, aquella cultura en que demasiado nunca es bastante. Ahora adapta para la pantalla su propia y aclamada novela. La estructura se concentra en la vida sincopada de Los Ángeles en los años 80, y con un esquema coral equilibra una inmensa y compleja serie de caracteres que representan de alguna manera la decadencia moral y generacional de un Hollywood mas emparentado con Sodoma y Gomorra. ¡Ah! y si de reventaje se trata, un aparte para la intervención de Mickey Rourke como un desenfrenado dealer. Dirigido por Gregor Jordan, australiano que dirigió la remake de Ned Kelly. Olor a nominación ¿No es muy pronto?. Sitio Oficial

The Hurt Locker, la película ganadora en Venecia del premio SIGNIS es un retrato misterioso del valor bajo fuego de héroes no reconocidos del ejercito, los técnicos de una escuadra de desactivadores de bombas que desafían las desigualdades operativas para preservar la vida en la ruda guerra de Irak. Tres miembros de élite del Explosive Ordnance Disposal (EOD) nos conducen gradualmente a situaciones extremas cuando el permanente peligro de una explosión en cadena late cómplice a lo largo del film. Gran pericia de Kathryn Bigelow directora de films de acción como K-19. Esta ya la vi, la recomiendo para los amantes de platos fuertes. Idealistas, abstenerse.
Sitio Oficia l

Basada en las experiencias de la niñez del propio director Martin Derick, Lymelife se desarrolla en los 70, posicionada desde la inocente mirada de Scott Bartlett en sus florecientes 15 años. Lymelife promete explorar los alcances del amor, el último amor, su preservación y los peligros del sueño americano, como en muchas producciones independientes. Entre el tono alegre y ácido diseca los pilares de la estructura familiar de la época, tejiendo un tapiz intrincado de la vida americana dentro de cambios drásticos en lo económico, lo social y lo emocional. Opera prima de Martini Derick, precedida de excelentes críticas. Toda una apuesta.
Sitio Oficial.

Recomendado: Entre le Murs

2009-04-10T13:55:00.006-03:00

Esta pequeña gran maravilla cinematográfica ha obtenido la Palma de Oro en Cannes y fue junto a Der Baader Meinhof Komplex y Revanche las tres representantes del continente europeo ante el Oscar a la mejor película extranjera.
Laurent Cantet es un artesano de trabajo silencioso y prolijo constructor de viñetas sociales que se inmiscuye como invisible documentalista en momentos urticantes de la vida diaria. Desde Ressources humaines (1991) una historia de revelaciones e iniciación de un joven recién graduado y con su primer empleo que cae en cuenta que algo anda mal en las estructuras sociales cuando debe despedir sin contemplación a veteranos empleados, hasta L'emploi du temps (2001) cuando la pérdida del empleo va de la mano de la perdida de la dignidad y el recurso de disimular la angustia y la desolación es un "Trabajo diario " que recrudece con el paso del tiempo, ahora, utilizando el escenario del aula como Fellini con su partitura en cierne en Ensayo de Orquesta como metáfora social, construye una historia multiracial entre pizarrones, distancias culturales, dialectos, equívocos lingüísticos y el significante de una generación que hace de lo profano un estandarte inviolable. En este crisol de culturas y de capas reconocibles Cantet cierra la puerta del aula tras el inicio de clases y se dispone a hurgar en patologías sociales y culturales examinando, desde un pupitre, como nuestro tiempo carcome el puente de comunicación entre el educador y el educando. Hace falta resaltar la escena que un profesor se declara en franca derrota cuando mas allá de cualquier ensayo consciente habla de adolescentes imposibles y de causa perdida. Por otro lado vemos a Francois el profesor protagonista y su proceso aulico e íntimo. Como en un cuadrilátero virtual los adolescentes-problema acometen con su inconformismo feroz entre la provocación unilateral primero y cruzada después. La intención del relato no es desnudar problemas en el seno de la educación, el objetivo es replantear la convivencia, que hacemos con lo que hemos construido mientras buscamos respuestas sin inmediata posibilidad de ejecución. ¿Excluir, incluir? ¿Igualar? o ¿Quién quiere oír que oiga?.
Sin posturas, con un lenguaje fresco actual y hasta mágico por momentos, parece difícil reubicarla dentro de la ficción, cuando las actuaciones sostenidas por un naturalismo menos esquemático que el de Rohmer y mas cercano a la cámara vouyerista e invisible que pretende hacer nido en un rincón reservado para un testigo mudo. Verdaderamente sorprendente, retrato universal y contemporáneo y mas allá de los que encontraron un paralelismo solo con el continente europeo y algún subrayado en el problema de la inmigración, nada nos aleja del tema. Cantet traza una línea entre Souleymane un problematico joven africano y Wei un aplicadisimo joven Asiático y establece los parámetros de una pertenencia nacional disipada por la globalización. Francois intentará encontrar la manera de recomponer el puente metodológico para que la enseñanza sea nuevamente una herramienta eficaz mientras libra una lucha interna entre el deber y su precario optimismo. ¡Quien no!

Recomendado: Der Baader Meinhof Komplex

2009-04-10T11:22:00.005-03:00

Posiblemente hay mas de una opción para arribar al centro neurálgico de esta película, pero lo que promete con cabal cumplimiento es no dejar a nadie en la periferia. Su estructurada sustancia narrativa genera tres posibles lecturas según el genero como instrumento. Primero podemos aventurarnos a clasificarla dentro del Thriller Político, segundo, no le sentaría mal el Biophic de ascenso y caída y tercero y mas audaz aun, el Testimonial pop de clausura histórica. El film se basa en la novela emblemática de Stefan Aust que dedica y pormenoriza en sus paginas los atentados de la RAF (Brigadas Rojas) como crónica convulsiva y catártica. Dirigida por Uli Edel veterano director televisivo y ecléctico realizador cinematográfico, el film centraliza el contexto en la inadecuada unión de Ulrike Meinhof, periodista inconveniente de "Gauche Divine" de pensamiento progre y Andreas Baader un agitador pendenciero que asume el rol de justiciero ideológico enarbolando armas antes que la razón contra el Estado Policial propenso la nostalgia nazi y el imperialismo norteamericano y sus incursiones en Vietnam y Medio Oriente . Y si de contexto hablamos, mas allá de las puertas que abramos al ver el film, estamos dentro del mayo francés, la primavera de Praga, Munich del 72, el secuestro de Lufthansa. El período recorrido de esta célula terrorista comienza en el 1967 y termina con una decisión trágica en 1977. Con los parámetros históricos determinados el perfil que Edel le imprime al film recae sin concesiones en la estrategia y pericia visual de las acciones y elige el tempo psicológico como complemento al pulso narrativo. Las dos vertientes de la mano armada de la célula están determinadas y enfrentadas por las acciones viscerales que acomete Baader ante la débil reflexión intelectual de Meinhof ubicando a la periodista en una zona ambigua que decantará en decepción, depresión y auto destrucción ante la aventurada deducción de que el fin ha sido fagocitado por los medios. El lugar de Meinhof en la historia propone más la idea de lo que pudo haber sido antes de lo que fue. La translación de madre - esposa engañada -lider de grupo y victimario-víctima de su propia gestación es el lugar mas interesante y mejor propuesto. Los desbordes violentos de Baader y lo que provoca aun en su rol de mito moderno (En el juicio campera de cuero, Ray Ban, jeans ajustados, postura punk) después de ser detenido declara y auspicia la controversia del film, lo incómodo del testimonio, la escalada violenta y el detalle acusador de la cámara y la confusión histórica. Der Baader Meinhof Komplex inquieta, regurgita el pasado, nos sirve como patrón histórico. Ni tal lejos ni tan cerca.

Sam Peckinpah: Mi amigo imaginario

2009-04-02T12:21:00.007-03:00

Soy un profundo e incondicional admirador de Sam Peckinpah. Me provocan sus deslices, la infundada acusación de misoginia, sus glamorosos excesos de Slow Motion y montaje alternativo y su sinceridad narrativa, a pesar de haber sido censurado y perseguido, Sam Peckinpah ha sobrevivido todo lo que pudo. Nadie ha estado tan cercano a mi idea cinematográfica como él. Tal vez mis otros familiares directos como Tarkovski, Bergman y Polanski. Se que a primera vista dudan y piensan en voz alta que poco tienen en común todos, pero confió que en una cautelosa revisión mental encuentren puntos de contacto. Pero este espacio es para hablar de mi amigo: Aquel, que en un ardiente y febril día posado sobre Nuevo México, entre un tequila dudosamente destilado, polvareda pegadiza y una lagartija testigo y sedienta, me confiesa que para hacer cine "Hay que romper algunas barreras y algunas narices también" Cineasta incomprendido, indie en todo sentido, rebelde, violentamente poético, nostálgico, feroz, indómito, escéptico. Peckinpah y su descreimiento patológico de la realidad lo ha llevado a construir obras corrosivas donde a contra píe de los caracteres de Hollywood sus humanidades transitaban por la desconfianza, la decadencia, el extraño concepto del honor y la amistad idealizada. Casi todos se inmolan por una causa, se atrincheran en sus convicciones, en sus desérticas soledades y luchan por revertir la idea de ser el último bastión de la especie que representan. Peckinpah consume sus fuerzas retratando la distancia inconmensurable existente entre un escape liberador y sus personajes en vía de extinción. En su obra, el optimismo es evaluado como un estado de somnolencia que precipita la tragedia, en todo caso, su omisión nos lleva al terreno pedregoso del combate permanente por la vida diaria. Para Sam todo se construye con acciones cáusticas y redentoras sin ningún tipo de posibilidad de contemplar un claustro de fe. En Ride The High Country, Steve Judd otrora matón a sueldo entra al pueblo por un contrato, la gente está en las calles, victoriosa, alegre, Judd reverencia con su sombrero creyendo que la bienvenida es para él hasta que alguien le espeta en la cara "corrase del camino anciano, alguien puede atropellarlo" Judd se da cuenta que el pueblo está recibiendo al primer automotor del oeste y que él mismo es una reliquia de otros tiempos. Una asombrosa presentación del mundo Peckinpah. En The Wild Bunch Pike Bishop y su pandilla agotada por el trajinar de décadas intenta robar un banco, entre un vendaval de violencia y un costo soberano, logran huir con el botín para mas luego descubrir que solo han robado arandelas metálicas. Otra vez los desangelados deben arreglárselas en la cornisa de un pérfido destino. Cable Hogue es abandonado por sus compañeros en medio del desierto, las posibilidades de sobrevivir son ínfimas, pero como una divina aparición encuentra agua, sobrevive, ahora va por más, llega a un pueblo y se interna en un banco para pedir un préstamo e iniciar un negocio en el desierto, pero nadie le cree que ha encontrado agua en esa zona, Cable debe sobrellevar la burla de su propio destino en The Ballad Of Cable Hoge, posiblemente el testamento más valiente de los últimos días del Western. En 1971 Straw Dogs despojaba el climax poético-crepuscular que había alcanzado con Cable Hogue para otra vez entrar en el paroxismo descarnado y violento instalado en The Wild Bunch. Straw Dogs es una fecunda meseta para elaborar una paradoja social contemporánea cuando un matemático sumiso y su esposa se evaden (La evasión, otra constante Peckinpahiana) del mundanal pulso de sus vidas para internarse en las mieles provincianas, donde el proceso de introspección y pasividad de sus personajes decanta en catársis explosiva encaminandose a un redentor y depurador final. Otro vía crucis moderno, luego perfeccionado en The Getaway, en la deliciosa crepuscular y melancólica Pat Garret and Billy The Kid, en la oscura, cínica y bucólica Bring Me The Head of Alfredo Garcia, en el ácido retrato de una triaición en Cross Of Iron. Conocí a Sam y fue compañero de tantas injusticias y soledades. Transité sin saberlo por locaciones que había usado en Bring Me The Head... como el Hotel Camino Real en Guadalajara y aquel bar en Tlaquepaque, en la misma ciudad. Hice una lista de temas recurrentes, como alguien que guarda un tesoro preciado y lo saca de vez en cuando, estos son: El concepto inviolable de la amistad, los niños como testigos inocentes de un mundo convulsionado, los animales como segunda linea de natural padecimiento después de sus caracteres principales, el precio de la traición, la suciedad y la polvareda bautismal, el denso y opresivo calor síntesis extravagante de oprobio e injusticia, la verdad en la acción, los avatares liberadores para afrontar los cambios. Podría seguir, pero posiblemente te quite tiempo para ver una película de este director maldito nacido en 1926 en la zona llamada Peckinpah Mountain, California y que nos abandonó fisicamente el 28 de diciembre de 1984, pero que nos sigue recompensando con su legado.

Recomendado: Encounters at the end of the world

2009-03-25T21:47:00.006-03:00

La eterna búsqueda de Werner Herzog culmina siempre en un laberinto de preguntas sin respuestas, es que Herzog no concibe la realidad como un estado existencial sino como el juego de causa-efecto infinito de preguntas asociadas a un nuevo efecto. Y cuando encuentra una respuesta dentro del vulgo racionalizado no hace más que incitar, restaurar y escenificar otra razón para seguir explorando los confines del alma humana. Herzog se mueve bien en latitudes del infinito. Entre esas capas de realidades refutadas Encounters at the End of the World retrata, con y dentro de los individuos autoproclamados Of The Map un paralelo extraordinario entre la subsistencia de especies encerradas bajo un manto eterno de hielo en la Antártida y la elección del humano a capitalizar cualquier promesa de soledad y sacrificio como si se tratara de una tarea divina a cumplir con enfermiza devoción. Evidentemente no es un simple retrato de la especie humana pro heroica como sucedió con su película documento Fitzcarraldo ni de la inocencia decantada en exterminio en Grizzly Man, se trata mas bien de un fuerte principio moral.
Herzog pone el cuerpo en cada realización y cada realización es producto de una catarsis iniciatica y de un reencuentro personal e intimo con la naturaleza. Con sus propias palabras Herzog asegura: "Sería una utopia, pero con el cine trato de responder justamente dichos interrogantes sobre el absurdo de todo lo que nos rodea. Pero también busco otro tipo de gramática, imagenes nuevas, estamos rodeados de imagenes gastadas"
El sustento del relato proviene de los moradores de la base McMurdo Station cuando argumentan su posición ante el aislamiento mientras el montaje nos refiere a la fauna extravagante confinada a oscuridad permanente. Herzog es implacable, a veces con refinado cinismo, cuando ahonda en los sueños proyectuales de la gente de McMurdo, ahi se mueve y es un regocijo, nuevamente se dispone a desafiar las respuestas en un laberinto inconmensurable de preguntas igual que un cosmólogo en busca de los origenes del universo.

Proyecto Filmico: El Visitante Clandestino

2009-03-25T19:39:00.004-03:00

Walter y Emily son exitosos profesionales y una pareja feliz. Son lo que soñaron hasta que una noche un niño herido irrumpe en su casa. El niño es parte de un proyecto experimental que Walter ha desarrollado en una corporación y que ha mantenido en secreto. Emily se siente desconcertada y a la vez traicionada en su confianza. La discución no trasciende porque esa misma noche la corporación pone en claro que Walter ya no les sirve. La pareja y el niño escapan como pueden. En el camino Walter y su esposa descubren varias cosas. Walter fue engañado, su trabajo solo fue una fachada, mientras tanto el niño ha sido entrenado para matar y son eslabones para un atentado en la triple frontera llamado Oriente Primero.

Estado del proyecto: Guión 5 Draft
Paginas:110
(c) : 2008
Solicitud de Lectura Productora: Contactos

Trailer: Let the right one in

2009-03-23T11:32:00.005-03:00

Recomendado. Let the right one in: el regreso del género

2009-03-23T10:17:00.012-03:00

Cuando vemos Let the right one in entramos en el terreno de la fascinación y en los confines de lo oscuro, y sin dudas , nos convertimos en testigos de un tratamiento visual y narrativo sin la opulencia de los grandes estudios pero con la consideración del cine más auténtico, aquel que se atreve a incursionar los terrenos del drama, romance, horror y humor sin perder la identidad. Otro detalle; se trata de una película sueca con 42 premios internacionales. Su director Tomas Alfredson, osa emular los patrones Bergmanianos del drama humano de dos seres en inferioridad de condiciones, uno Oskar, un niño desamparado y frágil y Eli una niña que esconde un secreto milenario y en estos días, debe sobrevivir a costa de otras vidas. Con este material, Alfredson conjura una narración pausada, silenciosa, contemplativa, perversa y contundente.
Personalmente había abandonado el género con decepción, o el género me había abandonado cuando a falta de ideas se alió con el humor. Añoraba las grandes películas del género, añoraba a Roman Polanski del pasado cuando creyó que era el momento de adaptar la novela de Ira Levin, Rosemary's Baby y a final de la fiesta de los sesenta, el hijo del demonio nacía de una parejita modelo de New York. O cuando William Friedkin asume el reto de ir mas allá con The Exorcist y nos revela que tanto puede ensañarse el demonio con una niña de trece años. Sin olvidar la contundente The Omen de Richard Donner donde el apocalipsis irrumpía en la vida moderna y un niño de cinco años nacido de un chacal se entronizaba en el mundo como el mismísimo rey de las tinieblas. Let the right one in contacta con esta trilogía al utilizar la inocencia y la supervivencia de dos pequeños seres abandonados a su suerte y condenados al ostracismo mas cruel. Al finalizar la película me reencontré con el género aunque la obra es mas que el género mismo, fascina y perdura en la memoria por mucho tiempo, tanto como lo hacen las mejores películas.

Fabián Iriarte Cine

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